Assista Sonic o filme, Sonic, o porco-espinho azul mais famoso do mundo, se junta com os seus amigos para derrotar o terrível Doutor Eggman, um cientista louco que planeja dominar o mundo, e o Doutor Robotnik, responsável por aprisionar animais inocentes em robôs. 

Direção: Jeff Fowler
Elenco: James Marsden, Jim Carrey, Tika Sumpter mais
Gênero: Aventura
Nacionalidades: EUA, Japão

SINOPSE E CRÍTICA

Sonic, o ouriço azul mais veloz do mundo, vive isolado e sem amigos na Terra desde que precisou evadir de seu planeta natal.

Todavia, ele receberá a ajuda de um policial quando o Dr. Robotinik, a mando do governo dos Estados Unidos, começar a persegui-lo.

Mistura de animação e live-action, Sonic: O Filme não se preocupa em encorpar a mitologia do ouriço mais rápido dos videogames (agora também das telonas).

Aos produtores, basta sabermos que ele é um forasteiro vivendo incógnito numa pequena cidade dos Estados Unidos após perder o contato com a tutora em sua ilha de origem.

Nos tempos atuais, em que estrangeiros são tratados com desdém e tanta desumanidade pelos governos de certas potências, incluindo a norte-americana, é incontornável o paralelo com a realidade, afinal se trata de um protagonista exilado.

Todavia, o cineasta Jeff Fowler resolve pegar um atalho seguro e não permitir que seu filme se abra aos subtextos, focando no aspecto da solidão e deixando qualquer animosidade dos humanos como traço praticamente inexistente. Nem o vilão, o Dr. Robotinik (Jim Carrey), se presta a isso, uma vez que sua maldade é motivada por uma curiosidade científica desmedida, o que o leva a ser detestável.

Sonic O Filme é uma produção infantil, deliberadamente mais disposta em investir nas gags ligeiras, piadas imediatas e personagens exagerados com o intuito de garantir a adesão dos pequenos, partindo do pressuposto de que o público-alvo não é tão chegado a sutilezas.

Sonic, cuja voz original é de Ben Schwartz, é uma criaturinha adorável que apenas deseja fazer amigos.

Ele cresceu absorvendo a cultura e, de certa forma, fazendo parte do cotidiano da pacata Green Hill, sabendo de cor e salteado, por exemplo, quando o policial Tom (James Marsden) e sua esposa, Maddie (Tika Sumpter), dão uma pausa na corredia diária para curtir um cinema. É óbvio o paralelo estabelecido entre o protetor da lei e o ouriço, pois ambos estão em busca de completude.

O humano quer ser realmente importante, proteger efetivamente os indefesos. O azulão veloz deseja encontrar companhia para mitigar a tristeza de viver sem amizade. Então, eles se ajudam mutuamente.

Jim Carrey está, ao menos, uns dois tons acima dos demais em Sonic: O Filme, abusando de caras, bocas e sacadas que dão conta de uma megalomania caricatural.

Levando em consideração a prioridade do público infantil, é relativamente aceitável essa figura ser exagerada e insistir na repetição de sua maldade que ultrapassa a insanidade.

Porém, mesmo dentro desse diagnóstico, cabe ressaltar que Carrey tem momentos demais nos quais praticamente lhe é dada a telona para fazer solos, tal um músico exibicionista.

Em vários instantes do filme as atenções se voltam única e exclusivamente para Robotinik ensaiando alguma ruindade, debatendo consigo mesmo ou com seus imediatos os planos para apropriar-se do poder incompreensível de Sonic.

Curiosamente, quando ele não está em cena, o longa tem mais dificuldades para manter-se interessante, em parte porque o personagem de Marsden nada mais é do que um arquétipo do certinho que pouco inspira.

De um lado temos Jim Carrey praticamente incontrolável, num histrionismo valorizado pela direção.

Do outro, a vacilante dinâmica entre Sonic e Tom, com momentos legais, vide a perseguição sofrida de uma parafernália quase indestrutível, e outros bem sem graça, tal a inexplicável parada num bar, onde fugitivos confraternizam sem mais aquela mesmo tendo o vilão imediatamente no encalço.

O que poderia ser um arrojo, como a sordidez do governo norte-americano, acaba relativizado numa piadinha do tipo “nossas sinceras desculpas por termos soltado um lunático na cola de vocês”.

Várias circunstâncias aparentemente impossíveis são resolvidas na base da resiliência, da força da amizade e do inesperado despertar de poderes até então desconhecidos.

Um filme inocente, cuja construção bastante esquemática está mais para encaixe burocrático de peças a fim de contemplar crianças do que necessariamente uma tentativa de fazer algo com consistência.

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Filme O Menino que Queria Ser Rei, Alex (Louis Serkis) é um garoto que enfrenta problemas no colégio, por sempre defender o amigo Bedders (Dean Chaumoo) dos valentões Lance (Tom Taylor) e Kaye (Rhianna Dorris).

Um dia, ao fugir da dupla, ele se esconde em um canteiro de obras abandonado. Lá encontra uma espada encravada em uma pedra, da qual retira com grande facilidade.

O que Alex não sabia era que a espada era a lendária Excalibur e que, como seu novo portador, precisa agora enfrentar a meia-irmã do rei Arthur, Morgana (Rebecca Ferguson), que está prestes a retomar seu poder.

Para tanto, ele conta com a ajuda do mago Merlin (Angus Imrie), transformado em uma versão bem mais jovem.

Link do filme: Filme O Menino que Queria Ser Rei

Data de lançamento 31 de janeiro de 2019 (2h 00min)
Direção: Joe Cornish
Elenco: Louis Serkis, Tom Taylor (IV), Rebecca Ferguson mais
Gêneros: Família, Fantasia, Aventura
Nacionalidade: Reino Unido

SINOPSE E CRÍTICA

Alex (Louis Ashbourne Serkis, filho do ator e diretor Andy Serkis) é um menino comum que lida diariamente com valentões e demais pressões escolares/familiares.

Similar a outros tantos heróis da ficção, como o próprio protagonista bem sublinha em determinado momento de O Menino que Queria ser Rei (pena que essa autoconsciência não se repete), lá pelas tantas se descobre especial, o único capaz de tirar a mítica Excalibur da pedra, o que lhe distingue automaticamente como rei da Grã Bretanha.

Então, se alinha aos por ele mencionados Harry Potter e Luke Skylwalker, pois também é um Zé Ninguém repentinamente diante de sua insuspeita excepcionalidade.

Assim como os semelhantes famosos, tem de encarar uma missão cuja magnitude ultrapassa suas perspectivas pré-adolescentes, para isso conduzindo um quarteto de cavaleiros improvisados rumo ao embate com Morgana (Rebecca Ferguson, de trabalho apagado), feiticeira aprisionada que utiliza espíritos desgraçados para ajuda-la a dominar o reino.

A pegada é abertamente infantojuvenil, com um bom começo, exatamente esse instante em que às demandas ordinárias é acrescido o viés extraordinário.

O Menino que Queria ser Rei vai semeando ao longo de seu desenvolvimento alguns subtextos pretensamente relevantes e basilares, como a relação singular de Alex com seus genitores.

Ele sente saudade do pai que se fora e tem dificuldades cotidianas com a mãe diligente que obviamente não acredita na lenda, nem quando aparece em sua casa a magnífica espada antiga.

Passada a fase em que o menino precisa, primeiro, convencer-se de seu destino e, segundo, persuadir os colegas de que a verdade possui dimensões inimagináveis, o filme descamba para uma aventura com esparsos momentos de emoção e frequentes tentativas malfadadas de substanciar a ligação possivelmente conflituosa dos personagens.

Recorrendo à dinâmica extraída na lenda arturiana, o roteiro confere imprescindibilidade ao recrutamento dos até então “inimigos” Lance (Tom Taylor) e Kaye (Rhianna Dorris), outrora responsáveis pelos infortúnios diários de Alex e de seu melhor amigo, Bedders (Dean Chaumoo). Durante o deslocamento para um destino capital, essas rusgas são subaproveitadas.

Temperada com ocasionais aparições de asseclas flamejantes, a jornada carece de consistência exatamente porque seu fundamento, ou seja, a evolução rumo à formação de uma equipe heroica, é estabelecido de maneira superficial.

Longe de configurar-se numa constante motivadora, a desconfiança quanto à lealdade de Lance rende uma boa sequência, mas logo é enfraquecida por um movimento canhestro que visa forçar a prevalência da amizade.

Bedders, o medíocre, Lance, o ganancioso, e Kaye, a inexperiente, devem se livrar de suas respectivas pechas para auxiliar o claudicante Alex a salvar o Reino Unido – sim, pois sempre que a ameaça é mencionada apenas o território britânico é entendido como digno de salvaguarda.

Os efeitos especiais de O Menino que Queria ser Rei dão conta do recado, especialmente no que concerne ao visual dos capangas, esqueletos em combustão, assim como suas montarias.

O que compromete o conjunto é a crescente morosidade no enfrentamento dos perigos. As nuances sucumbem diante de resoluções simplistas e céleres.

Todavia, o calcanhar de Aquiles de O Menino que Queria ser Rei é o falso fim, culpa do roteiro que valoriza o solavanco, e mais especificamente o sobrevisto.

Em dado ponto do enredo, a intriga parece solucionada, embora o “clímax” tenha pouca força dramática. Então, o filme “ressuscita”, apresentando inexplicavelmente um novo desafio, levado a cabo com leviandade e ausência de potência dramática.

Auxiliados pelo mago Merlin (interpretado, cheio de maneirismos, na versão jovem por Angus Imrie, e, com certo charme, na fase idosa por Patrick Stewart), os pequenos devem provar seu valor, não sem antes recrutar um exército de coração puro num dos lugares em que tal característica não se faz presente uniformemente (?).

A valentia dos garotos e das garotas é demonstrada de forma anódina, o que debilita os motivos desse encerramento sobressalente.

Facilidades como a autuação da Dama do Lago podem ser colocadas na conta da puerilidade, o mesmo não se podendo dizer da condução frouxa da trama que, ainda assim, tem partes divertidas.

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Filme Playmobil, Marla está acostumada a cuidar do irmão mais velho, Charlie, até o dia em que os dois são transportados para dentro do universo mágico dos Playmobil.

A garota embarca numa jornada de resgate com a ajuda de novos amigos encontrados pelo caminho, como o agente secreto Rex Dasher, o caminhoneiro Del, uma fada madrinha e um androide.

Data de lançamento: 19 de dezembro de 2019 (1h 40min)
Direção: Lino DiSalvo
Elenco: Daniel Radcliffe, Jim Gaffigan, Adam Lambert mais
Gêneros: Animação, Aventura
Nacionalidade: França

Link do vídeo: FILME PLAYMOBIL

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Assista ao filme Star Wars A Ascensão Skywalker, os conflitos internos dos sobreviventes da Resistência e a luta dos mesmos contra a Primeira Ordem estão em evidência. Uma antiga força do mal parece ter retornado das cinzas. Está na hora do fim de uma saga.

Link do vídeo: STAR WARS: A ASCENSÃO SKYWALKER

Data de lançamento: 19 de dezembro de 2019 (2h 22min)
Direção: J.J. Abrams
Elenco: Daisy Ridley, Adam Driver, Oscar Isaac mais
Gêneros: Ficção científica, Aventura
Nacionalidade: EUA

CRÍTICA  E SINOPSE

Uma das contribuições mais importantes do cineasta Rian Johnson à saga Star Wars, com o excelente Star Wars: Os Últimos Jedi (2018), foi uma espécie de democratização da Força, sobretudo quanto ao protagonismo dela na luta da Resistência contra o vulto do fascismo da Primeira Ordem.

Se antes o controle excepcional dessa capacidade extraordinária e determinante estava concentrado no sangue que corria nas veias dos Skywalker, a origem pouco nobre de Rey (Daisy Ridley), bem como o belíssimo vislumbre do menino manipulando instrumentos à distância naturalmente, dava a sensação de que essa potência do bem transformada em superpoder poderia florescer em qualquer um.

É bonita essa lógica do empoderamento sem pré-requisitos. Porém, em Star Wars: A Ascensão Skywalker¸o diretor J. J. Abrams simplesmente ignora esse direcionamento e reafirma o elitismo calcado no sangue.

As peças vitais desse jogo entre Jedis e Siths têm linhagem “real”, descendem de clãs predestinados a lutar pela liberdade da galáxia ou por sua subjugação.

Aliás, Star Wars: A Ascensão Skywalker soa quase integralmente como um pedido de desculpas de Abrams, sobretudo aos fãs mais extremistas, os absolutamente “ofendidos” pela coragem anterior de Johnson, o que configura um tremendo desrespeito com seu predecessor.

É como se o responsável por reiniciar a franquia, lá atrás, com o excelente Star Wars: O Despertar da Força (2017) estivesse bem mais preocupado em fazer uma reverência desbragada aos velhos tempos e, por conseguinte, a ficar “bem na fita” com os insatisfeitos que passaram o último ano reclamando do arrojo.

E o tom de “correção de curso” passa também pela simplificação tremenda da face do mal que alimenta a sombra do universo. Antes existia a ideia de pulverização da ameaça, algo que ia ao encontro da dinâmica de descentralização.

Todos poderiam ser potencialmente bons ou maus, afinal de contas esses âmbitos convivem incessantemente, se alternando em vários instantes. Mas Abrams decide ceder e mostrar a vilania máxima como oriunda de apenas uma fonte, assim novamente retrocedendo.

O roteiro de Star Wars: A Ascensão Skywalker é uma colcha de retalhos mal cerzida, com inconsistências se sucedendo na telona.

Rey precisa embarcar numa missão praticamente impossível, mas tem seu caminho clarificado consecutivamente por coincidências e revelações empilhadas com despudor.

O dado emocional fica bastante comprometido exatamente por conta desse trajeto acidentado. Por exemplo, algo que Luke Sywalker (Mark Hamill) não tinha conseguido em vida, mesmo com anos de treinamento e a maestria Jedi, é obtido sem maiores complicações pelo time de novatos.

Chega-se ao cúmulo de uma peça ser encaixada nesse quebra-cabeça meramente pelo acaso, com os resistentes caindo num buraco e topando convenientemente com cadáveres e artefatos vitais.

O próprio trajeto paralelo da protagonista e de seu suposto algoz, Kylo Ren (Adam Driver), é desenhado burocraticamente, com diálogos expositivos e uma ordinária noção de dualismo em voga.

Outro ponto complicado, inclusive pelo caráter acintoso, em Star Wars: A Ascensão Skywalker é a necessidade reiterada, beirando o vergonhoso, de encontrar interesses amorosos femininos para Poe (Oscar Isaac) e Finn (John Boyega), assim rechaçando as ventiladas possibilidades deles configurarem um casal.

Tendo em vista a urgência de representatividade nos cinemas, não é suficiente Abrams mostrar mulheres se beijando rapidamente, do tipo “piscou perdeu”, numa cena de comemoração, quando é gritante esse conservadorismo, talvez imposto veladamente pelos mesmos fãs avessos a qualquer mudança na sua franquia favorita, ainda mais quando esta aponta ao progresso.

Não bastasse esses problemas, falta intensidade nas batalhas, bem como são pálidas e capengas as curvas dramáticas de certos personagens icônicos rumo ao fim, tais como C3PO (Anthony Daniels) e Chewbacca (Joonas Suotamo). Nem mesmo o novo dróide apresentado possui personalidade suficiente para se tornar uma figura marcante nessa aventura preguiçosa e atada ao passado.

Há momentos bonitos, exceções que confirmam a regra prioritariamente vigente, vide algumas despedidas e aparições surpresa, mas o acúmulo de expedientes decepcionantes em Star Wars: A Ascensão Skywalker é tamanho que fica difícil não sentir saudades de Rian Johnson e mesmo do bom e velho J. J. Abrams.

Este tinha estabelecido uma ponte gostosa entre o velho e o novo em Star Wars: O Despertar da Força, mantendo uma cota milimétrica de fanservice, inclusive utilizando de maneira bem mais potente as engrenagens básicas dessa estrutura criada nos anos 70 por George Lucas.

Aqui ele se contenta em fazer mais do mesmo, em voltar várias casas no jogo de Star Wars a fim de agradar o público-alvo considerado prioritário, acenando à voracidade por conformismo, com pirotecnias para desviar a atenção das debilidades.

Uma pena que nem a díade da Força, um conceito excelente, seja utilizado de forma empolgante nesse filme com gosto rançoso.

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Filme Mulher Maravilha 1984 acompanha Diana Prince/Mulher-Maravilha (Gal Gadot) em 1984, durante a Guerra Fria, entrando em conflito com dois grande inimigos – o empresário de mídia Maxwell Lord (Pedro Pascal) e a amiga que virou inimiga Barbara Minerva/Cheetah (Kristen Wiig) – enquanto se reúne com seu interesse amoroso Steve Trevor (Chris Pine).

Lançamento: 17 de dezembro de 2020 / 2h 31min 
Direção: Patty Jenkins
Elenco: Gal Gadot, Chris Pine, Kristen Wiig mais
Gêneros: Ação, Aventura, Fantasia
Nacionalidade: EUA

Link do vídeo: MULHER MARAVILHA 1984

SINOPSE E CRÍTICA – MULHER MARAVILHA

No ano de 1984, um excêntrico vilão descobre um artefato que realiza desejos, mas que cobra seus preços para isso. Barbara Minerva, por exemplo, querendo ser uma Mulher-Maravilha, se torna a Mulher Leopardo. Já Diana terá de encarar a inesperada perda parcial de seus poderes.

Artefatos mágicos podem ser uma desculpa e tanto para roteiristas enfiarem conveniências goela abaixo do espectador.

Num filme de super-herói ou em qualquer exemplar do gênero fantástico, artigos com possibilidades extraordinárias não são incomuns, tampouco reprováveis, claro, desde que devidamente integrados à lógica interna.

Mas, em Mulher-Maravilha 1984, a descoberta arqueológica tratada inicialmente enquanto barata falsificação se apresenta como gritante engrenagem narrativa facilitadora/simplificadora do que gravita ao redor dela.

À Diana (Gal Gadot), representa o meio pelo qual a super-heroína tem momentaneamente o amor de volta – trucagem bem da sem-vergonha para ter Chris Pine novamente como um anteparo masculino.

MULHER MARAVILHA 1984

À Barbara (Kristen Wiig), o modo de sobressair, de deixar para trás sua invisibilidade. Já à Maxwell (Pedro Pascal), torna palpáveis os planos megalomaníacos.

Esse vilão caricato, do tipo excêntrico, corporifica uma espécie de lâmpada de Aladdin que concede desejos, mas cobra preços enormes.

Inicialmente, não há problema no fato dessas tramas se desenrolarem em torno de um mesmo elemento encantado.

Todavia, os roteiristas Patty Jenkins, Geoff Johns e Dave Callaham se apoiam excessivamente nas faculdades mágicas, inexplicavelmente negligenciando os decorrentes dilemas morais requentados de outras produções com teor basicamente parecido.

No fim das contas, Mulher-Maravilha 1984 fala de dois excluídos transformados em ameaças perigosíssimas, nem ao menos consistindo em determiná-los como subproduto de um mundo não acolhedor às suas particularidades.

MULHER MARAVILHA 1984

Aliás, essa mesma turba que lega Barbara e Maxwell à marginalidade da atenção e do carinho é a que, num arroubo gritante de idealismo inocente, deixa de lado as possibilidades de ganho pessoal para instaurar o bem comum.

Contradição bem explorada? Que nada, nem ao menos mencionada como mudança drástica de concepção. As pequenas fissuras no enredo vão minando a importância dos discursos, tanto os coletivos quanto os estritamente individuais.

Se Diana hesita em abdicar de seu pedido por conta de um dilema moral perfeitamente cabível, porque haveria de soar orgânica a renúncia irrestrita de meros mortais que, sequer, têm suas personalidades contempladas pelo longa?

Mas, Mulher-Maravilha 1984 não sucumbe apenas por conta dessas fragilidades. Alçada ao panteão de representante-mor da feminilidade nos filmes baseados em quadrinhos, a protagonista novamente vivida por Gal Gadot é reduzida a impasses mal apresentados e à dependência emocional (e até física) do “ressuscitado”.

Em vários instantes, ela não capitula diante das ameaças por conta do suporte imprescindível de Steve Trevor, presença incômoda desde o princípio por conta da gratuidade de um retorno absolutamente desnecessário e forçado.

MULHER MARAVILHA 1984

Também assim o parece o prólogo na terra das amazonas. Se em Mulher-Maravilha (2017), a abertura em Themyscira era provavelmente o que aquele bom filme tinha de melhor, aqui ela não passa de uma demonstração um tanto gratuita de pirotecnia, já que a lição aprendida pela pequena Diana não é assim tão útil como reforço do que ela está vivendo no presente.

Ademais, Kristen Wiig parece frequentemente deslocada na personagem arquetípica que reafirma a nociva rivalidade feminina embalada na inveja.

Como o próprio título denuncia, o filme se passa em 1984. Para endossar esse enamoramento de Hollywood pela década de 1980, Patty Jenkins acredita que basta uma sequência de vislumbres sintomáticos – pessoas trajadas como na época citada, jovens no fliperama, aglomerações em shoppings centers – para criar uma ambientação condizente.

Rapidamente, Mulher-Maravilha 1984 larga essa estética singular de lado, quando muito deixando escapar numa transição qualquer a utilização de pochetes.

MULHER MARAVILHA 1984

As cenas de ação passam longe de ser apoteóticas, especialmente por conta da maneira como a realizadora privilegia acrobacias próximas ao puro exibicionismo em detrimento de uma lógica de façanhas físicas incomuns.

Some a isso tudo, no quesito debilidades, a exagerada capacidade de aprendizado dos personagens – Diana logo sabe como fazer invisível um jato e Steve não demora mais que 10 segundos para se familiarizar com uma tecnologia aeroviária 60 anos à frente do seu tempo – e temos um filme que carece de vibração, além de desperdiçar os insumos dramáticos.

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Filme Mulan, Hua Mulan (Liu Yifei) é a espirituosa e determinada filha mais velha de um honrado guerreiro.

Quando o Imperador da China emite um decreto que um homem de cada família deve servir no exército imperial, Mulan decide tomar o lugar de seu pai, que está doente.

Assumindo a identidade de Hua Jun, ela se disfarça de homem para combater os invasores que estão atacando sua nação, provando-se uma grande guerreira.

A aclamada cineasta Niki Caro dá vida à épica lenda da icônica guerreira chinesa em “Mulan”, da Disney, em que uma jovem destemida arrisca a própria vida por amor à família e à pátria para se tornar uma das maiores guerreiras de toda a China.

Link do vídeo: Mulan

Data de lançamento: 26 de março de 2020
Direção: Niki Caro
Elenco: Yifei Liu, Donnie Yen, Jason Scott Lee mais
Gêneros: Aventura, Família
Nacionalidade: EUA

SINOPSE  E CRÍTICA – FILME MULAN

Primogênita de um honrado guerreiro, Mulan decide tomar o lugar do pai na frente de batalha quanto o imperador chinês convoca um homem de cada família para servir o exército numa situação de crise.

Ela se disfarça para combater os invasores, desafiando não apenas os saqueadores, mas também as tradições.

Há mais de vinte anos, os Estúdios Disney deram um importante passo rumo a uma bem-vinda diversidade étnica em suas produções com o lançamento da animação Mulan (1998), que apresentava, pela primeira vez, uma personagem oriental como protagonista.

Outros títulos do gênero se seguiram, como Atlantis: O Reino Perdido (2001), com Kida, uma monarca submarina, A Princesa e o Sapo (2009), com Tiana, a primeira princesa negra, ou Moana:

Um Mar de Aventuras (2016), em que a personagem-título fazia parte de uma tribo da Polinésia.

São esforços tímidos, mas de grande impacto – e que, por isso, merecem ser reconhecidos. Bem diferente é o cenário no qual este Mulan, a versão live action da mesma história, agora se apresenta.

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Afinal, após os sucessos de A Bela e a Fera (2017), Aladdin (2019) e O Rei Leão (2019), que também eram adaptações mais realistas dos respectivos contos animados de mesmo nome, todas com mais de US$ 1 bilhão arrecadados nas bilheterias mundiais – a garota guerreira foi escolhida como próxima da linha com um único objetivo em mente: conquistar o mercado chinês, que cada vez mais se consagra como o maior do mundo (superando até mesmo os Estados Unidos).

Ninguém contava, no entanto, com uma pandemia global, uma quarentena sem data para acabar e salas de cinema fechadas por todos os lugares.

A solução foi um lançamento discreto, direto em streaming (ao menos na maior parte dos países). A surpresa, porém, é perceber que esse parece ser um destino mais adequado à produção.

Isso porque o longa dirigido pela neozelandesa Niki Caro (que estreou com o ótimo Encantadora de Baleias, 2002, mas nunca mais conseguiu repetir o mesmo impacto) não só é escasso de ideias, como também transita por terrenos perigosos, revelando-se incapaz de adequar para os tempos atuais uma história feita duas décadas atrás.

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Em linhas gerais, Mulan é uma jovem (Yifei Liu, de O Reino Proibido, 2008, apenas eficiente) que decide se juntar ao exército chinês.

Como a trama se passa há muitos séculos, ela assim o faz disfarçada como rapaz, e o que a leva a isso é a necessidade de proteger o pai quando esse é convocado para fazer parte dos esforços bélicos da nação contra o ataque de inimigos que colocam em perigo a própria continuidade do Império.

Da infância e juventude, quando não era vista com bons olhos pelos vizinhos por ser agitada e intensa demais em tudo que fazia, acaba sendo recriminada pela casamenteira da vila e, caso se apresentasse tal como é, também seria recusada pelas forças armadas.

Assim, é somente sob a identidade masculina que, enfim, consegue ser quem ela é de verdade.

É neste ponto que o filme abre espaço para duas discussões importantes, mas que, no entanto, terminam por ser ignoradas.

Primeiro, é a necessidade desta mulher – e de todas as outras iguais a ela, por consequência – de levarem uma vida apenas tentando se encaixar em padrões determinados pelos homens, ainda que estes, muitas vezes, se revelem mais fracos em comparação.

Do ambiente familiar, formado por um homem (o pai velho e cansado) e três mulheres (a mãe, que mantém a ordem da casa, e as duas filhas, sob as quais a esperança de um futuro melhor para todos é depositada), até no meio das grandes batalhas, quando será a presença dela que terá função determinante nos destinos dos envolvidos, é curioso como o tema do empoderamento feminino grita forte em cada sequência, apenas para ser rapidamente jogado em um segundo plano diante de debates menos urgentes, como “respeito ao nome” ou “honestidade uns com os outros” – mesmo quando não lhe é permitido, sob qualquer hipótese, se assumir.

Há um outro debate que também termina sendo jogado para debaixo do tapete, que diz respeito à evidente atração do colega Honghui (Yoson An, de Máquinas Mortais, 2018, hábil em criar uma dubiedade necessária ao personagem) pela protagonista – um sentimento que começa cedo, quando ele ainda a vê como um rapaz igual a ele.

Por mais que o disfarce de Mulan seja no nível do óculos do Clark Kent – para ela, basta uma armadura e os cabelos presos para se apresentar como homem – absolutamente ninguém em cena chega a suspeitar do seu gênero sexual.

Honghui chega a procurar pelo amigo quando esse (essa) está sozinho no alojamento, ou quando se afasta para tomar banho longe dos demais. Ou seja, se trata de uma evidente relação homossexual prestes a ser desenhada, que em nenhum momento chega a ser debatida.

Quando a verdade à respeito dela vem à tona, não há nenhuma mudança significativa de comportamento por parte dele. De quem, afinal, ele gosta? Do colega tímido ou da moça valente?

Por mais polêmicos que estes temas possam parecer, constituem parte intrínseca dessa lenda chinesa de muitas gerações, aqui tratada de maneira convencional e sem grandes brilhos.

O embate com a vilã, a bruxa Xianniang (Gong Li, a melhor do elenco, seja pela força que carrega no olhar, como também pela presença imponente pela qual se manifesta), poderia render mais – pois, como chega a ser dito, ambas são muito mais parecidas do que gostariam.

No entanto, resignam-se em se apresentarem como peças de manobra dos personagens masculinos.

Enfim, é justamente assim que Mulan se apresenta: mulheres poderosas que, pelas convenções sociais nas quais estão inseridas, passam suas vidas tentando se encaixar nas expectativas e modelos de comportamentos ditados pelos homens ao redor delas, tudo para não abalar as frágeis convicções destes.

Uma mensagem que talvez tenha encontrado espaço no século passado, mas que hoje não mais possui relevância. É muito esforço para pouco a ser dito, e a Disney sabe disso – assim como também reconhecem os seus espectadores.

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Assista ao filme Jumanji Próxima Fase, Em Jumanji: Próxima Fase, a turma está de volta mas o jogo mudou. Enquanto retornam à Jumanji para resgatar um de seus amigos, eles descobrem que nada é como eles esperavam que seria.

Os jogadores devem desbravar áreas desconhecidas e inexploradas, desde o árido deserto até as montanhas nevadas, para poderem escapar do jogo mais perigoso do mundo.

Tentado em revisitar o mundo de Jumanji, Spencer (Alex Wolff) decide consertar o jogo de videogame que permite que os jogadores sejam transportados ao local.

Logo o quarteto formado por Smolder Bravestone (Dwayne Johnson), Moose Finbar (Kevin Hart), Shelly Oberon (Jack Black) e Ruby Roundhouse (Karen Gillan) ressurge, agora comandado por outras pessoas: os avôs de Spencer e Fridge (Danny DeVito e Danny Glover) assumem as personas de Bravestone e Finbar, enquanto o próprio Fridge (Ser’Darius Blain) agora está sob a pele de Oberon.

Data de lançamento: 16 de janeiro de 2020
Direção: Jake Kasdan
Elenco: Dwayne Johnson, Kevin Hart, Karen Gillan mais
Gêneros: Aventura, Comédia
Nacionalidade: EUA

LINK DO VÍDEO: FILME JUMANJI: PRÓXIMA FASE

CRÍTICA E SINOPSE

Quando Jumanji (1995) chegou aos cinemas, foi uma verdadeira revolução. Mesmo com efeitos visuais que não envelheceram muito bem, o diretor Joe Johnston e o astro Robin Williams foram hábeis em garantir entretenimento ao público e uma bilheteria que quadruplicou o investimento inicial.

Curioso, portanto, que mais de duas décadas tenham se passado até Jumanji: Bem-Vindo à Selva (2017) – a tão aguardada continuação, agora com novo elenco e diretor – tenha, enfim, se tornado realidade.

Essa relação entre um e outro, no entanto, se perde por completo nesse Jumanji: Próxima Fase, terceiro episódio da saga.

Não apenas o intervalo entre um e outro diminuiu radicalmente, como a reinvenção antes proposta foi praticamente esquecida, fazendo deste capítulo uma grande reprise, para não dizer que se trata de uma refilmagem feita às pressas.

Pois veja bem, já que é exatamente isso o que ocorre: se o segundo era uma sequência que agregava novidades ao original e aumentava a dimensão daquele universo, este terceiro é não mais do que desnecessário, uma vez que investe apenas em terreno seguro, contentando-se em repetir trilhas já percorridas.

Se antes se tratava de um jogo de tabuleiro, mesmo envelhecido Jumanji foi reapresentado como um videogame dentro do filme, o qual os protagonistas, ao lançarem os dados, se viam inevitavelmente envoltos pelas consequências de cada ação.

No primeiro, era a brincadeira que invadia a realidade, mas no seguinte, foi a vez de inverter as regras e fazer com que os participantes literalmente caíssem dentro do faz-de-conta.

A impressão, agora, é que toda a criatividade fora gasta dois anos antes, e sobrou apenas um raso esforço que logo é descartado.

A mudança proposta, por exemplo, é a troca dos personagens. Antes os jovens Spencer (Alex Wolff), Bethany (Madison Iseman), Fridge (Ser’Darius Blain) e Martha (Morgan Turner), assim que começavam a jogar, se viam transformados em avatares interpretados por Dwayne Johnson, Jack Black, Kevin Hart e Karen Gillan.

O que Próxima Fase propõe é uma mistura nessa ideia, não apenas embaralhando o ‘quem é quem’, como também adicionando outras figuras, deliciosamente vividos pelos veteranos Danny DeVito e Danny Glover. Pena, no entanto, que o conceito não perdure por muito tempo.

Afinal, por mais divertido que seja ver The Rock imitando o jeito irritado de DeVito ou Hart mimetizando a fala pausada de Glover, a piada não demora a se esgotar – ainda mais que suas contrapartes não são dotadas da mesma força.

Não há uma característica forte para Gillan ou Black emularem, o que os leva a se apresentarem tal qual da última vez.

Achados anteriores, como o galanteador Nick Jonas, são desperdiçados sem muita cerimônia, enquanto que outras aquisições, como a ótima Awkwafina ou o gigante Rory McCann (Game of Thrones, 2011-2019), até chegam a ameaçar um maior destaque, mas logo voltam a uma posição coadjuvante.

Quanto aos demais, até possuem um momento ou outro sob o holofote: Johnson liderando cenas de ação, Hart buscando o humor rápido que lhe é característico, Gillan justificando a postura como única presença feminina e Black mostrando que não se cansa de repetir as mesmas piadas.

Já aos Dannys – DeVito e Glover – resta apenas a participação especial no começo da história, pois logo a substituição acontece para se verem irremediavelmente esquecidos.

O enredo é também banal. Infeliz com a vida que vem levando, um dos quatro amigos decide que, ao menos no mundo de Jumanji, pode viver a experiência de se sentir como herói, e, portanto, decide retornar.

Quando os demais ficam sabendo, vão ao seu encontro com a desculpa de que precisam salvá-lo. Uma vez reunidos, a turma de sete – sim, pois além das companhias do avô de um deles (e do melhor amigo desse), há ainda o guia que novamente surge sem dizer a que veio (papel do inexpressivo Colin Hanks) – descobrem que tudo o que precisam é encontrar uma joia preciosa e devolvê-la ao seu lugar de origem.

Pois bem… não era exatamente essa a mesma missão de antes? Mesmo quando enfrentam um bando de avestruzes ou o ataque sincronizado de centenas de macacos selvagens, o perigo nunca chega a ser percebido – além do mais, como participantes de uma fantasia, possuem ‘vidas’ extras.

Sem ter pelo que temer e com a certeza cada vez mais absoluta de que o final feliz será inevitável, qual a expectativa que sobra ao pobre expectador, além de acompanhar um grupo de astros de Hollywood se divertindo em meio a um enorme parque de diversões?

Como o próprio subtítulo anuncia, Jumanji: Próxima Fase se assume sem maiores embaraços como um segmento de transição – nem o começo, muito menos o final.

Feito única e exclusivamente para capitalizar em cima do gigantesco sucesso de público do seu predecessor – que faturou quase US$ 1 bilhão em todo o mundo – resigna-se a se comportar como uma montanha-russa audiovisual, sem exigir muito do elenco ou dos realizadores, e menos ainda daqueles dispostos a enfrentar suas mais de duas horas de duração.

Repetitivo em sua estrutura e carente de soluções narrativas mais inventivas, é retrato de uma crise difícil de ser contornada, a que dita que apenas filmes-eventos, que privilegiam mais a reação do que a reflexão, acabam por ganhar espaço na tela grande. 

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Filme Frozen 2, Por que Elsa nasceu com poderes mágicos? A resposta está chamando-a e ameaçando seu reino.

Com Anna, Kristoff, Olaf e Sven, ela partirá em uma jornada tão perigosa quanto notável. Em “Frozen”, Elsa temia que seus poderes fossem demais para o mundo. Em “Frozen 2”, ela deve torcer para que sejam o bastante.

De volta à infância de Elsa e Anna, as duas garotas descobrem uma história do pai, quando ainda era príncipe de Arendelle.

Ele conta às meninas a história de uma visita à floresta dos elementos, onde um acontecimento inesperado teria provocado a sepaação dos habitantes da cidade com os quatro elementos fundamentais: ar, fogo, terra e água.

Esta revelação ajudará Elsa a compreender a origem de seus poderes.

Data de lançamento: 2 de janeiro de 2020 (1h 44min)
Direção: Jennifer Lee, Chris Buck
Elenco: Kristen Bell, Idina Menzel, Josh Gad mais
Gêneros: Animação, Aventura
Nacionalidade: EUA

Link do filme Frozen 2

FILME FROZEN 2

Para dar sequência a uma das principais marcas da cultura pop recente, a Disney decidiu não exatamente olhar para o futuro, e sim para o passado.

Frozen II não parte de onde o primeiro começou, preferindo retornar à infância de Elsa e Anna, e depois à origem dos pais e avós.

O filme se abre com um flashback do flashback, uma curiosa escolha de temporalidade destinada a solucionar uma dúvida que não existia de fato ao término da obra original.

Este projeto se mostra especialista em fornecer a solução para seus próprios problemas: quando as irmãs descobrem a existência de uma floresta mágica, na qual existiriam pessoas presas, elas obviamente serão encarregadas de resolver este impasse.

Se Anna escuta falar de uma represa, caberá a ela solucionar o problema ligado à mesma. Talvez houvesse suas vantagens em manter as portas do castelo fechadas.

Ao mesmo tempo, é interessante que a diretora e roteirista Jennifer Lee, nova diretora das animações da Disney, opte por uma estrutura muito mais livre do que as amarras tradicionais do primeiro Frozen:

Uma Aventura Congelante (2013). Enquanto a história inicial introduzia a fantasia como um dado inquestionável, o novo filme busca compreender as raízes do funcionamento mágico, o que permite uma aventura ainda mais folclórica e transcendental.

O visual levemente carnavalesco da primeira animação se aprofunda em algo ostensivamente kitsch, com tons neon em fundo infinito, gotas d’água voando em câmera lenta, vestidos com abas esvoaçante mesmo sem vento, fogo cor-de-rosa, cavalos de gelo e outras invenções.

O resultado é ainda mais criativo em termos visuais, sem medo de excessos e de fugir ao padrão elegante de outras animações da empresa.

O acúmulo da magia pela magia pode parecer ainda mais infantil, porém permite voos maiores em termos de liberdade criativa.

Filme Frozen 2 ameaça com frequência enveredar por caminhos interessantíssimos, todos eles abortados a tempo.

Em determinado momento, um tsunami fica perto de destruir o maior símbolo dos estúdios Disney, o que representaria uma revolução semiótica e política importante, mas a possibilidade é evitada.

Quando Anna, Elsa e seus amigos encontram seus duplos na floresta, em versão nativo-americana, o potencial cômico, social e mesmo sombrio da cena (Nós não está tão longe) seria impressionante, se o espelhamento não fosse abandonado logo depois.

A presença inesperada de um clipe musical brincando com a estética cafona dos anos 1980 é deliciosa, porém jamais contagia o resto do filme, firmemente preso às demandas do século XXI.

A sugestão de que pessoas com poderes são perigosas, o que colocaria Elsa na posição de representante das minorias (em estilo X-Men) também não segue adiante.

FILME FROZEN 2

Filme frozen 2 o pedido de casamento frustrado serve para colocar os homens na posição de românticos inveterados, obcecados com a vida doméstica, ao invés das mulheres focadas a explorar a natureza. A inversão é ótima, ainda que não aprofundada.

A sequência faz alusões constantes ao filme de 2013. Por um lado, a decisão soa limitada quando reproduz estruturas do precedente – vide canções cujas funções são praticamente idênticas à de “Let It Go” e “In Summer”.

Por outro lado, a disposição a parodiar a si próprio funciona muito bem: as cenas do jogo de mímica, ou a reconstituição de Olaf para os fatos do primeiro Frozen são divertidas por possibilitarem que o filme não se leve a sério.

Ainda assim, a produção de 2019 se sai melhor quando trilha caminhos próprios, investindo numa linguagem mista de filosofia e autoajuda (a canção sobre a impermanência das coisas, o tema da memória da água).

As revelações sobre o passado familiar servem menos a determinar o futuro de Anna e Elsa do que aprofundar sua construção psicológica, algo louvável dentro de uma franquia comercial.

A discussão sobre coragem versus prudência, ou sobre o instinto de proteção das irmãs versus a necessidade de ficarem juntas também garante discussões complexas para uma narrativa infantil.

Esteticamente, o resultado é deslumbrante como se esperaria de uma animação dos estúdios Disney.

A possibilidade de brincar com gotas d’água, ondas, gelo, fogo, vento e outros elementos resulta em cenas encantadoras plasticamente, sobretudo na bela sequência do lago mágico.

As canções mantêm uma dramaticidade exagerada, ainda que coerente com o aspecto kitsch do conjunto, e dispostas a rir de si mesmas.

De modo geral, o segundo filme mantém a foco apenas nos elementos essenciais da franquia: a intensa irrupção de cenas musicais, o protagonismo feminino, a relação entre as irmãs acima de qualquer interesse amoroso, a presença de Olaf como alívio cômico central e o discurso new-age sobre a natureza, capaz de defender a pureza dos elementos sem incomodar qualquer agressor reconhecível.

Novos personagens são apresentados, no entanto resultam dispensáveis perto do grupo Anna-Elsa-Olaf-Kristoff-Sven.

Novas canções são introduzidas, mas apenas reforçam um imaginário bem pavimentado por “Let It Go” e companhia.

Novas cenas sobre o poder de Elsa são apresentadas, embora não transformem sensivelmente nada que não soubéssemos sobre ela até então.

FILME FROZEN 2

Filme Frozen 2 consegue oferecer situações inéditas sem realmente transformar suas bases, ou seja, apresentar um acréscimo que não coloque em risco qualquer aspecto da narrativa.

Trata-se de uma produção impecavelmente produzida, animada e orquestrada, que vai longe em seu imaginário místico enquanto mantém firmes as bases sociais, políticas e psicológicas do produto original.

“Into the Unknown”, canção-tema entoada a plenos pulmões por Idina Menzel e por Panic! At the Disco funciona ao mesmo tempo enquanto afirmação genuína (pelas viagens estéticas adotadas) e enquanto ironia (por trilhar, afinal, caminhos um tanto conhecidos).

Série documental sobre os bastidores de ‘Frozen 2’ ganha trailer; Confira dublado e legendado!

A Disney+ divulgou o primeiro trailer da série documental ‘Minha Intuição: Nos Bastidores de Frozen 2‘, que mostrará o processo de desenvolvimento da sequência animada.

A plataforma também liberou o trailer do programa que será uma série documental com 6 episódios sobre os bastidores da criação da animação frozen 2 dublado

o seriado irá acompanhar o time de animação da Disney trabalhando no filme 1 ano antes de sua estreia onde veremos todos os bastidores da criação da sequência.

Assim, veremos cenas com os produtores, os roteiristas, o elenco, que contarão suas expectativas para o lançamento do maior filme de animação de todos os tempos.

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Assista ao filme Dora e a Cidade Perdida, tendo passado a maior parte de sua vida explorando a selva com seus pais, nada poderia preparar Dora para a aventura mais perigosa de todas: o colégio.

Sempre a exploradora, Dora logo se vê liderando Boots, seu melhor amigo macaco, Diego, um estranho habitante da selva, e um grupo de adolescente em uma jornada em live-action para salvar seus pais e solucionar esse impossível mistério por trás de uma cidade de ouro.

SINOPSE E CRÍTICAS

Os anos se passaram e novas responsabilidades surgiram na vida de Dora. Agora ela frequenta a escola e mora na cidade junto com o seu primo, Diego.

No entanto, precisará embarcar em uma nova aventura para salvar seus pais e resolver o mistério de uma antiga civilização perdida.

Baseado na série de animação Dora: A Aventureira (2000-), que já se encontra em sua oitava temporada, Dora e a Cidade Perdida encontrou na jovem Isabela Moner (agora assinando como Isabela Merced, em homenagem à avó) sua intérprete perfeita – a semelhança da atriz com o desenho é incrível.

Filme Dora e a Cidade Perdida

O curioso, no entanto, é que Moner (ou Merced) participava de uma série derivada, Dora e Seus Amigos na Cidade (2014-), dublando uma coadjuvante, e não a protagonista.

Alçada ao posto principal, a garota se sai particularmente bem por combinar uma inocência calculada – afinal, Dora foi criada na selva, junto aos pais exploradores e longe da civilização – com uma avidez por descobertas que logo cria identificação com o seu público-alvo.

Sim, pois essa é uma questão que precisa ficar clara: este é um filme voltado a uma audiência bem infantil, e com isso em mente, fica evidente a eficiência de sua proposta.

Filme Dora e a Cidade Perdida

Obviamente inspirado em sucessos do gênero, como a saga Indiana Jones, Dora e a Cidade Perdida se encaixa nesse contexto atual de oferecer um justo protagonismo às mulheres.

Há homens em cena, é claro, mas ou são coadjuvantes, ou estão em condições de vilania. Ou seja, irrelevantes, ou prestes a serem combatidos.

O pai de Dora, interpretado por Michael Peña, é o lado cômico do casal formado junto à Eva Longoria (que mesmo em roupas apertadas e maquiagem muito bem delineada, faz às vezes da pesquisadora séria).

O primo, visto na pele de Jeff Wahlberg (sobrinho de Mark Wahlberg, colega de Isabela no primeiro grande sucesso dela, a superprodução Transformers:

O Último Cavaleiro, 2017), é não mais do que o colega de aventuras, enquanto que Eugenio Derbez aparece como o atrapalhado que surge na última hora para salvá-los de um perigo maior, mesmo que suas segundas intenções não sejam nenhum mistério.

Filme Dora e a Cidade Perdida

Há dois momentos distintos na trama. No começo, em um rápido prólogo, conhecemos os protagonistas enquanto crianças, entre objetos falantes (como a mochila ou o mapa) e companheiros inseparáveis (destaque para o macaco Botas).

Esse início é eficiente para marcar o universo de fantasia que circunda a história.

No entanto, ele logo se desfaz, acompanhando o amadurecimento dos personagens. Diego (Wahlberg) foi morar na cidade, e ela ficou para trás. Já crescida, chegou sua vez de acompanhá-lo.

A chegada, no entanto, resvala por clichês bastante óbvios do gênero, como a estranha da escola que é vítima de bullying das meninas mais descoladas.

Felizmente, essa parte é curta, pois o que importa é o lado aventuresco da trama – afinal, precisam ir atrás da tal Cidade Perdida do título, certo?

Filme Dora e a Cidade Perdida

Diante de uma narrativa bastante linear, o espectador é convidado a acompanhar os deslizes e as conquistas de Dora ao lado de três amigos – Diego, o nerd Randy (Nicholas Coombe, de Sol da Meia-Noite, 2018) e a implicante Sammy (Madeleine Madden, de Tidelands, 2018).

Eles são sequestrados por bandidos que acreditam que apenas ela poderá descobrir onde estão seus pais, que desapareceram enquanto procuravam pela mítica cidade de ouro dos incas.

Enquanto fogem, são ajudados por Alejandro (Derbez, que é quase um Sérgio Mallandro mexicano, de tantas caras e bocas), que se diz um velho conhecido da família.

Os cinco partem, em meio à floresta, atrás de pistas, e pelo caminho vão se deparando com areias movediças, câmaras inundadas e perseguições de última hora. Tudo muito bem calculado, nota-se, para que o perigo nunca chegue a ser, realmente, ameaçador.

Filme Dora e a Cidade Perdida

Entre ganhos e feridos, percebe-se o desperdício de nomes de talento comprovado – como Adriana Barraza, indicada ao Oscar por Babel (2006), que surge como a avó sem nenhum momento de ‘palavras de sabedoria’, ou Q’orianka Kilcher, a Pocahontas de O Novo Mundo (2005), em uma participação mínima como uma Princesa indígena – ao mesmo tempo em que a desenvoltura de Isabela à frente do elenco chama atenção, respondendo à altura frente às exigências físicas e emocionais de uma personagem que deve, antes de qualquer outra coisa, conseguir se comunicar com sua audiência, o que faz com muita competência.

Filme Dora e a Cidade Perdida

No entanto, é de se lamentar a decisão da distribuidora brasileira de não exibir o filme em sua versão original, pois na dublada em português perde-se o desempenho vocal de figuras como Benicio Del Toro, como a Raposa, ou Danny Trejo, como Botas.

Assim, com vários acertos – e alguns evidentes tropeços – Dora e a Cidade Perdida apresenta-se como uma introdução interessante, ainda que absolutamente controlada.

Afinal, assim como Harry Potter permitiu que muitos chegassem até O Senhor dos Anéis, quem sabe essa jovem curiosa não consiga levar outros tantos até o professor de chapéu fedora e chicote?

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Assista ao filme Aves de Rapina: Arlequina e Sua Emancipação Fantabulosa é um conto distorcido narrado por Harley, como só ela poderia contar. Quando o mais terrível e narcisista vilão de Gotham, Roman Sionis, e seu braço direito, Zsasz, começam a cassar uma jovem chamada Cass, a cidade é virada de cabeça para baixo em busca da garota.

Os caminhos de Arlequina, Caçadora, Canário Negro e Renee Montoya se encontram e o quarteto improvável não tem escolha a não ser se unir para derrubar Roman

Arlequina (Margot Robbie), Canário Negro (Jurnee Smollett), Caçadora (Mary Elizabeth Winstead), Cassandra Cain e a policial Renée Montoya (Rosie Perez) formam um grupo inusitado de heroínas.

Quando um perigoso criminoso começa a causar destruição em Gotham, as cinco mulheres precisam se unir para defender a cidade.

Data de lançamento: 6 de fevereiro de 2020
Direção: Cathy Yan
Elenco: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Jurnee Smollett-Bell mais
Gêneros: Ação, Aventura
Nacionalidade: EUA

LINK DO VÍDEO: AVES DE RAPINA

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