Filme Pieces of a Woman é a jornada emocional de uma mãe que acaba de perder seu bebê. Diante dessa perda, ela terá que lidar com as consequências que seu luto tem nas relações com o marido e a mãe, lutando para que seu mundo não desabe por completo.

CRÍTICA E SINOPSE – FILME PIECES OF A WOMAN

Martha e Sean se preparam para o primeiro bebê do casal, e decidem fazer o parto em casa.

No entanto, o momento não ocorre como previam, e os dois precisam lidar com o impacto de uma tragédia.

Sofrendo pressões familiares, midiáticas e de advogados, os dois precisam descobrir como preservar o relacionamento em crise.

É difícil prever para onde se encaminha Pieces of a Woman (2020), drama com múltiplos focos a partir de uma tragédia familiar.

A narrativa é dividida em três atos rigidamente separados: primeiro, uma trama ultrarrealista sobre o parto de Martha (Vanessa Kirby), mulher que decide ter o bebê em casa.

As cenas são longuíssimas, em planos-sequência, evitando a romantização da maternidade.

Alguns teóricos encaixariam o projeto no subgênero “o corpo sofre”, no qual se representa algum processo doloroso (geralmente imputado às mulheres) da maneira mais brutal possível.

Segundo, existe um melodrama familiar, menos focado nas ações do que nos sentimentos, refletindo o trauma vivido por Martha e o marido Sean (Shia LaBeouf).

Filme Pieces of a Woman

O senso de urgência da parte anterior desaparece, cedendo espaço a um retrato lacônico do luto. Terceiro, e talvez o mais inesperado de todos, seja o suspense de tribunal, onde se espera resolver legalmente o drama da protagonista.

O foco abre-se progressivamente, de um instante íntimo entre três pessoas (mãe, pai e parteira) ao julgamento acompanhado pela nação inteira.

O cineasta húngaro Kornél Mundruczó se tornou conhecido pela mão pesada nas composições imagéticas e nos maneirismos de câmera, que já produziram tanto sequências frenéticas de perseguição (em Deus Branco, 2014) quanto uma aventura fantástica (Lua de Júpiter, 2017).

No caso do projeto de 2020, o interesse provém do encontro entre o olhar estetizante e o drama intimista.

Em certos aspectos, a reunião provoca ótimos resultados: o terço inicial permite aos atores construírem os personagens como num palco teatral.

As imagens ininterruptas possibilitam um desenvolvimento orgânico das falas e expressões corporais.

Neste momento, Kirby encontra um interessante viés à protagonista, certamente apegada ao bebê, porém nada encantada quanto à vida de mãe.

Martha conduz a gestação com a naturalidade de quem possui um trabalho a cumprir, e deseja fazê-lo muito bem.

A atriz foge aos extremos tão associados ao parto, à maternidade e ao luto, evitando posturas de vítima, mártir, heroína ou qualquer outro selo que lhe colem.

O forte olhar da intérprete carrega um misto de raiva, cansaço e remorso. Após a tragédia, a protagonista deseja ao mesmo tempo a guerra e a paz, o caos e o silêncio, o ataque aos outros e o direito à reclusão.

Filme Pieces of a Woman

Por outro lado, certos recursos estilísticos soam exagerados, sobretudo no terço final.

A sequência do julgamento inclui curiosos planos dos pescoços (em busca do batimento cardíaco das atrizes?), enquanto o ostensivo balé da câmera durante um almoço em família se traduz em exercício de vaidade.

O plano-sequência possui valores muito diferentes quando serve a compor planos dentro do plano, reforçando interações pelo tempo real e pelos sons extraquadro (caso das obras de Cristi Puiu e Michael Haneke), ou quando apenas comprova o prazer do olhar onisciente, desejando estar em todos os lugares simultaneamente.

A câmera móvel de Pieces of a Woman fornece tantas possibilidades a Mundruczó que o cineasta se deslumbra com o movimento em si, enquanto ferramenta retórica.

Conforme a trama avança, o roteiro abandona Sean e se esquece Martha durante tempo considerável para se concentrar na mãe (Ellen Burstyn).

A câmera abre tanto o escopo do olhar que perde o foco nos protagonistas – quanto mais a montagem ignora a dinâmica do casal, mais o filme se enfraquece.

A representação desta dor tão íntima não resiste à tentação do espetáculo – vide o “momento Oscar” de Kirby e Burstyn, durante a catarse no almoço.

Haveria múltiplas maneiras de explodir, ou implodir, sem passar pela verbalização dos sentimentos.

A propósito de verbalizações, o drama reserva outros instantes em que a elaboração do luto passa pela palavra, bem articulada e enunciada em público.

À medida que investe no melodrama tradicional, o filme de ambições estéticas tão fortes se domestica, deixando de acompanhar este processo pelo olhar de Martha.

Ela passa a ser observada por terceiros, e o espectador não saberá mais o que pensa, nem como pretende agir.

Uma cena importante envolvendo Elizabeth e Sean será determinante para os rumos desta experiência: este será o primeiro conflito em que Martha não está envolvida.

Neste instante, sequer sabemos onde a personagem se encontra. Aos poucos, a narração minimiza o papel da mãe em nome da necessidade de abraçar outras causas.

Filme Pieces of a Woman

A partir da exagerada cena do cheque, por volta de dois terços da narrativa, o projeto nunca mais retoma os trilhos.

As atitudes de Elizabeth resultam novelescas (o roteiro realmente precisava de uma vilã?); a partida de um personagem importante não surte impacto emocional notável nos demais, e o discurso hollywoodiano diante do juiz, rompendo protocolos e promovendo uma reviravolta emocional, revela a dificuldade do autor em resolver traumas através de saídas puramente imagéticas.

Apesar destas ressalvas, Pieces of a Woman resulta num estudo satisfatório sobre a personagem principal, tratada com respeito e com impressionante variação emocional por Kirby.

Molly Parker também se destaca a partir de uma figura tão pontual quanto importante à trama, ao passo que Shia LaBeouf relembra o bom ator que pode ser quando se encontra longe das grandes produções e da pressão midiática.

Infelizmente, as metáforas são utilizadas de modo insistente demais, ou insuficiente: as sementes de maçã virando uma macieira e o bebê com “cheiro de maçã” resultam num imaginário óbvio (vide a fraca cena final), enquanto o símbolo do rompimento da ponte, relacionado à crise do casal Martha-Sean, poderia ser melhor explorado pelas cartelas temporais e pela conclusão.

Filme Pieces of a Woman

Caso se ativesse aos dois personagens que vivenciam de perto o trauma, o projeto poderia atingir um resultado mais potente.

A vontade de ver o circo pegar fogo, introduzindo conflitos externos e artificiais, apenas desvia o foco do humanismo inicial.

Talvez a maior ressonância, no sentido físico de encontro de vibrações contrárias de mesma intensidade, provenha do embate entre o estilo propenso à grandiloquência e um tema que implora pelo minimalismo.

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Filme A Última Coisa Que Ele Queria, é uma adaptação cinematográfica do romance homônimo que narra a história de uma jornalista que abandona a cobertura de uma campanha presidencial para ir a uma ilha ajudar o pai em um acordo de negócios que se releva cada vez mais sórdido e perigoso conforme seu envolvimento cresce.

Ao visitar o pai doente (o indicado ao Oscar® Willem Dafoe), uma jornalista de Washington (a vencedora do Oscar® Anne Hathaway) acaba perdendo o controle da própria história e se torna um dos personagens da matéria que está tentando escrever.

Link do filme: A Última Coisa Que Ele Queria

A indicada ao Oscar® Dee Rees dirige esta adaptação do romance homônimo de Joan Didion. Com o vencedor do Oscar® Ben Affleck.

1h 55min / Drama, Suspense, Policial
Direção: Dee Rees
Elenco: Anne Hathaway, Ben Affleck, Willem Dafoe
Nacionalidade: Americana EUA

CRÍTICA E SINOPSE – FILME A ÚLTIMA COISA QUE ELE QUERIA

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Assista ao filme 1917, Os cabos Schofield (George MacKay) e Blake (Dean-Charles Chapman) são jovens soldados britânicos durante a Primeira Guerra Mundial.

Quando eles são encarregados de uma missão aparentemente impossível, os dois precisam atravessar território inimigo, lutando contra o tempo, para entregar uma mensagem que pode salvar cerca de 1600 colegas de batalhão.

23 de janeiro de 2020 / 1h 59min / Drama, Histórico, Guerra
Direção: Sam Mendes
Elenco: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong
Nacionalidades: Britânica, EUA

Link do filme: 1917

CRÍTICA E SINOPSE

Dois jovens soldados descansam tranquilamente. O enquadramento neles é fechado. O que sobrevém ao chamado do encarregado do batalhão, com a câmera acompanhando frontalmente o deslocamento de ambos em direção a uma missão tão difícil quanto fundamental, é um forte indício do primor não apenas técnico, mas também da encenação orquestrada por Sam Mendes.

Gradativamente, a guerra vai preenchendo o quadro, aumentando a dramaticidade desses passos por entre corpos cansados e/ou feridos e toda sorte de artefatos que denotam a vigília do exército inglês na Primeira Guerra Mundial.

E desde esse começo acachapante o trabalho do diretor de fotografia Roger Deakins o coloca numa posição de tal forma imprescindível que se poderia aponta-lo como coautor do todo.

Filme 1917

O falseamento do plano-sequência único – na realidade o filme é composto de várias tomadas extensas, justapostas ao ponto de tornar suas costuras praticamente invisíveis – não serve a intentos meramente estéticos ou exibicionistas. Ela é vital para aderirmos àquelas situações.

Sam Mendes não sinaliza o tempo como único elemento conferindo urgência ao longa-metragem. Claro que o prazo curto a ser cumprido faz da jornada ainda mais complexa e pedregosa, porém a tensão maior é concentrada nos efeitos hostis da própria guerra.

Não à toa, em vários instantes, o realizador faz questão de focalizar os pés enlameados dos homens cuja função é atravessar o campo inimigo para, vencendo as probabilidades contrárias, avisar um grupamento da emboscada que pode vitima-la integralmente.

Eles lutam incessantemente contra o terreno esburacado pelas bombas, repleto de corpos putrefatos, arames farpados e armadilhas variadas, ou seja, patinam nas decorrências do embate entre britânicos e alemães.

Filme 1917

O design de produção a cargo de Dennis Gassner é de uma excepcionalidade admirável. A acuradíssima direção de arte se encarrega de conferir verossimilhança a esses obstáculos que se colocam diante dos cabos e de seus aliados.

Dos dois, Blake (Dean-Charles Chapman) é o motivado por atos heroicos, o que intenta obter medalhas para orgulhar a família.

Já seu colega, Schofield (George MacKay), é um sujeito essencialmente pragmático, descrente quanto à primazia da coragem cega no turbulento campo de batalha.

O companheirismo surge equilibrado entre a intensidade e a sobriedade no bailado hipnótico que a câmera de Roger Deakins ambienta nas paisagens ora devastadas, ora verdejantes como rápidas ofertas de contrapontos.

A partir de determinado estágio em diante, a missão dos combatentes ganha novas conotações. Por força de uma tragédia, não é somente necessário garantir a salvaguarda de quase 2000 incautos que acreditam piamente na inteligência do plano, pois a isso se acresce levar más notícias a um ente querido.

Filme 1917

Essa laceração acaba aumentado a natureza pesarosa da jornada insalubre e inglória. Em 1917 a guerra é intermitentemente vista como um inferno.

Alguns instantes enfraquecem 1917, sobretudo as coincidências ligeiramente forçadas, como o avião caindo exatamente no quadrante dos incumbidos e a ajuda pontual a uma criança que precisa de leite para sobreviver à constância da barbárie nas cercanias.

Todavia, esses pequenos escorregões não chegam a arranhar a experiência potente de acompanhar os jovens abraçando veementemente uma tarefa praticamente impossível, protagonizando um périplo orientado por uma leitura absolutamente amarga das torpes engrenagens dos conflitos bélicos.

Vemos oficiais caindo copiosamente no choro, sujeitos cegados momentaneamente pela adrenalina da batalha e as ações sustentadas a fim de valorizar a sobrevivência.

Filme 1917

Sam Mendes não se detém na relação entre comandantes relativamente protegidos pela estrutura militar e soldados vulneráveis em campo aberto por conta da hierarquia. Porém, nos é facultado observar as consequências disso nas entrelinhas.

Noutra vez que incursionou pela guerra, em Soldado Anônimo (2005), Sam Mendes buscou referências estilísticas em Nascido Para Matar (1987), assim estabelecendo uma ponte entre as guerras do Golfo e do Vietnã.

Filme 1917

Com 1917, ele novamente parece reverenciar seu colega e compatriota Stanley Kubrick, mas desta vez fazendo alusão à Glória Feita de Sangue (1957), então, reportando-se igualmente à Primeira Guerra Mundial, período pouco abordado pelo cinema.

Do clássico dos anos 50 do século passado, seu novo filme resgata a expressividade dos trajetos dramáticos pelas trincheiras, a sinuosidade desses corredores exíguos que comportam boa parte da calamidade abatida sobre homens comuns instados a defender posturas geopolíticas com suas próprias vidas.

Em meio a esse verdadeiro tour de force, Mendes sabe exatamente quando migrar do íntimo ao grandiloquente, com a maestria que lhe é contumaz, propondo bem mais que um mero espetáculo.

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Assista ao Filme Judy Muito Além do Arco-Íris, Inverno de 1968. Com a carreira em baixa, Judy Garland (Renée Zellweger) aceita estrelar uma turnê em Londres, por mais que tal trabalho a mantenha afastada dos filhos menores.

Ao chegar ela enfrenta a solidão e os conhecidos problemas com álcool e remédios, compensando o que deu errado em sua vida pessoal com a dedicação no palco.

30 de janeiro de 2020 / 1h 58min / Biografia, Drama
Direção: Rupert Goold
Elenco: Renée Zellweger, Jessie Buckley, Finn Wittrock
Nacionalidade: Britânica

Link: FILME JUDY – MUITO ALÉM DO ARCO-ÍRIS

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Filme De Repente Uma Família, o jovem casal Pete (Mark Wahlberg) e Ellie (Rose Byrne) decide adotar uma criança, e busca uma feira destinada a proporcionar encontros entre adultos e jovens sem lar.

O casal se apaixona pela pré-adolescente Lizzie (Isabela Moner), uma garota de temperamento forte, e decide adotá-la.

Mas Lizzie tem dois irmãos menores, que se mudam com ela. Logo, Pete e Ellie se veem com três crianças barulhentas e indisciplinadas, que mudam as suas vidas por completo.

Link do filme: Filme De Repente Uma Família

Data de lançamento 29 de novembro de 2018 (1h 59min)
Direção: Sean Anders
Elenco: Mark Wahlberg, Rose Byrne, Isabela Merced mais
Gêneros: Comédia , Drama
Nacionalidade: EUA

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Filme Submersão, no filme Danielle (Alicia Vikander) é uma exploradora do oceano que descobre um novo desafio: uma terrível, porém pioneira, descida ao abismo Ártico.

James (James McAvoy) é um empreiteiro acusado de ser um espião e interrogado por jihadistas africanos que irá se unir à moça para ajudá-la em sua missão.

Link do filme: Submersão

Data de lançamento: 19 de abril de 2018 (1h 52min)
Direção: Wim Wenders
Elenco: James McAvoy, Alicia Vikander, Alexander Siddig mais
Gêneros: Suspense, Romance, Drama
Nacionalidade: EUA

SINOPSE E CRÍTICA

Antes dos flashbacks – recursos que entrecortam a linha principal de Submersão – desenharem mais acuradamente os contextos dos personagens principais, o que temos é James (James McAvoy) enjaulado, bastante ferido, e Danielle (Alicia Vikander) absorta em nostalgia, prestes a embarcar numa aventura científica que há muito ansiava.

O cineasta Wim Wenders permite ao passado ressignificar essas duas existências separadas espacialmente ao mostrar a conjuntura em que elas se imiscuíram num paradisíaco hotel francês à beira-mar. São duas instâncias narrativas tratadas de maneiras completamente diferentes pelo alemão.

No agora, há uma agonia latente, por certo alimentada pela distância. No outrora, a descoberta de um sentimento que desemboca em discussões existencialistas, cujo epicentro é a morte e as implicações de sua inevitabilidade no decurso do ser.

Há, também, um desequilíbrio evidente e incômodo entre os dois períodos, fruto da condução demasiadamente arrastada, que carece essencialmente de uma abordagem menos dispersa.

Baseado no livro homônimo de J. M. Legard, Submersão possui uma série de easter eggs, piscadelas apenas funcionais do ponto de vista da curiosidade.

O navio que leva a biomatemática Danielle a alto mar se chama L’Atalante, mesmo nome do longa mítico do francês Jean Vigo e da nau que o batiza; Naitulus, o submarino amarelo (Beatles presente) encarregado de acessar águas profundíssimas para desvendar os mistérios da vida, é homônimo da embarcação do icônico Capitão Nemo, protagonista do livro 20.000 Léguas Submarinas, de Júlio Verne.

Ter ou não essas referências previamente faz pouca diferença na apreciação do filme como um todo, a não ser na condição de indício de uma construção que tenta, nem sempre com sucesso, evocar certas fatias do imaginário acerca do oceano e de seus mistérios.

O fato de James ser um espião a serviço da Inglaterra pouco acrescenta enquanto o casal está junto, sendo relevante nessa dinâmica apenas num breve confronto de realidades que expõe Danielle à censura.

Além da dificuldade de interpenetração entre os estágios temporais da trama, Submersão transcorre num ritmo inconstante, sem que o cineasta consiga extrair a devida dramaticidade de determinados tempos mortos e/ou frações que visam deflagrar um caráter puramente contemplativo.

Ocasionalmente há lampejos de excepcionalidade, com Wenders apresentando perspectivas, tanto dramáticas quanto imagéticas, que levam o filme para outros lugares, descolando-o da estrita realidade e aproximando-o de uma abstração que robustece os preceitos do todo. Pena que são instantes de exceção, em geral apressados.

No que tange às interpretações, Alicia Vikander e James McAvoy se esforçam como podem para sobrepujar as debilidades de Danielle e James, demonstrando o talento de sempre. Juntos, funcionam bem, porém, separados têm impactos desiguais, culpa da direção trôpega que restringe a atriz a olhares perdidos ao oceano, além de indícios simplistas de saudade. Ele tem mais espaço.

Dentro das qualidades de Submersão, há um inteligente desenho sonoro, especialmente no que diz respeito à representação da sobrevivência de James à sanha jihadista na Somália, que potencializa a ameaça e os instantes de apreensão.

O fechar estrondoso de uma porta, passos duros que ecoam nos espaços, tudo isso contribui para um enriquecimento da experiência, para além do que a imagem simplesmente oferece.

Falando nos árabes, há uma delineação leviana e perigosa, que remonta a um eurocentrismo condenável. Os locais são vistos a partir da posição dos extremistas religiosos, sem um esforço considerável para circunscrever tal fatia numa realidade específica, evitando generalizações.

Wim Wenders realiza um filme difícil de acompanhar sem algum enfado, com brilhos bem circunstanciais, perdido em suas pretensões não alcançadas, ainda que tenha dois ótimos intérpretes que tentem observar as camadas dos protagonistas que descobrem o amor nas proximidades do abismo.

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Filme A Vida De Alice (Emilie Piponnier) parece a mãe e a esposa perfeita, vivendo uma vida feliz com sua família.

Porém, quando ela descobre que seu marido tem uma outra vida que consumiu todo seu dinheiro e a deixou para cuidar sozinha de seu filho, ela se vê obrigada a lutar para sobreviver em um mundo além de tudo que ela conhece.

Link do filme: A VIDA DE ALICE

Direção: Josephine Mackerras
Elenco: Emilie Piponnier, Martin Swabey, Chloé Boreham mais
Gêneros: Drama, Comédia , Romance
Nacionalidades: Austrália, França

SINOPSE E CRÍTICA

Alice (Emilie Piponnier) tem um casamento aparentemente feliz. Seu marido, François (Martin Swabey), é um bom pai, romântico, além de supostamente diligente com a família. Inesperadamente, a convivência idílica e “perfeita” é abalada por verdades residentes abaixo da superfície.

O cônjuge torrou o dinheiro do casal por conta do vício em prostitutas de luxo, deixando-a com uma dívida absurda que precisa ser sanada em pouco tempo.

A curiosidade a leva a tentar entender o serviço ao qual ele recorria compulsivamente e, sem qualquer auto condenação moral (o que é ótimo), ela passa a dispor do próprio corpo a fim de sustentar o filho pequeno e evitar que o apartamento seja confiscado pelo banco credor.

De certa forma, como bem entendemos no clímax de A Vida de Alice, ela está fazendo de tudo para manter o mais inalterada possível a sua rotina.

Pontos positivos para a falta de uma progressão fundamentada na culpa por se prostituir. Isso já é um alento e tanto.

Alice não atravessa uma crise clássica de consciência, passando longe de colocar a capitalização do sexo como motivo de vergonha presente e/ou futura.

A Vida de Alice mostra com naturalidade a atividade desempenhada com claudicâncias, mas não está preocupado em desenhar o drama a partir dela.

O mais relevante é entender a jornada dessa mulher outrora acostumada com a rotina passiva, mas que experimenta uma liberdade tremenda ao desvencilhar-se dos problemas mais imediatos por força de sua iniciativa.

A mercantilização do corpo, então, não é encarada como essencialmente problemática pela realizadora, sobretudo porque ela parte de uma vontade, ainda que engatilhada pela necessidade.

Lisa (Chloé Boreham) diz com todas as letras “você pode recusar” quando a protagonista recebe o convite para entrar nesse mundo.

Uma pena, no entanto, que o filme não se embrenhe nas complexidades de tudo o que dispõe na telona, apenas as sinalizando.

Uma vez entendida que a existência de Alice, na companhia da amiga, é menos asfixiante do que o casamento em que pretensamente estava protegida pelo guarda-chuva masculino – e tal compreensão se dá rapidamente –, a cineasta Josephine Mackerras não demonstra muito repertório para aprofundar-se nos temas.

Desse modo, permanece reafirmando a importância da emancipação, investindo em cenas com teor meramente pitoresco, como os encontros de Alice com os clientes abastados que desembolsam quantias enormes para noites de massagem, sexo e/ou jantares privativos.

Há uma idealização dessa clientela “selecionada”, pois todos que aparecem na trama são homens de bons modos, no máximo com alguma tara específica.

O fato deles terem dinheiro e serem sofisticados é construído como consequência de suas contas bancárias.

Aliás, essa romantização, que acaba se espraiando a outras esferas, é responsável pelo enfraquecimento das abordagens.

Emilie Piponnier é o destaque de A Vida de Alice, especialmente em virtude da forma como desenha a personagem estupefata pela traição e, adiante, aguerrida o suficiente para encarar o que for a fim de garantir conforto ao filho pequeno.

De determinado ponto do enredo em diante, Josephine Mackerras se contenta com um jogo frágil de nervos entre marido e esposa, fazendo dele um homem que oscila violentamente entre a passividade contrita e a agressividade do macho ferido diretamente no ego.

Já ela agarra a oportunidade de entender-se para além daquela relação, usufruindo de seus resquícios para continuar labutando com aquilo que lhe sustenta.

Nesse panorama, Lisa funciona como a mentora clássica, aquela que fornece informações valiosas pelo mundo da prostituição, que provê os ensinamentos.

Quando estes não são mais imperativos, ela acaba perdendo vitalidade enquanto figura dramática, além de acenar a lugares-comuns.

Já Alice vai ao encontro das lições, rumo ao clímax que evita tocar em outras possibilidades relacionais, senão muito sutilmente.

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Filme Milagres do Paraíso, no filme Christy (Jennifer Garner) e Kevin Beam (Martin Henderson) são pais de três garotas: Abbie (Brighton Sharbino), Annabel (Kylie Rogers) e Adelynn (Courtney Fansler).

Eles vivem em uma confortável casa, junto com cinco cachorros, e acabam de abrir uma clínica veterinária, o que fez com que tivessem que apertar os cintos e hipotecar a casa.

Cristãos convictos, os Beam vão à igreja com frequência. Um dia, Annabel começa a sentir fortes dores na região do abdomem. Após muitos exames, é constatado que a garota possui um grave problema digestivo.

Tal situação faz com que Christy busque a todo custo algum meio de salvar a vida da filha, ao mesmo tempo em que se afasta cada vez mais de sua crença em Deus.

Link do filme: FILME MILAGRES DO PARAÍSO

Data de lançamento: 21 de abril de 2016 (1h 49min)
Direção: Patricia Riggen
Elenco: Jennifer Garner, Kylie Rogers, Martin Henderson mais
Gênero: Drama
Nacionalidade: EUA

SINOPSE E CRÍTICA

Se alguém aí viu o trailer de Milagres do Paraíso, por favor, faça um favor a si mesmo e poupe duas horas da sua vida.

Afinal, o filme estrelado por Jennifer Garner nada mais é do que uma versão estendida de todos os acontecimentos já exibidos no formato reduzido.

No entanto, é preciso ser justo: até mesmo aqueles que desconhecem a peça de divulgação não precisarão mais do que alguns minutos de história para adivinharem com bastante precisão tudo que irá acontecer durante o desenrolar da trama.

Não há sutileza alguma na forma como tais eventos são percebidos, e ninguém no elenco parece estar interessado em entregar algo além de reações extremas e imediatas, sem profundidade ou reflexão.

Há apenas uma coisa a ser feita: olhar para cima – que é o que todos em cena fazem ininterruptamente – e torcer para que tudo termine o quanto antes.

A família Beam vive feliz em sua casa, um sítio afastado da cidade, onde o marido veterinário cuida de seus animais e as três filhas passam seus dias brincando por um gramado sempre verde, enquanto a mãe cuida de todos com um olhar benevolente.

Tementes a Deus, vão todos os domingos à Igreja agradecer pelo que possuem, rezar para que tudo continue cada vez melhor e conjugar com seus vizinhos e amigos.

A situação começa a mudar, no entanto, quando Anna, a filha do meio, apresenta sinais de uma estranha doença que médico algum consegue identificar. Intolerância à lactose?

Dificuldade de digestão? Simples dor de barriga? Todos os diagnósticos são cogitados, ao mesmo tempo em que a criança fica cada vez pior. Onde está Deus nesse momento que não os ajuda?

Tal cenário só pode ser resultado de muitos pecados, talvez da mãe, quem sabe do pai, ou até mesmo da pequena menina.

Sim, a tal conclusão somos induzidos pela diretora Patricia Rigen, a mesma que há pouco forçou toda a e qualquer barra para arrancar emoção de uma história que todo mundo conhecia seu desfecho em Os 33 (2015).

Como os estereótipos não surgem por acaso, a diretora mexicana investe no melodrama barato e exagerado que se tornou marca registrada da produção audiovisual de seu país, expondo a todo instante pais em desespero, radicais com questionamentos limitados, e profissionais da ciência autoritários e arrogantes.

E quando não há mais a quem recorrer e todos parecem já ter perdido a fé que tanto louvavam, o inexplicável acontece: a menina cai de uma árvore e, do nada, acorda curada.

Como isso foi possível? Simples, Deus Lhe apareceu para resolver o problema.Tal explicação parece simplista demais, mas infelizmente é exatamente da forma como se desenrola em cena.

E aqueles que por acaso reclamarem de spoilers neste texto, saiba que nada aqui comentado já não era deixado bastante explícito tanto no trailer apontado no começo quanto no próprio livro escrito por Christy Beam, a mãe da menina e no qual este filme é baseado.

Ou seja, se tudo é narrado de acordo com a voz dos próprios envolvidos, é quase impossível esperar uma visão mais crítica ou um mínimo de distanciamento.

Pois então, assim temos como resultado um longa manipulador e maniqueísta, em que só se curam os que Nele acreditam, enquanto os demais – independente da idade, sexo ou doença – não tardarão e perecer. Irascível, não?

Um dos pilares de qualquer manual para roteiristas afirma que “se toda história, ao ser contada, precisa soar verossímil, a realidade não possui esse mesmo compromisso”.

Ou seja, por mais que os protagonistas desse episódio afirmem que foi exatamente assim que lhes sucedeu na vida real, isso não significa que ao ser adaptada como um conto de ficção tal formato deva prevalecer.

É preciso buscar uma lógica, uma maneira de conectar-se com o público através da identificação, e não sob um discurso dogmático e impositivo.

Milagres do Paraíso é catequese para os convertidos, que talvez funcione como relato de vida para aqueles que saibam de antemão o que aqui irão encontrar.

Para todos os demais em busca de algo que soe minimamente como entretenimento, a frustração será quase garantida.

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Filme Até o Último Homem, durante a Segunda Guerra Mundial, o médico do exército Desmond T. Doss (Andrew Garfield) se recusa a pegar em uma arma e matar pessoas, porém, durante a Batalha de Okinawa ele trabalha na ala médica e salva mais de 75 homens, sendo condecorado.

O que faz de Doss o primeiro Opositor Consciente da história norte-americana a receber a Medalha de Honra do Congresso.

Link do vídeo: Filme Até o Último Homem

Data de lançamento: 26 de janeiro de 2017 (2h 20min)
Direção: Mel Gibson
Elenco: Andrew Garfield, Vince Vaughn, Teresa Palmer mais
Gêneros: Drama, Biografia
Nacionalidades: Austrália, EUA

SINOPSE E CRÍTICA

Dez anos após o lançamento de seu último longa como diretor, Apocalypto (2006), Mel Gibson retorna à função, trabalhando novamente com uma temática histórica em Até o Último Homem.

A trama baseia-se na vida de Desmond T. Doss (interpretado com visível comprometimento por Andrew Garfield), médico do exército norte-americano durante a Segunda Guerra Mundial que se tornou o primeiro objetor de consciência a receber a Medalha de Honra do Congresso.

Mesmo se recusando a pegar em armas, Doss, membro da Igreja Adventista do Sétimo Dia, foi responsável por salvar mais de 75 soldados na Batalha de Okinawa, em 1945, um feito que o transformou em herói nacional e cuja magnitude ganha o total interesse de Gibson.

Oferecendo uma amostra dos horrores do combate em seus primeiros planos, Gibson opta por voltar no tempo até à infância de Doss, no estado da Virgínia, aparentando estar interessado em investigar as raízes de suas crenças.

Assim, acompanhamos seu cotidiano ao lado do irmão (Nathaniel Buzolic), do pai abusivo (Hugo Weaving) – veterano traumatizado pela Primeira Guerra – e da mãe religiosa (Rachel Griffiths), bem como seu relacionamento com a bela enfermeira Dorothy (Teresa Palmer).

Nesse primeiro ato, Gibson adota um tom saudosista, quase classicista, especialmente no desenvolvimento do romance do casal – a paixão à primeira vista, o encontro no cinema, a proposta de casamento repentina – que exala um ar de inocência estendido a outras situações, como Doss resolvendo virar médico após socorrer um homem na rua.

Esse tom pueril começa a se dissolver a partir do alistamento do protagonista e do início do treinamento, quando seu comportamento pacifista é tomado pelos outros soldados como covardia.

Todo esse segmento central segue os principais arquétipos do ambiente militar, com as superações físicas, as demonstrações de companheirismo, a figura do sargento linha dura dono de um extenso vocabulário de ofensas – que ganham contornos cômicos pela presença de Vince Vaughn no papel – etc.

Essa combinação de elementos serve para construir a jornada de provação de Doss que, coagido de todas as formas a abandonar o exército devido aos seus ideais, enfrenta suas primeiras batalhas, no quartel e depois no tribunal, quando levado à Corte Marcial por seus superiores.

Mesmo com as ferramentas necessárias para tal, Gibson não chega a se aprofundar completamente em questões como a liberdade de pensamento, oferecendo menos espaço do que poderia para a reflexão.

Um dos motivos para essa carência reflexiva é a ausência de sutileza no modo como os simbolismos são apresentados, do sangue derramado pelo pai no túmulo dos amigos ao olhar fixo de Doss, ainda garoto, nos ícones religiosos após ferir gravemente seu irmão.

Porém, se não contribui para uma construção mais consistente dos conflitos ideológicos, essa abordagem direta serve à principal qualidade de Gibson como diretor: a orquestração da ação.

É quando chega ao front que ele tem a oportunidade de exibir toda a sua habilidade – já provada em Coração Valente (1995) e Apocalypto – para encenar batalhas viscerais, demonstrando um notável senso espacial e um impecável domínio de ritmo.

Ao lado do diretor de fotografia Simon Duggan e do montador John Gilbert, o cineasta impõe desde o primeiro vislumbre da colina de Hacksaw Ridge a grandiosidade das imagens que estão por vir.

A intensidade da longa sequência da tentativa de tomada da colina realmente impressiona, ainda que alguns detalhes digitais – o sangue resultante de tiros – destoem dos inúmeros efeitos práticos e do espetacular trabalho de dublês, um dos melhores vistos em produções do gênero desde o subestimado Códigos de Guerra (2002), de John Woo.

Ao assumir a condição de fita de ação, e sendo analisado como tal, algumas simplificações dramáticas do longa tendem a incomodar menos, como a visão unilateral do conflito que reduz os inimigos japoneses a máquinas kamikazes incontroláveis.

O mesmo vale para o tratamento de toques fetichistas dado à violência extrema, que já marcara o trabalho de Gibson em A Paixão de Cristo (2004), e que se mostra contrário à postura não violenta do protagonista.

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Filme Interestelar, após ver a Terra consumindo boa parte de suas reservas naturais, um grupo de astronautas recebe a missão de verificar possíveis planetas para receberem a população mundial, possibilitando a continuação da espécie.

Cooper (Matthew McConaughey) é chamado para liderar o grupo e aceita a missão sabendo que pode nunca mais ver os filhos. Ao lado de Brand (Anne Hathaway), Jenkins (Marlon Sanders) e Doyle (Wes Bentley), ele seguirá em busca de uma nova casa.

Com o passar dos anos, sua filha Murph (Mackenzie Foy e Jessica Chastain) investirá numa própria jornada para também tentar salvar a população do planeta.

Data de lançamento: 6 de novembro de 2014 (2h 49min)
Direção: Christopher Nolan
Elenco: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Michael Caine mais
Gêneros: Ficção científica, Drama
Nacionalidades: EUA, Reino Unido

Link do vídeo: INTERESTELAR

CRÍTICA E SINOPSE – FILME INTERESTELAR

Passamos tanto tempo olhado para as estrelas, tentando entender nosso lugar no espaço, que esquecemos de olhar para baixo e buscar compreender nossa real função na Terra.

Essa frase, dita em um dos momentos cruciais de Interestelar, resume com exatidão a premissa básica do épico espacial dirigido por Christopher Nolan.

Estamos num futuro não muito distante, em que os exércitos não existem mais e a grande preocupação da humanidade é produzir comida suficiente para alimentar os sobreviventes.

O ensino superior é uma realidade cada vez mais restrita, e fazendeiros são os responsáveis pela mão de obra mais valiosa da sociedade – afinal, são eles que seguem plantando e gerando o alimento cada vez mais valioso.

Essa é a atividade profissional de Cooper (Matthew McConaughey), um ex-piloto que abraçou a vida no campo após ter ficado viúvo, preocupado com o futuro dos dois filhos.

E será justamente por causa dessa consciência que ele será levado a tomar a decisão mais difícil de toda a sua vida.

Christopher Nolan declarou em mais de uma ocasião que sempre sonhou fazer um filme no espaço.

Após reverter a ordem das narrativas convencionais (Amnésia, 2000), revelar os segredos mais íntimos dos ilusionistas (O Grande Truque, 2006), invadir o mundo dos sonhos (A Origem, 2010) e apresentar o herói necessário aos tempos de hoje (trilogia Batman: O Cavaleiro das Trevas), ele finalmente conseguiu realizar este antigo desejo.

Filme Interestelar

Assumindo um projeto que circulava por Hollywood há mais de dez anos e que havia sido concebido inicialmente para o mago Steven Spielberg, Nolan não só conseguiu se apossar dessa trama a respeito da busca de um sentido para a nossa presença no universo como o transformou em um trabalho tipicamente seu, com todo o esmero técnico já esperado, mas também dotado de uma profundidade filosófica singular, que certamente deverá atrair fãs na mesma medida que alimentará detratores.

Ainda que a inspiração óbvia seja 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968), o hermetismo desse passa longe, uma vez que essa nova jornada é menos truncada e mais acessível. Em última instância, é um filme que precisa também ser sentido, e não somente compreendido.

Com a quantidade de pragas agrícolas se espalhando com cada vez mais força – ontem foi o trigo, hoje é o quiabo, amanhã será o milho – e a poeira resultante de incêndios e da aridez pela escassez de água tomando conta literalmente de todo o mundo, são poucos os que seguem acreditando num mundo melhor.

Cooper é um destes homens de fé, e quando um ‘fantasma’ começa a se manifestar no quarto de sua filha, ele percebe ali a possibilidade de uma comunicação em uma outra esfera – ou dimensão.

A tentativa de ler os sinais percebidos o leva a crer em algum tipo de fenômeno gravitacional, o que o conduz até uma determinada coordenada.

Lá é apresentado ao que resta da NASA e a um projeto tão secreto quanto ambicioso: encontrar um outro planeta capaz de ser habitável e, desse modo, evitar a extinção da raça humana.

Após muitas leituras e pesquisas, alguns possíveis corpos celestes foram identificados. Missões foram enviadas a cada um destes endereços, e somente três deles seguem emitindo sinais minimamente confiáveis.

Cabe à Cooper, portanto, comandar a missão que terá como objetivo ir até estes planetas e apontar qual deles possibilitará a salvação da humanidade.

Filme Interestelar

Em seu bolso, há dois planos: o primeiro significa transpor a população terráquea até a nova “morada”, enquanto que o outro representa esquecer tudo que ficou para trás e dar início a uma nova colonização, começando praticamente do zero.

Não precisa ser vidente para imaginar os esforços que serão empregados para se evitar a todo custo a segunda opção.

Em determinado momento, quando se faz necessário escolher apenas um de dois possíveis destinos, a Dra. Brand (Anne Hathaway) aponta para aquele que o seu coração parece indicar.

“É preciso acreditar no Amor, pois essa força não pode ser apenas um capricho emocional”, argumenta.

O que sentimos uns pelos outros e a forma como os elos se estabelecem entre as pessoas é o grande assunto a ser debatido no Filme Interestelar.

Pode-se falar de estrelas e luas, galáxias e buracos negros, mas não se engane: o que importa, num nível muito mais profundo, é o que o Homem carrega dentro de si.

Esta parece ser a crença de Christopher Nolan, e é a trajetória do protagonista rumo a esta verdade inabalável que acompanhamos com tanto interesse e afinco.

Filme Interestelar

Se os cenários apresentados pelo cineasta e por seu diretor de fotografia Hoyte Van Hoytema (o mesmo do recente Ela, 2013) são de cair o queixo – a onda gigante e as nuvens congeladas são particularmente deslumbrantes – um dos pontos de maior interesse em Interestelar é seu estudo sonoro, desde a arrebatadora trilha sonora composta por Hans Zimmer (vencedor do Oscar por O Rei Leão, 1994), seu parceiro habitual, até o trabalho da equipe de Som comandada por Richard King (dono de nada menos do que três Oscars, o último por A Origem).

É particularmente gratificante perceber o emprego com eficiência do silêncio no espaço, assim como é dosado com sabedoria o uso das composições incidentais, alternando entre momentos de reforço ao frenesi das imagens como também criando emoções muito próprias em sequências de tirar o fôlego.

Somente por estes aspectos este filme já se destaca da grande maioria a que estamos acostumados regularmente, mas felizmente há muito mais a ser descoberto e vivenciado.

Amparado por um elenco não menos espetacular – McConaughey está novamente excelente, mais contido e no domínio pleno de suas capacidades, capturando todas as atenções para si, mas permitindo que Jessica Chastain, ainda que com tempo limitado em cena, consiga se destacar dentro de um conjunto que apresenta ainda nomes fortes como Michael Caine e John Lithgow – Nolan faz desse seu trabalho mais pessoal, em que olha justamente para cima para conseguir vislumbrar com precisão aquilo pelo qual tanto ansiamos.

O arco dramático percorrido por estes personagens inverte lógicas estabelecidas e desafia tempo e espaço, mas por mais absurdo que se apresente segue fazendo sentido, uma vez que está inserido em contextos muito bem fundamentados.

A matemática, a física e a ciência das coisas estão por todos os lados, e talvez por isso mesmo a ironia aponte justamente para o irracional na busca por respostas tão preciosas.

Qual nosso lugar, para onde vamos, de onde viemos? Qual o propósito de tudo isso? Como fizemos o que existe hoje sem amarmos uns aos outros?

Filme Interestelar

Questões que poderiam ser interpretadas de modo piegas se destacam dentro de uma composição austera, que se por um lado não tem medo de emocionar – o que faz, e com efeito – por outro reconhece também os momentos certos para isso, sem se impor de modo gratuito ou desnecessário.

Interestelar é grandioso, solene e emocionante, mas também sabe ser direto, preciso e objetivo em suas aspirações. Elementos imprescindíveis que o fazem ser uma obra absolutamente completa.

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