Assista ao filme Vidro, após a conclusão de Fragmentado (2017), Kevin Crumb (James McAvoy), o homem com 23 personalidades diferentes, passa a ser perseguido por David Dunn (Bruce Willis), o herói de Corpo Fechado (2000).

O jogo de gato e rato entre o homem inquebrável e a Fera é influenciado pela presença de Elijah Price (Samuel L. Jackson), que manipula os encontros entre eles e mantém segredos sobre os dois.

Link do vídeo: Vidro

Data de lançamento: 17 de janeiro de 2019 (2h 09min)
Direção: M. Night Shyamalan
Elenco: James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson mais
Gêneros: Suspense, Fantasia
Nacionalidade: EUA

SINOPSE E CRÍTICA

Kevin Crumb, dono de 24 personalidades diferentes, passa a ser perseguido por David Dunn, um homem que não tem como se machucar.

O jogo de gato e rato entre um ser inquebrável e a fera é influenciado pela presença de Elijah Price, que manipula os encontros entre eles e mantém segredos sobre os dois.

Ponto de convergência dos universos (compartilhados de maneira insuspeita) vistos em Corpo Fechado (2000) e Fragmentado (2016), Vidro justifica seu título, bem como o protagonismo por ele insinuado, apenas nos minutos finais, quando uma mente genial oferece o xeque-mate que dela se esperava.

No primeiro dos filmes da trilogia, o centro é David Dunn (Bruce Willis), sujeito que descobre poderes extraordinários, sendo chamado de super-herói pelo antagonista, Sr. Vidro, interpretado por Samuel L. Jackson.

No segundo, a figura nuclear é Kevin (James McAvoy), perturbado por 24 personalidades, captor de meninas indefesas que logo se enquadra nessa equação enquanto típico brutamonte com potencial para auxiliar o cérebro criminoso a levar adiante seus planos.

Os papeis são bem estabelecidos, obedecem propositalmente a arquétipos e estruturas narrativas conhecidas dos fãs dos quadrinhos, algo instrumentalizado por M. Night Shyamalan como arcabouço do filme. O cineasta busca, por meio desses alicerces, inclusive, um estudo da linguagem das HQs.

É flagrante que Shyamalan radicaliza a observação da construção dos mitos contemporâneos, constantemente fazendo o Sr. Vidro justificar determinadas conjunturas e/ou viradas como se elas fossem desdobramentos naturais de um cânone.

Todavia, diferentemente da utilização parcimoniosa e incisiva de tal recurso em Corpo Fechado, aqui a abundância e banalidade do procedimento fazem da reincidência uma muleta para escorar debilidades.

Isso, além de tentativa vã de dirimir vulnerabilidades, que ficam ainda mais evidentes, vide as alternâncias gratuitas das personas que habitam Kevin. O novo longa-metragem pode frustrar o espectador que estiver em busca de cenas de ação emocionantes.

Não há isso em Vidro, no máximo sequências anticlimáticas e breves de batalha corporal entre os supostos representantes do bem e do mal.

É intencional essa quebra de expectativas, novamente apontando à vontade que torcer modelos e estuda-los em ambientes menos confortáveis às suas convenções. Todavia, o resultado acaba sendo bem morno. Ocasionalmente asséptico.

O personagem de Bruce Willis é o mais subaproveitado dos três, aquele que aparece estritamente para configurar a tríade, sem espaço suficiente para desenvolver-se.

A atenção é, portanto, voltada aos vilões, à forma como criam estratagemas no sentido de, independentemente do lado da contenda, asseverar que o mundo entenda a existência de seres excepcionais.

Dunn não demonstra o desejo de ser notório. É o herói de moral reta por excelência, enquanto o Sr. Vidro planeja justamente tornar pública e massificada a sua singularidade, assim como a dos demais.

O que os difere, além do supracitado, é justamente as linhas que ambos se dispõem a cruzar para cumprir seus objetivos. Boa parte de Vidro se dá numa instituição psiquiátrica, na qual a doutora vivida por Sarah Paulson tenta provar que distúrbios mentais comuns são responsáveis por uma mania de grandeza patológica.

As intenções de M. Night Shyamalan são muito claras, mas a inconsistência da abordagem e a insistência em trivialidades tornam o conjunto fragilizado.

Vidro apresenta três personagens que seriam como âncoras afetivas aos sobre-humanos. A mãe do Sr. Vidro (Charlayne Woodard); o filho de Dunn (Spencer Treat Clark) – fundado forçosamente sobre o molde do ajudante remoto do herói; e Casey (Anya Taylor-Joy), a que sobreviveu à sanha da Fera.

Eles surgem em momentos-chave, sendo utilizados também como escora de um viés dramático relativo à intimidade dos notáveis. Coincidências, tais como o fato de jovens estudarem na mesma escola, são componentes sem ressonância.

Assim como esse, outros se avolumam ao longo da sessão, culminando em dois plot twists (marca registrada de Shyamalan) que igualmente carecem de força dramática.

Há de se celebrar a coragem de cruzar fronteiras raras em filmes comuns de super-heróis, dimensão à qual certamente este não se encaixa. Porém, é tão obsessiva a vontade do cineasta de surpreender a plateia com viradas, que ele descuida da progressão da trama, cuja urdidura aqui é frouxa, com uma prevalência incômoda de bastante lenga-lenga redundante.

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Filme desejo de matar, no filme um homem gentil tem sua vida transformada quando sua família é abalada por um ato de violência que machuca a todos.

Em busca de justiça, ele se transforma em uma máquina mortífera, para conseguir fazer justiça com as próprias mãos.

O que acontece quando se junta um diretor de terrores sangrentos com um ator de ação com tiros para todos os lados em uma refilmagem de um clássico filme policial dos anos 70?

Se você algum dia fez essa pergunta, a resposta foi lançada nos cinemas na última quinta feira como “Desejo de Matar”, refilmagem do longa de 1974 estrelado por Charles Bronson, que agora recebeu um tom mais moderno, aonde a tecnologia dos celulares e das redes sociais proliferam ainda mais a discussão de se devem ou não se fazer justiça com as próprias mãos enquanto a polícia fica parada demorando para resolver um caso.

Claro que a ideia principal é interessante para ser discutida, o longa vem cheio de ação para todos os lados (demora um pouco para engrenar, mas quando começa é tiro pra todo lado!), e o principal que veio da pegada clássica do diretor, que antes desse longa só havia feito terrores fortíssimos, ou seja, colocou muitas cenas fortes com impacto de primeira, fazendo com que a classificação indicativa fosse lá para o alto (+18 anos) e agradando quem gosta desse estilo sem precisar ficar apenas indicando as situações.

Link do vídeo: FILME DESEJO DE MATAR

CRÍTICAS E SINOPSE – FILME DESEJO DE MATAR

Mesmo em 1974, o discurso de um filme como Desejo de Matar, então protagonizado por Charles Bronson, soava completamente ultrapassado.

Em plena ebulição contracultural estadunidense, tínhamos um protagonista convertido, a fórceps, de um liberalismo mal desenhado na telona ao ímpeto justiceiro, após uma tragédia familiar.

Sabe o bom e velho “espera acontecer com alguém próximo de você”, sentença retórica de quem geralmente ataca qualquer defensor dos direitos humanos? Pois é, a produção justamente defendia a legitimidade de atos bárbaros, desde que motivados por infortúnios pessoais.

Eli Roth, cuja carreira sinaliza predileção pelo horror, mais precisamente sua veia exploitation, foi incumbido de fazer o remake daquele sucesso do passado.

O protagonista não é mais arquiteto, mas médico. Sai Bronson e entra Bruce Willis, outro brucutu carismático e talentoso. O resultado, porém, não difere essencialmente muito do original, embora lhe seja bem superior cinematograficamente.

O começo do novo Desejo de Matar é marcado pelo desenho de um cotidiano doméstico feliz. O casal Paul (Willis) e Lucy (Elisabeth Shue) se prepara para a mudança da filha única, Jordan (Camila Morrone), que entrará na faculdade.

O realizador soma as circunstâncias que levam pessoas à beira da morte aos cuidados desse “homem de bem” com fragmentos jornalísticos que dão conta de uma criminalidade desenfreada em Chicago a fim de preparar o terreno à brutalidade.

FILME DESEJO DE MATAR

Mãe e filha são aterrorizadas por sujeitos encapuzados, com direito a assédio sexual e toda sorte de demonstrações de violência, que resultam numa delas friamente assassinada e noutra acamada em estado grave.

Todo esse preâmbulo à mudança pela qual o doutor passa é construído habilmente, com Roth utilizando pitadas de horror para agigantar a ameaça que paira sobre todos.

Indignado com a ineficiência da polícia, Paul resolve se informar sobre a compra de armas, chegando à loja e à vendedora absolutamente caricata.

Há uma clara intenção de fazer troça do comércio de armas nos Estados Unidos, com mulheres de generosos decotes desfilando conhecimentos sobre calibres e demais especificidades bélicas.

Todavia, não existe potência suficiente para que a ironia se instaure como elemento deflagrador de uma visão crítica, pois, de fato, ela inexiste.

Aliás, atentando às minúcias da trama, bem como à constituição de seus agentes, percebe-se a recorrência de assaltantes latino-americanos e negros.

É insuficiente a colagem de mais excertos jornalísticos em que pessoas debatem sobre a euforia em torno do assassino denominado “Anjo da Morte”. Isso, porque Roth reafirma estereótipos com expressividade desproporcional a da ínfima e bastante esporádica desaprovação.

Desejo de Matar não fala sobre um processo puro e simples de vingança, já que o protagonista amplia seu leque de atuação, outorgando a si próprio as credenciais para fazer justiça com as próprias mãos. E a linguagem do filme celebra tal intento.

A priori, não há algo de errado com a violência gráfica, com o exploitation ao qual Roth recorre para mostrar cabeças sendo literalmente rachadas, entre outras barbaridades. Todavia, em Desejo de Matar, o expediente, de certa forma justifica, por desviar a atenção da plateia, o comportamento absolutamente reprovável do protagonista, que recorre, inclusive, a práticas de tortura travestidas de instrumentos judiciais.

Há momentos de riso involuntário, como o bandido que morre após a casualidade envolvendo uma bola de boliche, cena aparentemente extraída dos desenhos animados de tão rocambolesca.

Até mesmo esse tipo de encenação poderia servir ao sarcasmo, mas não é o que acontece, exatamente em virtude da inabilidade do cineasta para fugir aos instrumentos mais epidérmicos à sua disposição.

Paul é desenhado como um herói, alguém que faz o necessário para proteger a família, reforçando a ideologia belicista comumente associada ao norte-americano conservador.

Roth valida o regozijo por mortes cada vez mais sanguinárias, sem apresentar traços diretos de repulsa e/ou escárnio.

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