Filme Pieces of a Woman é a jornada emocional de uma mãe que acaba de perder seu bebê. Diante dessa perda, ela terá que lidar com as consequências que seu luto tem nas relações com o marido e a mãe, lutando para que seu mundo não desabe por completo.

CRÍTICA E SINOPSE – FILME PIECES OF A WOMAN

Martha e Sean se preparam para o primeiro bebê do casal, e decidem fazer o parto em casa.

No entanto, o momento não ocorre como previam, e os dois precisam lidar com o impacto de uma tragédia.

Sofrendo pressões familiares, midiáticas e de advogados, os dois precisam descobrir como preservar o relacionamento em crise.

É difícil prever para onde se encaminha Pieces of a Woman (2020), drama com múltiplos focos a partir de uma tragédia familiar.

A narrativa é dividida em três atos rigidamente separados: primeiro, uma trama ultrarrealista sobre o parto de Martha (Vanessa Kirby), mulher que decide ter o bebê em casa.

As cenas são longuíssimas, em planos-sequência, evitando a romantização da maternidade.

Alguns teóricos encaixariam o projeto no subgênero “o corpo sofre”, no qual se representa algum processo doloroso (geralmente imputado às mulheres) da maneira mais brutal possível.

Segundo, existe um melodrama familiar, menos focado nas ações do que nos sentimentos, refletindo o trauma vivido por Martha e o marido Sean (Shia LaBeouf).

Filme Pieces of a Woman

O senso de urgência da parte anterior desaparece, cedendo espaço a um retrato lacônico do luto. Terceiro, e talvez o mais inesperado de todos, seja o suspense de tribunal, onde se espera resolver legalmente o drama da protagonista.

O foco abre-se progressivamente, de um instante íntimo entre três pessoas (mãe, pai e parteira) ao julgamento acompanhado pela nação inteira.

O cineasta húngaro Kornél Mundruczó se tornou conhecido pela mão pesada nas composições imagéticas e nos maneirismos de câmera, que já produziram tanto sequências frenéticas de perseguição (em Deus Branco, 2014) quanto uma aventura fantástica (Lua de Júpiter, 2017).

No caso do projeto de 2020, o interesse provém do encontro entre o olhar estetizante e o drama intimista.

Em certos aspectos, a reunião provoca ótimos resultados: o terço inicial permite aos atores construírem os personagens como num palco teatral.

As imagens ininterruptas possibilitam um desenvolvimento orgânico das falas e expressões corporais.

Neste momento, Kirby encontra um interessante viés à protagonista, certamente apegada ao bebê, porém nada encantada quanto à vida de mãe.

Martha conduz a gestação com a naturalidade de quem possui um trabalho a cumprir, e deseja fazê-lo muito bem.

A atriz foge aos extremos tão associados ao parto, à maternidade e ao luto, evitando posturas de vítima, mártir, heroína ou qualquer outro selo que lhe colem.

O forte olhar da intérprete carrega um misto de raiva, cansaço e remorso. Após a tragédia, a protagonista deseja ao mesmo tempo a guerra e a paz, o caos e o silêncio, o ataque aos outros e o direito à reclusão.

Filme Pieces of a Woman

Por outro lado, certos recursos estilísticos soam exagerados, sobretudo no terço final.

A sequência do julgamento inclui curiosos planos dos pescoços (em busca do batimento cardíaco das atrizes?), enquanto o ostensivo balé da câmera durante um almoço em família se traduz em exercício de vaidade.

O plano-sequência possui valores muito diferentes quando serve a compor planos dentro do plano, reforçando interações pelo tempo real e pelos sons extraquadro (caso das obras de Cristi Puiu e Michael Haneke), ou quando apenas comprova o prazer do olhar onisciente, desejando estar em todos os lugares simultaneamente.

A câmera móvel de Pieces of a Woman fornece tantas possibilidades a Mundruczó que o cineasta se deslumbra com o movimento em si, enquanto ferramenta retórica.

Conforme a trama avança, o roteiro abandona Sean e se esquece Martha durante tempo considerável para se concentrar na mãe (Ellen Burstyn).

A câmera abre tanto o escopo do olhar que perde o foco nos protagonistas – quanto mais a montagem ignora a dinâmica do casal, mais o filme se enfraquece.

A representação desta dor tão íntima não resiste à tentação do espetáculo – vide o “momento Oscar” de Kirby e Burstyn, durante a catarse no almoço.

Haveria múltiplas maneiras de explodir, ou implodir, sem passar pela verbalização dos sentimentos.

A propósito de verbalizações, o drama reserva outros instantes em que a elaboração do luto passa pela palavra, bem articulada e enunciada em público.

À medida que investe no melodrama tradicional, o filme de ambições estéticas tão fortes se domestica, deixando de acompanhar este processo pelo olhar de Martha.

Ela passa a ser observada por terceiros, e o espectador não saberá mais o que pensa, nem como pretende agir.

Uma cena importante envolvendo Elizabeth e Sean será determinante para os rumos desta experiência: este será o primeiro conflito em que Martha não está envolvida.

Neste instante, sequer sabemos onde a personagem se encontra. Aos poucos, a narração minimiza o papel da mãe em nome da necessidade de abraçar outras causas.

Filme Pieces of a Woman

A partir da exagerada cena do cheque, por volta de dois terços da narrativa, o projeto nunca mais retoma os trilhos.

As atitudes de Elizabeth resultam novelescas (o roteiro realmente precisava de uma vilã?); a partida de um personagem importante não surte impacto emocional notável nos demais, e o discurso hollywoodiano diante do juiz, rompendo protocolos e promovendo uma reviravolta emocional, revela a dificuldade do autor em resolver traumas através de saídas puramente imagéticas.

Apesar destas ressalvas, Pieces of a Woman resulta num estudo satisfatório sobre a personagem principal, tratada com respeito e com impressionante variação emocional por Kirby.

Molly Parker também se destaca a partir de uma figura tão pontual quanto importante à trama, ao passo que Shia LaBeouf relembra o bom ator que pode ser quando se encontra longe das grandes produções e da pressão midiática.

Infelizmente, as metáforas são utilizadas de modo insistente demais, ou insuficiente: as sementes de maçã virando uma macieira e o bebê com “cheiro de maçã” resultam num imaginário óbvio (vide a fraca cena final), enquanto o símbolo do rompimento da ponte, relacionado à crise do casal Martha-Sean, poderia ser melhor explorado pelas cartelas temporais e pela conclusão.

Filme Pieces of a Woman

Caso se ativesse aos dois personagens que vivenciam de perto o trauma, o projeto poderia atingir um resultado mais potente.

A vontade de ver o circo pegar fogo, introduzindo conflitos externos e artificiais, apenas desvia o foco do humanismo inicial.

Talvez a maior ressonância, no sentido físico de encontro de vibrações contrárias de mesma intensidade, provenha do embate entre o estilo propenso à grandiloquência e um tema que implora pelo minimalismo.

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Filme Legado Explosivo, um ladrão de banco resolve mudar de vida e se tornar uma pessoa honesta quando se apaixona por uma mulher que trabalha em uma instalação de armazenamento, um lugar onde ele esconde todo o dinheiro que rouba.

Mas fica cada vez mais difícil limpar seu nome quando ele passa a ser investigado por um agente corrupto do FBI.

SINOPSE E CRÍTICA

Decidido a mudar de vida e se tornar uma pessoa correta, um ladrão de banco se apaixona por uma mulher que trabalha no lugar onde ele esconde o fruto dos delitos. A coisa piora quando ele começa a ser investigado pelo FBI.

Há um bom tempo Liam Neeson vem demonstrando interesse em se afastar do tipo de filme que tem alçado sua carreira a níveis de sucesso nunca vistos em anos anteriores.

Afinal, por mais que tenha sido indicado ao Oscar por A Lista de Schindler (1993) e participado de outros projetos igualmente relevantes, como Kinsey: Vamos Falar de Sexo (2004), desde Star Wars: Episódio I – A Ameaça Fantasma (1999) e, principalmente, em Busca Implacável (2008), ele tem se especializado, basicamente, em dois personagens: o mestre capaz de tirar uma carta da manga no último minuto, ou o engenhoso e incansável lutador disposto a enfrentar – com bons resultados – até os perigos mais letais.

Pois bem, essas duas figuras se mistura em Legado Explosivo com tamanha perfeição que deve ter sido quase impossível para o ator recusar a oferta.

Filme Legado Explosivo

E assim, agora se tem a oportunidade de vê-lo mais uma vez como um personagem com o qual se demonstra bastante confortável, e num domínio tamanho de suas habilidades que é quase impossível disfarçar o prazer que resulta desse novo encontro, independente de que lado da tela se esteja.

Assim como Cary Grant ou James Stewart, ícones da era de ouro de Hollywood, Liam Neeson também é um astro que preza muito a imagem que o público tem a respeito da sua própria persona.

Por isso, por mais que aceite interpretar um bandido, assim o faz de modo que esse possa ser visto como… herói, é claro.

Então, o melhor é esquecer o tal de Legado Explosivo do título nacional – não há nenhum legado em questão, por mais que se tenham várias explosões em cena – e direcionar as atenções ao batismo original: Honest Thief, ou seja, Ladrão Honesto.

Filme Legado Explosivo

Assim, o galã interpreta um homem que há quase uma década tem como passatempo roubar bancos, sem deixar nenhuma pista para trás – tanto que se tornou conhecido como o “ladrão do entra-e-sai”, apelido que ele detesta, aliás – e motivado por razões bem particulares.

Dois detalhes, porém, merecem ser ressaltados: primeiro, nunca gastou um tostão do que foi roubado, e segundo, está arrependido de tal prática, e o que o faz mudar de ideia é a descoberta do verdadeiro amor.

Dito assim, parece simples absurdo. Porém, quando esse texto tão improvável, quanto ridículo, é dito em cena por alguém como Liam Neeson, sem nem titubear, como não dar-lhe crédito?

Ao alugar uma garagem para guardar o fruto dos seus assaltos, ele conhece Annie (Kate Walsh, indo com eficiência além da mera presença como mocinha em perigo), gerente do local.

Um ano depois, os dois estão de namoro firme, e é chegado o momento dele tomar uma decisão: contar a verdade sobre seu passado.

Filme Legado Explosivo

Antes, no entanto, precisa chegar a um acordo com a polícia: está disposto a se entregar e devolver tudo que levou consigo em cada um destes golpes – um total de US$ 9 milhões!

No entanto, quer a garantia de que será condenado a uma pena de no máximo dois anos, em uma prisão de mínima segurança, em uma localidade próxima de onde vive, para que a namorada possa visitá-lo com frequência.

Ou seja, uma lista de pedidos tão inacreditáveis que, uma vez ditos por Neeson, se tornam corriqueiros e até razoáveis.

Mas não se engane: este é o legítimo exemplar de filme que segue a linha de “tiro, porrada e bomba”!

Filme Legado Explosivo

E essa trinca tem início quando os policiais que deveriam tomar a confissão dele – interpretados pelo vilanesco Jai Courtney e pelo novato Anthony Ramos (Nasce Uma Estrela, 2018) – decidem seguir outro rumo: pegar o dinheiro para eles e eliminar o bandido confesso.

É claro que esse plano não dará certo. Assim, a história enfim tem início quando, furioso, o protagonista liga para Courtney e o avisa pelo telefone: “eu tentei ser correto e fazer tudo certo, mas não funcionou, então agora não há mais nada a fazer, a não ser ir atrás de você”!

Quando uma frase dessas surge, todo espectador que tenha assistido a qualquer filme estrelado por Neeson nos últimos dez ou quinze anos sabe o que irá encontrar pela frente – e ele mais uma vez entrega, exatamente como o esperado, com a mesma excelência de sempre!

Muitas cenas de tiroteio nas quais todo mundo atira e ninguém morre (ou quase isso), perseguições automobilísticas completamente impossíveis, lutas intensas que deixam hematomas pelo corpo todo, mas não chegam a impedi-los de seguirem andando – mesmo quando arremessados do quarto andar de um prédio – e casas que vão pelos ares como café da manhã, Legado Explosivo oferece em seu menu tudo o que de melhor esse subgênero, do qual Liam Neeson é um verdadeiro mestre, pode entregar à sua audiência.

Filme Legado Explosivo

Determinado sem se levar à sério em demasia, engraçado sem resvalar no besteirol e intenso sempre que as descargas de adrenalina exigem, é o perfeito combo de ação, exageros e drama controlado sem exigir além da conta e nem cobrar demais no âmbito da verossimilhança.

É diversão garantida, assim como muitos dos seus similares anteriores, mas feito com gosto por quem controla esse cenário como poucos outros.

E é exatamente isso que termina por fazer toda a diferença.

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O Gambito da Rainha ou The Queen’s Gambit, conta a história de Beth Harmon (Anya Taylor-Joy), uma menina órfã que se revela um prodígio do xadrez.

Mas agora, aos 22 anos, ela precisa enfrentar seu vício para conseguir se tornar a maior jogadora do mundo.

E quanto mais Beth aprimora suas habilidades no tabuleiro, mais a ideia de uma fuga lhe parece tentadora.

Título original : The Queen’s Gambit
Direção: Scott Frank, Allan Scott
Elenco: Anya Taylor-Joy, Chloe Pirrie, Marielle Heller
Nacionalidade EUA
Canal original Netflix

SINOPSE E CRÍTICA – O GAMBITO DA RAINHA

A órfã Beth Harmon é prodigiosa no xadrez. Aos 20 anos ela precisou enfrentar o vício para se tornar a maior enxadrista do mundo.

Apontado como um dos maiores sucessos de todos os tempos da Netflix, a minissérie O Gambito da Rainha é um verdadeiro mistério.

Primeiro, porque não conta com nenhum rosto de destaque no elenco: a protagonista, Anya Taylor-Joy, foi vista em filmes como A Bruxa (2015) e Fragmentado (2016), mas seguia a espera do título que a tornasse, de fato, conhecida – bom, não mais.

Depois, trata-se de uma história que gira quase que por completo ao redor de jogos de xadrez, um esporte – se é que assim pode ser considerado – longe de ser minimamente popular (no Brasil, então, nem se fala).

E por fim, devido à própria estrutura narrativa assumida, que antecipa reviravoltas e segredos, esvaziando seus mistérios ou dramas, tornando o conjunto bastante previsível.

O que termina por fazer diferença, portanto, é justamente algo a mais que talvez não possa ser facilmente identificável, mas que certamente está além da soma das suas partes.

Criada por Scott Frank, roteirista indicado ao Oscar pelos enredos de Irresistível Paixão (1998) e Logan (2017), e por Allan Scott, escritor com passagem por títulos marcantes, como Inverno de Sangue em Veneza (1973) e o Convenção das Bruxas (1990) original, O Gambito da Rainha ressente, no entanto, pela falta de experiência de ambos no formato seriado.

O GAMBITO DA RAINHA

Ainda que o primeiro tenha no currículo uma outra produção no mesmo estilo – Godless (2017), também da Netflix – o segundo é estreante no gênero.

E isso fica claro ao longo dos sete episódios: a impressão que se tem, ao término da maratona, é de se ter ficado diante não de uma história contada em capítulos, mas de um longo filme, com mais de 6h30min de duração.

O que é muito a se pedir para uma trama que pouco de surpreendente apresenta, além de ficar evidente que seus excessos como tais se comportam.

Caso tivessem sido eliminados, o conjunto teria muito a ganhar em uma apresentação mais ágil e dinâmica.

O que mais O Gambito da Rainha carece é de um conflito dramático que motive o espectador a seguir atento durante o desenrolar de toda a série.

Beth Harmon (Isla Johnston quando criança, Taylor-Joy na adolescência e quando adulta) teve uma infância difícil, mas tudo que isso parece ter lhe provocado foi um comportamento quase autista, como que despreocupada com os demais, alheia aos dramas dos outros.

A mãe, de comportamento instável, repele o pai da menina, até que ele abandona as duas. Sozinhas, a mais velha se percebe incapaz de criar a filha.

Sem conseguir entregá-la ao ex-companheiro, toma a decisão mais fácil – ou difícil, dependendo do ponto de vista: opta pelo suicídio.

O evento se dá num acidente de trânsito, do qual Beth, miraculosamente, acaba escapando ilesa. Órfã, é enviada a um orfanato para garotas.

É lá que, durante uma visita ao porão para limpar apagadores de quadro-negro – vai a mando da professora – encontra o zelador (Bill Camp, de Coringa, 2019).

E a partir daí seu mundo começa, de fato, a se transformar. Isso porque o senhor Shaibel, no instante em que é visto pela jovem, estava jogando xadrez consigo mesmo.

Ela passa a demonstrar interesse, e logo os dois estarão praticando juntos.

O GAMBITO DA RAINHA

O que ele logo descobre é que está diante de um prodígio. Tem pouco a ensiná-la, afinal.

Beth aprende as regras rapidamente, e em questão de dias estará jogando melhor do que ele próprio.

Daí em diante, todas as portas passam a se abrir: o diretor do clube local, ao conhecê-la, trata de colocá-la em teste diante de jogadores mais experientes.

Quando, enfim, é adotada, tudo o que pede é um tabuleiro para chamar de seu. Tempos depois, o marido abandona as duas.

Sem saber como se manterem, percebem que torneios de xadrez podem ser uma boa fonte de renda – principalmente para os campeões (ou campeãs, no caso).

E assim vai trilhando seu caminho, ganhando um desafio após o outro, como se não houvesse ninguém bom o bastante para fazê-la ameaça. Ou quase isso.

Ainda nessa fase, é importante destacar as duas mulheres que terão papel preciso em sua jornada: a melhor amiga, Jolene (a revelação Moses Ingram), que surgirá nos momentos mais pontuais, e a segunda mãe, Alma (a cineasta Marielle Heller), com quem desenvolverá uma bonita relação de troca e confiança.

Afinal, se fosse apenas isso, daí mesmo é que o programa não teria graça alguma. Então, Frank e Scott tratam de inserir diferentes “vilões” no enredo.

O primeiro, e mais sério, é o vício que a protagonista desenvolve por aditivos químicos.

Desde os tempos do orfanato, quando era tratada com calmantes, ela descobre que, com a mente alterada, consegue ver as coisas ao seu redor com maior clareza – inclusive as possíveis jogadas a serem desempenhadas na partida seguinte.

A rejeição masculina – tema recorrente que vai do pai natural ao adotivo, passando pela primeira paixão até os demais colegas de prática que eventualmente dividirão também a cama dela – e a instabilidade materna (novamente, natural e adotiva) a levam também a excessos no álcool.

Os dois, combinados – drogas e bebidas – podem representar vantagens no jogo, mas também são perdições na vida.

Nada, no entanto, a se temer de fato: esse não é um conto de violência ou desespero, e, portanto, sabe-se bem que não importa a encruzilhada em que se meta, sempre haverá uma mão disposta a ir ao seu socorro.

O GAMBITO DA RAINHA

Entre os três homens da sua vida – Townes (Jacob Fortune-Lloyd, de A Casa Torta, 2017), Harry (Harry Melling, da saga Harry Potter) e Benny (Thomas Brodie-Sangster, da saga Maze Runner), cada um desempenhando um papel fundamental no seu amadurecimento enquanto mulher e jogadora – e o grande inimigo a ser derrotado – o russo Borgov (Marcin Dorocinski, de Plano Quase Perfeito, 2017), o inimigo a ser superado – Beth faz de O Gambito da Rainha (nome de uma jogada que em nenhum momento chega a ter importância em cena) a jornada de transformação de alguém que, após ter sido abandonada por todos, aos poucos vai encontrando seu lugar no mundo.

E se a história parece simples demais – o que de fato é – o que pode justificar tamanho interesse despertado é a excelência que Anya Taylor-Joy demonstra na defesa dessa personagem.

Dos momentos mais isolados às passagens de reconhecimento e glória, é ela que empresta verdade e empatia a uma trajetória que, de outra forma, poderia soar completamente alheia aos olhos de quem pouco entende – ou sequer se interessa – por cavalos, peões, torres e reis.

É por ela, acima de qualquer outro elemento, que uma obra que teria tudo para ser apenas banal acaba descobrindo uma relevância quase insuspeita.

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O enredo do Filme Mank segue a história tumultuosa do roteirista Herman J. Mankiewicz da obra-prima icônica de Orson Welles, Cidadão Kane (1941) e sua luta com o autor Orson Welles pelo crédito do script do grandioso longa. 

04 de dezembro de 2020 na Netflix / 2h 12min / Biografia, Drama
Direção: David Fincher
Elenco: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Lily Collins
Nacionalidade EUA

SINOPSE E CRÍTICA – FILME MANK

Consagrado como um dos melhores filmes de todos os tempos, Cidadão Kane (1942) está atrelado umbilicalmente ao seu diretor/protagonista Orson Welles.

Filme Mank vista observar o outro dos pais deste longa-metragem paradigmático, cujo enredo é centrado num magnata extravagante das comunicações que não consegue desvencilhar-se dos grilhões de uma juventude marcada pela ausência de afeto.

O cineasta David Fincher, com base num roteiro escrito por seu falecido pai, Jack Fincher, confere o protagonismo a Herman Mankiewicz (Gary Oldman, excelente), investigando o que teria sido a verdadeira gênese da obra que modificou parâmetros em Hollywood.

Num primeiro momento, especificamente na metade inicial da produção que transpira uma imagem de saudosismo, o realizador faz do personagem principal praticamente um guia turístico.

Herman existe mais para que tenhamos acesso privilegiado a determinadas instâncias da Meca do cinema norte-americano.

Na sua companhia, passeamos por estúdios, somos apresentados a várias figuras emblemáticas da chamada Era de Ouro, ou seja, acabamos introduzidos num universo singular.

David Fincher, no entanto, nesse segmento inaugural, prega essencialmente aos convertidos. Ele parece regozijar-se das entradas triunfais de personalidades como Louis B. Mayer (Arliss Howard), David O. Selznick (Toby Leonard Moore), Irving Thalberg (Ferdinand Kingsley), Josef Von Sternberg (Paul Fox) e Ben Hecht (Jeff Harms).

Alguns são imprescindíveis à trama que adiante adquire consistência enquanto diagnóstico sócio-político-histórico, mas outros se transformam em figurantes de luxo especialmente dispostos ao deleite dos espectadores previamente conhecedores de suas relevâncias a Hollywood.

Ao contrário do que a publicidade vem pontuando, Mank não se trata de um filme sobre a enorme rixa nos bastidores da criação de Cidadão Kane.

Orson Welles (Tom Burke) aparece esporadicamente, ao telefone, interagindo no limite da indiferença, claro, para termos esclarecida sua nula participação na arquitetura do roteiro.

Somente no encerramento as rusgas pelos créditos vêm à tona, numa cena excepcionalmente montada em paralelo com o confronto entre Herman Mankiewicz e William Randolph Hearst (Charles Dance), a inspiração de Kane.

Do ponto de vista do estudo de personagem, Mank igualmente cresce quando Fincher breca os flashbacks apenas como introdução.

Há um contato maior com essa personalidade fascinante, embora inclinada à autodestruição – vide o alcoolismo e a disposição praticamente patológica pelos jogos de azar.

Nesse percurso não fica claro se Fincher entende Mankiewicz como produto sintomático de um meio corrompido por toda sorte de influências ou exatamente o oposto, uma avis rara que sofre por não se encaixar perfeitamente dentro dos esquemas perversos.

Talvez haja um pouco das duas visões se entrelaçando nesse filme em que a fotografia em preto e branco a cargo de Erik Messerschmidt rivaliza no quesito exuberância com a linda direção de arte assinada por Chris Craine e Dan Webster.

Ao gradativamente desenhar o protagonista como alguém incapaz de lutar de igual para igual contra os poderosos – denunciando, por exemplo, estúdios como peças determinantes para os rumos da política estadunidense – o filme ganha melancolia, relevância e força poética.

E Fincher faz questão de lançar mão de certos expedientes presentes na linguagem do próprio Cidadão Kane, como os plongée e contra-plongée (perspectivas, respectivamente, de cima para baixo e de baixo para cima), como expediente para determinar visualmente a alternância de poderes, influências e capacidades em cena.

De certa forma, David Fincher com Mank oferece um pequeno gesto de oposição à política dos autores, celebrada como um mandamento pelos críticos da revista Cahiers du Cinéma, eles que viriam a formatar a Nouvelle Vague francesa e uma mudança significativa de pensamento quanto aos responsáveis pela autoria das produções cinematográficas.

Como homenagem ao pai, o cineasta ressalta a força das palavras, conseguindo equilibrar a opulência visual da qual se vale para estilizar uma Hollywood a partir da estética da época citada com a importância do roteirista ao processo.

A pontuação das transições com os cabeçalhos é a mais singela das suas tentativas de sublinhar a força do dito/escrito, sendo justamente a valorização da riqueza dos diálogos a principal delas.

As relações complementares que Herman estabelece com as mulheres principais do filme – Marion Davies (Amanda Seyfried), Rita Alexander (Lily Collins) e Sara Mankiewicz (Tuppence Middleton) – funcionariam melhor se o foco permanecesse ativo no homem, não naquilo que ele representa diante de Hollywood ou como testemunha desalentada e vítima sufocada do sistema.

Sem a coragem e o cinismo fino de O Jogador (1991), no qual Robert Altman fala da sua contemporânea Hollywood, Fincher comodamente olha para o passado, criticando uma quimera supostamente ultrapassada e obsoleta, mas o faz com muito estilo.

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Filme Uma Invenção de Natal acompanha o fabricante de brinquedos Jeronicus Jangle (Forest Whitaker) e sua neta Journey (Madalen Mills), que são responsáveis por invenções fantástiscas que dão origem a peças excêntricas e magníficas.

Quando sua mais preciosa criação é roubada por seu aprendiz de confiança, a traição deixa Jeronicus improdutivo e recluso, cabendo a sua neta criar uma mágica invenção para salvar o Natal.

13 de novembro de 2020 na Netflix / 2h 02min / Família, Musical, Aventura
Direção: David E. Talbert
Elenco: Forest Whitaker, Madalen Mills, Keegan-Michael Key
Nacionalidade EUA

SINOPSE E CRÍTICA

Jeronicus Jangle é um fabricante de brinquedos reconhecido por suas criações fantásticas. Quando seu aprendiz mais próximo rouba uma preciosa criação, ele vai contar com a ajuda da neta para despertar novamente a magia.

A quantos filmes natalinos com elenco predominantemente negro você assistiu? Provavelmente a nenhum.

Lamentavelmente recentes, as demandas por diversidade na representação nos cinemas felizmente vêm dando resultado, não na velocidade ideal para reparar a discrepância que permeou, ao menos, os primeiros 100 anos da Sétima Arte, mas com frutos visíveis.

Porém, Uma Invenção de Natal não é bem-sucedido apenas por conta dessa vontade para lá de bem-vinda de equilibrar uma balança historicamente desfavorável à comunidade negra, mas por fazê-lo com graciosidade e exuberância.

Se trata de um musical perpassado integralmente pelo lúdico, fundamento alimentado de diversas maneiras.

O aspecto de conto da carochinha, no melhor estilo “Era uma Vez…”, funciona como ignição que nos joga diretamente no mundo inventado em que a razão é parceira siamesa da magia.

O maior inventor de quem já se teve notícia é roubado logo depois de finalizar um feito extraordinário, caindo em desgraça, perdendo o brilho, afastando-se da filha e virando um cara ressentido.

FILME UMA INVENÇÃO DE NATAL

Após perdas (da esposa, da herdeira, do livro de projetos), Jeronicus (Forest Whitaker) se transforma num homem ensimesmado, fechado àquilo que o distinguia como excepcional.

O cineasta David E. Talbert pega arquétipos bastante utilizados, inclusive, e principalmente, em filmes de cunho natalino, e os tempera com essa mescla inusitada entre razão e emoção.

Ela torna crível, por exemplo, que para o mecanismo funcionar como deveria não bastam engrenagens e ângulos certos, é necessária que a crença seja adicionada à equação.

O contraponto de esperança à aridez do protagonista é a pequena Journey (Madalen Mills), neta que precisa furar o bloquei emocional do avô antes de mostrar a ele que depois das tempestades ainda existem espaços às bonanças.

Há transições feitas em animação, nas quais os personagens são apresentados momentaneamente como bonecos de madeira, o que adensa não somente a força da dimensão lúdica, mas também sublinha a consistência da direção de arte, área minuciosamente pensada para aludir a signos clássicos do Natal.

Visualmente, Uma Invenção de Natal é um filme bonito, mérito da excelência da construção desse entorno claramente de faz de conta e da suntuosidade dos figurinos, assim formando um conjunto que soa completamente coeso.

A trama toma caminhos conhecidos, com barreiras aparentemente inquebrantáveis sendo rompidas gentilmente, aos poucos, a fim de apontar a um futuro que busca insumos vitais no passado soterrado pela dor das ausências.

O que garante o trajeto prazeroso é a organicidade, o equilíbrio entre a deflagração do cenário, as etapas para ele ser modificado e a constatação do sucesso das empreitadas improváveis.

Alguns personagens acabam sendo um pouco subaproveitados, especialmente o menino Edison (Kieron L. Dyer), cuja importância é bem circunstancial, e o brinquedo animado Don Juan Diego (voz de Ricky Martin), que, depois de arquitetar o plano maquiavélico para continuar sendo único, vira um coadjuvante esporádico.

No entanto, essas pequenas inconsistências não são decisivas para diminuir a delicadeza e o sucesso da empreitada genuína e orgulhosamente natalina. Sobressai o poder da bondade vencendo os males.

FILME UMA INVENÇÃO DE NATAL

Além do esmero no desenho desse universo racionalmente mágico, assim pretensa e deliciosamente paradoxal, e da adesão com propriedade aos cânones do filão ao qual se vincula, Uma Invenção de Natal ainda conta com, ao menos, duas interpretações excelentes.

 Forest Whitaker expande os princípios convencionais do protagonista, oferecendo algo a mais quanto aos contornos dramáticos do sujeito paulatinamente reencontrando a possibilidade de sorrir.

Difícil imaginá-lo entre os favoritos na próxima temporada de prêmios, isso em virtude dos preconceitos relativos à natureza das obras “que devem ser laureadas”, mas ele faz jus novamente ao destaque.

Assim como é digna de aplausos a jovem Madalen Mills, um prodígio que parece ter uma carreira reluzente pela frente.

Combinando com habilidade os lugares-comuns e seu olhar bastante afetuoso, o cineasta David E. Talbert igualmente é merecedor de elogios por ter feito um belo conto natalino, com gosto de comida caseira, pois bem familiar, elenco majoritariamente negro e muita ternura.

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Filme Destruição Final o Último Refúgio, uma família luta para sobreviver enquanto um cometa segue em direção à Terra.

John Garrity (Gerard Butler), sua esposa Allison (Morena Baccarin) e seu jovem filho Nathan (Roger Dale Floyd) fazem uma perigosa jornada à procura de um local seguro para se estabelecerem.

Nessa jornada, eles enfrentarão o pior da humanidade em um momento de crescimento do pânico, desbravando um cenário onde a lei não existe mais.

19 de novembro de 2020 / 2h 00min / Suspense, Ação, Drama
Direção: Ric Roman Waugh
Elenco: Gerard Butler, Morena Baccarin, David Denman
Nacionalidade EUA

SINOPSE E CRÍTICA

Um cometa segue em rota de colisão com a Terra. Uma família tenta encontrar algum espaço pretensamente seguro para sobreviver ao apocalipse iminente. Nessa aventura, seus integrantes vão enfrentar o pior do ser humano.

Gerard Butler parece determinado a ocupar o lugar que já foi de Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis ou Dwayne Johnson em tempos passados.

Assim como ícones de outrora, como Paul Newman ou até Fred Astaire, em no fim de suas carreiras também ousaram marcar presença em exemplares do gênero, e escocês que já passou de forma desajeitada pelas comédias românticas aos musicais parece ter se encontrado, de verdade, nos filmes-catástrofe.

Essa impressão se confirma numa olhada rápida em sua produção recente, que inclui títulos como Tempestade: Planeta em Fúria (2017) e Fúria em Alto Mar (2018), sem esquecer da trilogia Invasão.

Pois eis que a linhagem ganha agora mais um representante com Destruição Final: O Último Refúgio, que o coloca mais uma vez no papel com o qual está acostumado – do herói disposto a tudo para salvar aqueles com quem se importa – ao mesmo tempo em que revela o desgaste da ideia.

Isso se percebe principalmente pelo pouco investimento nos efeitos visuais e na reciclagem de velhas ideias que, ao serem reaproveitadas pelo roteiro, servem apenas para colocar em evidência uma narrativa envelhecida e ultrapassada.

Filme Destruição Final o Último Refúgio

Com direção de Ric Roman Waugh (o mesmo de Invasão ao Serviço Secreto, 2019, também estrelado por Butler) e roteiro de Chris Sparling (do problemático O Mar de Árvores, 2015), Destruição Final: O Último Refúgio não perde tempo para dizer a que veio: uma chuva de meteoros se encaminha para a Terra, e apenas alguns foram selecionados para se protegerem em bunkers providenciados pelo governo – isso nos Estados Unidos, é claro.

É mais ou menos o sentimento vivido duas décadas atrás quando filmes como Armageddon (1998) e Impacto Profundo (1998) causaram forte impacto nas bilheterias mundiais – diferente de agora, quando tudo o que se consegue verificar é uma tímida marola.

Só que ao invés do espectador assumir a posição privilegiada de observador do caos e assolação que se abate sobre o planeta, ele é convidado a acompanhar os pequenos dramas vividos pela família do protagonista, incapaz de se dirigir em paz até o destino ao qual são direcionados.

Será durante essa jornada que todos os clichês possíveis e imaginados passam a ser agregados à trama, a maior parte deles sem o menor cuidado para que suas inserções se deem sem tropeços ou alardes.

Pra começar, temos um casal – Butler e a brasileira Morena Baccarin – em vias de separação (que, obviamente, irão se redescobrir apaixonados em meio à tragédia anunciada).

Há, depois, o filho pequeno dos dois, que irá somar outra questão a ser enfrentada: como desgraça pouca é bobagem, o menino é diabético, e exige cuidados especiais de tempos em tempos.

Aliado a isso, há o fato de que apenas pessoas sadias serão “salvas” nesses locais de segurança – e, com isso, sua passagem é cancelada.

Nesse momento, pai e mãe se separam – e, lá pelas tantas, até a criança se verá sozinha – dividindo a trama em três linhas.

Isso seria pouca coisa, não fosse tudo bastante previsível. Mas até mesmo esses deslizes poderiam ser perdoados, se ao menos o espetáculo fosse garantido – o que, de fato, não acontece.

Com exatas duas horas de duração, leva-se dois terços (ou mais) até que o primeiro meteoro comece a explodir por perto dos personagens.

Até ali, o perigo é apenas alertado, mas nunca muito iminente. Até esse ponto, o que se vê são vizinhos e amigos sendo deixados para trás sem muito pesar (ou paciência), um único familiar aparecendo apenas para se despedir – e proferir algumas palavras de impacto no processo – e outros empecilhos dos quais eles logo se livram, sem muito esforço.

É como se a estrutura do que aqui se chama “cinema” fosse a de um videogame, com etapas a serem superadas uma sequência após da outra, sendo jogadas por alguém que já está mais do que cansado de toda essa operação.

Filme Destruição Final o Último Refúgio

Resta, por fim, o lado humano de todo esse imbróglio. É quando Gerard Butler se mostra ainda mais distante dos brutos citados no começo desse texto.

Afinal, Stallone já foi indicado ao Oscar, Schwarzenegger é um dos maiores astros de todos os tempos, Willis e The Rock já se mostraram com desenvoltura também em outros campos de atuação, como o suspense e a comédia.

E o que Butler consegue, além de ser sempre o mesmo? A cada nova explosão, a audiência fica a um passo de ouvir um novo “Isto é Esparta!” proferido pelo valentão, como se ele estivesse eternamente no mesmo filme.

Sem perdas que importem – ninguém fica em cena o tempo suficiente para criar qualquer tipo de relação com o público além dos protagonistas – nem um alarme que encontre ressonância entre a plateia, Destruição Final: O Último Refúgio pode ser visto apenas como um passatempo, mas dos mais cansativos e frustrantes da atual temporada.

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Filme Convenção das Bruxas, o remake, clássico de fantasia dos anos 1990, acompanha um garoto de sete anos que se depara com uma conferência de bruxas em um hotel.

Lá, ele acaba descobrindo que um grupo de bruxas está fazendo uma convenção, pretendendo transformar todas as crianças do mundo em ratos.

Baseado no livro infantil homônimo de Roald Dahl.

19 de novembro de 2020 / 1h 45min / Fantasia, Comédia, Família
Direção: Robert Zemeckis
Elenco: Anne Hathaway, Octavia Spencer, Stanley Tucci
Nacionalidade EUA

SINOPSE e CRÍTICA

Enquanto está hospedado num hotel inglês com a avó, Luke espiona uma convenção de bruxas e descobre que elas estão planejando transformar todas as crianças em ratos. As bruxas percebem que Luke as ouviu e testam a fórmula nele.

Há um charme inigualável nos efeitos especiais práticos. A textura dos artifícios digitais é bem menos propensa ao grotesco, para começo de conversa.

Em Convenção das Bruxas, nova versão às telonas do livro de Roald Dahl, a suntuosidade dos cenários e figurinos elaborados prevalece, mas há uma perda significativa justamente do tônus terrífico por conta das técnicas utilizadas.

Certamente a Grande Bruxa de Anne Hathaway fica devendo no quesito impacto imediato se comparada à interpretada por Anjelica Huston na primeira adaptação do texto aos cinemas.

Ela é atemorizante com sua bocarra, mas lhe falta o aspecto quase canônico de bruxa enrugada, sendo uma atualização de certo modo soft da líder dos demônios que têm ojeriza a crianças.

Como diante de todo remake, é bom perguntar-se: qual a novidade por trás da atualização? A única justificável, para além das questões comerciais, é o protagonismo negro.

Porém, é bom perceber que a questão racial passa longe de ser fortemente debatida e instigada por metáforas ou qualquer coisa que as valham.

Filme Convenção das Bruxas

O melhor desse Convenção das Bruxas é sua meia hora inicial, quando nos deparamos com o drama do menino interpretado por Jahzir Bruno, mergulhado num oceano de tristezas após ficar órfão de pai e mãe.

Sua avó (Octavia Spencer) tenta confortá-lo, mas nada parece suficiente. A questão fantástica entra em cena somente após esse preâmbulo que acaba com o retorno da alegria e o primeiro encontro com uma bruxa.

Ele é iniciado nesse mundo de feiticeiras carecas com garras no lugar de mãos e pés sem dedos. O cineasta Robert Zemeckis se esforça para manter crepitando o horror.

Ele é o subsídio dos contornos lúdicos da trajetória de alguém que tem seu processo de crescimento dificultado por uma circunstância traumática.

Uma vez que a mitologia é totalmente destrinchada – com a avó contado sobre procedimentos das vilãs de enfeitiçar a todos com guloseimas –, o filme se transforma numa aventura cada vez mais banal, com pouca densidade dramática e praticamente andando em ponto morto. Ao chegarem ao hotel, os personagens se desconectam da essência.

A única feiticeira que importa em Convenção das Bruxas é a de Anne Hathaway. As demais são meros adornos numericamente expressivos, cuja finalidade é aumentar a dificuldade da missão de impedir a mutação de todas as crianças em ratos.

A partir do momento em que Octavia Spencer passa a ser a única humana entre os mocinhos, o filme se torna uma versão levemente horrenda de O Pequeno Stuart Little (1999), sem que o experiente diretor investigue aqueles ratinhos-humanos a partir de suas particularidades.

Daisy (voz de Kristin Chenoweth), por exemplo, tem seu desabrochar comprometido por essa displicência, exatamente, com as engrenagens do horror, de tal jeito que vira um apêndice, importando mais antes de revelar-se.

Claro que estamos diante de um filme pensado para um público prioritariamente infantil, mas isso não significa automaticamente aparar arestas em função de uma suposta diversão.

Robert Zemeckis modela claramente a voltagem desse conjunto (insosso) para nunca perder de vista as credenciais ao selo “para toda a família”.

Filme Convenção das Bruxas

Diante das recentes demandas por uma maior representatividade nos cinemas, é muito bem-vindo que certas reimaginações troquem o protagonismo branco pelo negro.

E não há, evidentemente, qualquer obrigação de transformar a causa racial num fervilhar, como se a existência do protagonista afro-americano gerasse necessariamente uma incumbência nesse sentido.

Entretanto, Robert Zemeckis organiza peças como se estivesse disposto a mergulhar, ainda que obliquamente, nesse terreno, haja vista os hóspedes inexoravelmente brancos e a quase totalidade de empregados negros.

Afora essa indisposição – que a alguns pode soar como indício de uma conveniência com os anseios também do mercado – a trama é conduzida apressadamente.

Quanto ao elenco, apenas Octavia Spencer tem espaço para construir alguém com atrativos convincentes.

Já Anne Hathaway não empolga como a vilã de contos da carochinha, em parte responsabilidade da estética das bruxas medonhas (pero no mucho).

Ela parece desconfortável, como se estivesse engessada dentro desse arquétipo de um ser bizarro, traduzido simplesmente como a mais pura personalização do mal.

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Filme Bob Esponja O Incrível Resgate, o sumiço de Gary preocupa seu amigo. Segundo Bob Esponja, Gary foi “caracolstrado” pelo temível Rei Poseidon e levado para a cidade perdida de Atlantic City.

Junto a Patrick Estrela, ele sai em uma missão de resgate ao querido amigo, e nesta jornada os dois vão conhecer novos personagens e viver inimagináveis aventuras. 

8 de outubro de 2020 / 1h 31min / Animação, Comédia
Direção: Tim Hill
Elenco: Tom Kenny, Bill Fagerbakke, Clancy Brown
Nacionalidade EUA

Críticas e Sinopse – Filme Bob Esponja O Incrível Resgate

Gary é sequestrado. Bob e Patrick decidem embarcar numa aventura para tentar trazê-lo de volta. Diante dos perigoso do caminho, eles terão de provar que não há nada como a amizade.

Um elemento fascinante das histórias envolvendo Bob Esponja diz respeito à capacidade de autoparódia.

Os personagens podem ser profundamente inocentes, mas o humor a respeito deles nunca o é. A esponja submarina morando na “Fenda do Biquíni” (nome de óbvia malícia) cumpre seu papel enquanto aventura colorida para distrair os pequenos, enquanto se revela um filme sobre os filmes, ou ainda uma série de histórias sobre a arte de contar histórias.

Em O Incrível Resgate (2020), quando o herói e seu colega Patrick partem rumo à salvação de Gary, a estrela-do-mar declara estar contente por se encontrar dentro de um buddy movie, com dois grandes amigos enfrentando provações até superarem os obstáculos e reforçarem seus laços no final.

Bob Esponja contesta, preferindo enxergar a missão dentro da jornada do herói, onde ele seria o único protagonista que retornaria para casa com o elixir no final, após provar seu valor individualmente.

Existe uma divertida autoconsciência metalinguística ao longo do processo, com o vilão satirizando seu papel de vilão, a vítima Gary ridicularizando sua posição de vítima e assim por diante.

Filme Bob Esponja O Incrível Resgate

Deste modo, o longa-metragem nunca se leva a sério enquanto procura pelo animal de estimação (alguém realmente pensaria que o caracol corre risco de morte?), apesar de se levar muito a sério enquanto paródia dos clichês cinematográfico.

O diretor e roteirista Tim Hill demonstra louvável prazer em atravessar distintos gêneros do cinema, brincando com cada um: o faroeste, a ficção científica, o cinema de autoajuda, o musical, o terror, a fábula ecológica e mesmo a “história de origem”.

Cada segmento subverte os elementos esperados com competência, ajudado por uma produção eficaz: a equipe jamais investe no humor do antagonismo, do tosco ou do trash, privilegiando o exagero típico da caricatura.

Recentemente, Playmobil: O Filme (2019) havia proposto uma mistura semelhante de gêneros, porém encarando cada segmento com seriedade (a ação queria ter o nível de James Bond, o épico pretendia emocionar como Ben-Hur etc).

A animação de 2020 adota um caminho muito mais interessante, apropriando-se dos signos de cada estilo para sublinhá-los ao limite do patético.

O projeto possui um didatismo diferente das obras infantis literais: ao contrário da explicação do mundo e das artes por meio da simplificação, Hill reforça as contradições de cada contexto até se tornarem absurdas.

Ao invés de ensinar o valor da amizade e da ecologia, ensina em primeiro passo a interpretação da ironia, do sarcasmo e das próprias imagens.

A sequência envolvendo a “Janela do Enquanto Isso” nada mais é do que uma maneira lúdica e incrivelmente eficaz de apresentar a montagem paralela às crianças.

Ao mesmo tempo, há impecável equilíbrio de tons: se Bob Esponja e Patrick ostentam o comportamento sorridente e tolo demais (algo declarado por eles mesmos), os personagens ao redor transbordam desprezo e descontentamento com o mundo (caso de Lula Molusco, Plankton e Seu Sirigueijo).

Filme Bob Esponja O Incrível Resgate

O trabalho de vozes transparece a conforto dos atores com seus personagens, interpretados previamente em outros filmes e séries, mas também a disposição às ambiguidades do texto.

A presença de uma máquina ultracapitalista visando somente o lucro, cujo bordão favorito é “Você está despedido!” faz óbvia referência ao futuro-ex-presidente dos Estados Unidos, Donald Trump.

Bob Esponja: O Incrível Resgate reafirma a rara disposição desta animação familiar em analisar o mundo do dinheiro e da exploração trabalhista.

O projeto sempre criticou a gestão desumanizada dos negócios por Seu Sirigueijo, em paralelo com a apatia cotidiana de Lula Molusco e a empolgação incompreensível de Bob Esponja ao ser explorado pelo patrão.

Enquanto crônica da alienação, a narrativa atinge um belo ápice quando a lanchonete, destituída de seu único cozinheiro, não pode mais atender os clientes.

O dono descobre então que os negócios são movimentados pelos funcionários, cabendo dar-lhes o crédito por sua produção (ou ainda, “se o operário tudo produz, a ele tudo pertence”, porém vamos dar um passo de cada vez).

Este raciocínio vale igualmente para o vilão vaidoso, um rei cujo declínio se encontra na descoberta de que os escravos estão unanimemente descontentes com tirania.

Completando o painel questionador, o sábio (Keanu Reeves) encoraja Bob Esponja a descobrir a coragem dentro de si mesmo – veja bem, não a provar seu valor para outros, e sim acreditar em seu valor enquanto amigo e operário.

Filme Bob Esponja O Incrível Resgate

O despertar de uma coletividade entre trabalhadores, literalmente quebrando as suas correntes, homenageia as revoluções populares.

É uma pena que a produção de origem televisiva nunca possua o nível técnico dos maiores criadores da animação cinematográfica – caso da Pixar, DreamWorks, Aardman, Ghibli e Laika.

A abertura no fundo do mar carrega traços simplistas, ao passo que o novo personagem, o rei esverdeado, ostenta uma construção de corpo, roupa e cabelos limitada.

Ressalvas à parte, o projeto transita muito bem entre a animação e o live action, oferecendo piadas hilárias a atores cada vez mais dispostos a parodiar suas personas (Keanu Reeves, Danny Trejo, o músico Kenny G.), incluindo valiosa participação de Tiffany Haddish, ocupando uma personagem e um espaço raramente reservado às mulheres negras.

Filme Bob Esponja O Incrível Resgate

A intensa cena musical, a paródia da canção inspiradora (uma clara fachada para os heróis seguirem a aventura) e a sequência alucinógena em cassinos reforçam a sensação de que a saga sem encontra muito além, em termos estéticos e narrativos, da média das criações infantis.

Que outra trama familiar permitiria aos heróis (uma esponja, afinal) se embebedar numa festança inconsequente e acordar mergulhado no próprio vômito?

A ingenuidade funciona melhor no cinema quando se percebe o quão absurdo é ser ingênuo nos dias de hoje.

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The Mandalorian, Din Djarin (Pedro Pascal) é um guerreiro solitário que trabalha como caçador de recompensa.

Ele embarca numa jornada pelos territórios esquecidos da galáxia, logo após a queda do Império e antes da criação da temida Primeira Ordem.

Desde 2019 / 40min / Aventura, Ficção científica
Direção: Jon Favreau
Elenco: Pedro Pascal, Gina Carano, Giancarlo Esposito
Nacionalidade EUA

THE MANDALORIAN – SINOPSE E CRÍTICA

A saga de um guerreiro solitário, que também é um mercenário e pistoleiro, viajando pelos territórios esquecidos e marginais do espaço, logo após a queda do Império e antes da criação da temida Primeira Ordem.

The Mandalorian se passa imediatamente após Star Wars: Episódio VI – O Retorno de Jedi (1983), ou seja, numa galáxia ainda sentindo os efeitos imediatos da queda do Império.

O cenário, portanto, é propício ao modo de vida do Mandaloriano (Pedro Pascal), cujo nome verdadeiro é ocultado até o episódio derradeiro dessa primeira temporada.

E faz bastante sentido ele ser tratado pela alcunha dos caçadores de recompensa mais afamados, aos quais faz parte, afinal de contas vive estritamente sob o código moral da doutrina conhecida.

“Este é o caminho” se torna a sentença repetida inúmeras vezes como mantra, uma bússola para evitar quaisquer desvios do conjunto de regras que o ajudou, entre outras coisas, a sobreviver ao infortúnio da orfandade.

O fato dos princípios orientarem o guerreiro justo aproxima o protagonista dos samurais.

Mando é, então, equivalente a um ronin, vagante não subordinado, vivendo de trabalhos bem remunerados e perigosos.

THE MANDALORIAN

Está na gênese da saga Star Wars essa relação com o chanbara, o tipo de narrativa japonesa que envolve batalhas, e, num sentido amplo, com o jidaigeki, o filme histórico que acaba centralizando a figura dos samurais.

O próprio George Lucas citou em inúmeras entrevistas que os Jedi são decalques espaciais desses espadachins, fato facilmente identificável pela vestimenta semelhante a um quimono e pelo sabre de luz que faz às vezes de katana.

Jon Favreau, o idealizador de The Mandalorian, retoma essa ligação umbilical em diversos sentidos, não somente no que tange à analogia ao bushidô.

O elo estabelecido entre o mercenário e a Criança (comumente chamada na internet de Baby Yoda, principalmente por ser da mesma raça do mestre Jedi) é visual e afetivamente bastante parecida com a basilar de Lobo Solitário, mangá criado por Kazuo Koike e Goseki Kojima, considerada uma das HQs japonesas mais importantes de todas. A inspiração é claríssima.

No capítulo Santuário aparece outra ponte escancarada com a terra do sol nascente, desta vez com o clássico Os Sete Samurais (1954), de Akira Kurosawa.

Mando e a rebelde Cara Dune (Gina Carano) são contratados por camponeses para proteger uma pacata vila da ameaça de saqueadores, exatamente como acontece no clássico acessado em outras ocasiões – Sete Homens e um Destino (1960), por exemplo, é um remake que transpõe essa trama para o Velho Oeste.

Aliás, ainda no campo das influências e da apropriação canônica, The Mandalorian bebe na fonte do western, com o protagonista sendo em parte uma cópia de carbono dos pistoleiros enigmáticos que vagavam pelas cidades em busca de ocupações garantidoras de sua subsistência.

Jon Favreau, no entanto, não sem contenta em oferecer piscadelas aos fãs desses gêneros e modelos, pois os utiliza de maneira engenhosa para criar um conjunto repleto de personalidade em meio às tais reverências.

THE MANDALORIAN

Mando precisa, a todo custo, proteger a Criança das garras dos remanescentes imperiais que desejam apropriar-se de seu poder.

Sim, pois o tal Baby Yoda, criaturinha para lá de carismática, mostra em alguns momentos-chave que, apesar da pouca estatura e do fenótipo infantil, possui o controle da Força.

Favreau desenha com inteligência esse distúrbio ainda ocasionado pelos fanáticos imperiais em meio à jornada de aventuras do mandaloriano de passado demarcado pela tragédia.

Gradativamente, fica clara a relação que o protagonista estabelece com o protegido, uma vez que ambos são órfãos deixados à própria sorte, mas que sobrevivem pelo amparo encontrado em figuras paternas substitutas.

Os personagens coadjuvantes são bem delineados e alguns desempenham função ambígua. Os ótimos dróides fazem jus à tradição de Star Wars.

THE MANDALORIAN

The Mandalorian ainda oferece arcos na medida para, não apenas satisfazer os fãs do universo criado por George Lucas, mas igualmente a fim de estabelecer pontes com nosso imaginário cinéfilo a partir do aproveitamento de vários modelos narrativos consagrados.

No episódio O Prisioneiro, por exemplo, há o belo aceno ao filme de assalto, uma construção em torno daquelas clássicas equipes de especialistas, cada membro com uma habilidade específica, montada a fim de executar uma tarefa que parece simplesmente impossível.

Um dos grandes méritos de Jon Favreau como showrunner é se valer dessas estruturas sem o efeito colateral do gosto rançoso de comida requentada.

Mando e a Criança formam uma dupla cativante nessa série grande parte exitosa por transbordar admiração, mas sem para isso deixar de ser propositiva.

Nesse faroeste espacial com toques de Japão feudal, o pistoleiro e o samurai se condensam no sujeito que não pode mostrar seu rosto.

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Assista ao filme Um Sonho de Liberdade, em 1946, Andy Dufresne (Tim Robbins), um jovem e bem sucedido banqueiro, tem a sua vida radicalmente modificada ao ser condenado por um crime que nunca cometeu, o homicídio de sua esposa e do amante dela.

Ele é mandado para uma prisão que é o pesadelo de qualquer detento, a Penitenciária Estadual de Shawshank, no Maine. Lá ele irá cumprir a pena perpétua.

Andy logo será apresentado a Warden Norton (Bob Gunton), o corrupto e cruel agente penitenciário, que usa a Bíblia como arma de controle e ao Capitão Byron Hadley (Clancy Brown) que trata os internos como animais.

Andy faz amizade com Ellis Boyd Redding (Morgan Freeman), um prisioneiro que cumpre pena há 20 anos e controla o mercado negro da instituição.

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