A vitória de Wagner Moura no Globo de Ouro 2026 e o prêmio de O Agente Secreto como Melhor Filme de Língua Não Inglesa colocam o Brasil no centro de uma conversa rara: não apenas “um brasileiro indicado”, mas um brasileiro vencendo, com um filme brasileiro vencendo junto.

O marco é objetivo: a imprensa internacional registrou Moura como o primeiro brasileiro a ganhar Melhor Ator em Filme de Drama na história da premiação. No mesmo movimento, o longa de Kleber Mendonça Filho converteu prestígio artístico em narrativa global.

Em um cenário historicamente dominado por produções norte-americanas e europeias, o reconhecimento funciona como ruptura simbólica: o Brasil deixa de ser apenas fonte exótica de histórias e passa a ser percebido como agente ativo na construção do imaginário audiovisual contemporâneo.

O Globo de Ouro como vitrine de soft power cultural

Se isso importa “para além do cinema”, é porque premiações desse porte funcionam como vitrine de soft power: exportam repertório cultural, ampliam interesse por obras nacionais e reposicionam a percepção de um país no imaginário midiático. O Ministério da Cultura, inclusive, tratou a conquista nessa chave de projeção cultural.

Na prática, isso se traduz em mais do que prestígio: aumenta a chance de coproduções internacionais, fortalece negociações com distribuidores globais e amplia o espaço para talentos brasileiros em circuitos antes restritos.

Da notícia ao ecossistema de atenção

Também é um caso exemplar de como a atenção opera em ondas. A notícia nasce no entretenimento, mas rapidamente atravessa política cultural, imprensa, redes sociais e marketing — e, quando o assunto alcança o “grande público”, vira oportunidade de marca, de experiência e de conversa cotidiana.

É o que teóricos da comunicação chamam de “transbordamento de pauta”: um evento específico passa a gerar múltiplas narrativas paralelas, todas orbitando o mesmo núcleo simbólico.

A campanha da Elo e o marketing de contexto

Nesse sentido, a campanha da Elo com Wagner Moura é um recorte didático: a marca entrou na pauta no timing exato e surfou o pico de visibilidade do domingo, conectando a vitória à presença de uma empresa brasileira no mesmo palco simbólico. É marketing de contexto, com leitura de agenda e velocidade de execução.

Mais do que aproveitar o buzz, a marca conseguiu se posicionar como parte legítima da história, evitando a armadilha comum de parecer oportunista ou artificial.

Quando a repercussão vira experiência: o case da Cinesystem

A dinâmica fica ainda mais interessante quando a repercussão deixa de ser só “notícia” e vira ação no mundo físico. A Cinesystem transformou a vitória em experiência, com ingressos gratuitos para “Wagners” e “Klebers” por um período limitado — um gesto simples, altamente compartilhável e com cara de celebração nacional.

Esse tipo de ativação funciona porque traduz um acontecimento abstrato em gesto concreto, algo que pode ser vivido, fotografado, postado e comentado.

A lógica do gancho social

Há, aqui, uma aula de comunicação: quando a marca cria um mecanismo fácil de entender (nome + documento + bilheteria), ela produz um “gancho social” que se espalha organicamente. O público vira mídia, a mídia vira conversa, e a conversa vira tráfego e lembrança de marca.

É o mesmo princípio que sustenta campanhas virais: baixo esforço de participação, alta recompensa simbólica e forte senso de pertencimento coletivo.

O impacto para o audiovisual brasileiro

Para o audiovisual, o efeito é duplo. De um lado, abre portas para circulação internacional do filme e da carreira; de outro, fortalece a percepção de que o Brasil pode competir em categorias “principais”, sem ficar restrito à etiqueta de “cinema estrangeiro” como nicho.

Esse deslocamento simbólico é fundamental para a indústria, porque altera expectativas de investidores, distribuidores e plataformas de streaming em relação ao potencial comercial do cinema nacional.

A lição para quem trabalha com mídia e estratégia

E para quem trabalha com mídia e estratégia, fica a lição prática: prêmios são picos de atenção previsíveis. Eles permitem planejamento de presença, criação de conteúdo, ativações e parcerias — desde que a marca respeite o fato cultural e não tente sequestrá-lo. Quando há coerência, a associação é virtuosa.

Mais do que reagir, marcas maduras monitoram esse tipo de evento como parte do seu calendário estratégico de comunicação.

Cultura, mercado e plataformas em tempo real

O que a noite do Globo de Ouro revela, no fim, é que cultura, mercado e plataformas não são mundos separados. Eles se atravessam em tempo real. E quando um país ganha, o ecossistema inteiro ganha junto — do prestígio simbólico à economia da atenção.

No limite, o episódio mostra que disputar narrativas globais não é apenas uma questão estética, mas também econômica, política e estratégica.

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Filme Alerta Vermelho, num mundo de crimes internacionais, quando a Interpol emite o alerta vermelho, o melhor investigador do FBI, John Hartley (Dwayne Johnson) entra em cena para localizar e capturar um dos criminosos mais procurados do mundo, “O Bispo” (Gal Gadot), a ladra mais bem sucedida em roubos de obras de arte do mundo inteiro e a mais procurada também. Para isso, Hartley precisará se unir com o pior dos piores, Nolan Booth (Ryan Reynolds), para se colocar em um ousado plano de assalto para capturar O Bispo.

Esta grande aventura vai levar o trio ao redor do mundo, desde selvas até pistas de dança e prisão isolada, mas para isso terão que aguentar o pior de tudo constantemente um na companhia do outro. Mas quando se junta um investigador e dois ladrões tudo pode acontecer.

12 de novembro de 2021 na Netflix / 1h 58min / Ação, Aventura, Policial
Direção: Rawson Marshall Thurber
Roteiro Rawson Marshall Thurber
Elenco: Dwayne Johnson, Ryan Reynolds, Gal Gadot
Título original Red Notice

A Interpol emite o seu famoso “alerta vermelho”, pedido global de captura de criminosos que representam um perigo global. É a hora do melhor investigador do FBI entrar em cena. E ele vai se unir a um golpista para pegar uma famosa ladra de obras de arte.

Filme Alerta Vermelho

Apontada como a mais cara produção da história da Netflix, Alerta Vermelho contou com um orçamento de quase US$ 200 milhões. Tudo o que arriscou em números, no entanto, se mostra contido no que diz respeito ao elenco e à trama.

Afinal, os produtores Beau Flynn, Dany e Hiram Garcia, Rawson Marshall Thurber e Dwayne Johnson – que estiveram juntos em muitos sucessos do astro, como Arranha-Céu: Coragem Sem Limites (2018).

Se garantiram ao escolher como protagonistas três figuras emblemáticas enquanto ícones, mais importantes do que eventuais tipos que se veem obrigados a defender, como também se seguraram em os colocar em meio a uma história absolutamente genérica, que mais se assemelha a uma mal engendrada colcha de retalhos feita de recortes aleatórios presentes em qualquer cartilha do gênero.

É tudo tão superlativo e exagerado que somente aqueles mais mal-humorados não se deixarão levar por tamanha bobagem.

O segredo, portanto, é fazer como os que estão em frente (e atrás) das câmeras, e não se levar a sério. Enfim, procurar rir e se divertir tanto quanto eles.

Ao invés de Johnson, Ryan Reynolds e Gal Gadot, que uma coisa fique clara ao espectador: em Alerta Vermelho, a ação é conduzida por Hobbs, Deadpool e Mulher-Maravilha.

John Hartley, Nolan Booth e O Bispo são apenas nomes genéricos que lhes são atribuídos, desprovidos de consistência ou lógica – assim como o enredo no qual se veem envolvidos.

Filme Alerta Vermelho

Afinal, o primeiro nada mais é do que uma muralha ambulante (chega a ser chamado assim por um colega), um policial obrigado a atuar no outro lado da lei temporariamente, tal qual visto em sua participação na saga Velozes e Furiosos.

O segundo, por outro lado, conquistou um espaço cativo em Hollywood como o herói de boca rápida e gestos mirabolantes, mais preocupado com a quantidade de piadas capaz de disparar a cada minuto do que com o resultado de suas atitudes, assim como o desbocado mutante da Marvel.

E ela, por fim, imprime a cada aparição a mesma imponência e segurança percebidos em abundância na heroína da DC. Ou seja, não há preocupação alguma em criar algo. Seguem por trilhas seguras, já muito exploradas, aqui recicladas sem muita inspiração ou vontade.

O fiapo de história que os une é explicado logo no prólogo, antes mesmo de qualquer movimento: Marco Antônio teria presenteado Cleópatra, no Egito antigo, com três preciosos ovos de ouro.

Com a morte dos dois, essas relíquias se extraviaram, e atualmente sabe-se apenas o paradeiro de duas delas. Booth e o misterioso O Bispo são dois dos maiores ladrões de arte do mundo, e ambos querem colocar as mãos no trio – para isso, precisam não apenas roubar os dois muito bem resguardados, como também descobrir onde está o terceiro.

E mais: terão no encalço Hartley, um agente do FBI obstinado em colocar ambos atrás das grades. O problema é que os machos-alfa se veem vítimas de uma armadilha da fêmea fatal, e não apenas acabam trancafiados em uma prisão russa de segurança máxima, como o policial tem sua identidade posta sob suspeita e, consequentemente, suas credenciais são suspensas.

Uma vez o cenário armado, cada um terá um objetivo a ser cumprido. Uma missão que nem sempre será explícita do início ao fim, afinal, reviravoltas, quanto mais inesperadas melhor, também fazem parte do cardápio.

Filme Alerta Vermelho

Marshall Thurber começou como cineasta conduzindo comédias tolas, como Com a Bola Toda (2004) – com Ben Stiller e Vince Vaughn, sobre um campeonato de… queimada! – e Família do Bagulho (2013) – com Jason Sudeikis e Jennifer Aniston numa espécie de Férias Frustradas com maconha. Sua trajetória começou a mudar ao cruzar pelo caminho de The Rock em Um Espião e Meio (2016), e desde então não mais se desgrudaram.

Alerta Vermelho é o filho mais planejado desse casamento, fruto de uma engenharia genética bastante precisa, cujos cálculos foram vistos e revistos até os mínimos detalhes.

Contas essas que levaram mais em conta como agradar ao maior número possível de membros da audiência, atendendo aos mais diversos espectros de linguagem, conexão e sintonia, e deixando de lado qualquer preocupação artística ou cultural.

É entretenimento puro, sem almejar nada além do momento pontual no qual se desenrola. Enquanto dura, até se ocupa em envolver as atenções com explosões, tiroteios, viagens a lugares paradisíacos e uma dinâmica inquieta, pronta a redirecionar seu foco a cada instante.

Porém, assim que os créditos finais se anunciam, tão rápido quanto se instaurou também se dissipa, deixando para trás uma sensação fugidia de passatempo irrelevante, ainda que um tanto ingênuo. Pois, com intenções tão declaradas, difícil é acusar o resultado de não ser, ao menos, honesto.

Esse imbróglio de ladrões espertos e golpes confusos consegue, ao menos, aquilo a que se propõe, por mais momentânea que seja a sensação alcançada.

Filme Alerta Vermelho

Se Johnson e Reynolds recebem maior destaque, é pela forte química que revelam entre si, num bem orquestrado caso de bromance que tem tudo para ser melhor explorado em oportunidades futuras – dentro e fora dessa nova franquia.

Sim, pois Alerta Vermelho deixa clara sua condição de porta de entrada a um universo no qual esses três ainda terão muito o que desvendar – e compartilhar – juntos.

Assim, fazem bem em deixar Gadot numa posição idealizada, tanto sua figura dramática como a presença da atriz, que não a exige além do seu limite, e também potencializa cada entrada sua em cena.

De Indiana Jones a James Bond, estão para o que der vier, dançando conforme a música, sem se importar com o tom farsesco ao qual se veem submetidos.

Quando finalmente próximos do tesouro tão cobiçado, no meio de tantas possibilidades, um deles pergunta: “como encontrar o que estamos procurando?”.

Como resposta, ouve do outro: “é só procurar pela caixa com a etiqueta que diz MacGuffin”. Para quem não sabe, qualquer manual de roteiro explica que “MacGuffin é um dispositivo de enredo, ou seja, um objeto ou objetivo que o protagonista persegue, muitas vezes com pouca ou nenhuma explicação narrativa”.

Ou seja, algo inserido não pela sua relevância, mas pela condição que assume para que a história se desenvolva. Um fim que justifique os meios. Tal qual o que tão bem se percebe por aqui.

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Filme Homem-Aranha Sem Volta para Casa, Peter Parker (Tom Holland) precisará lidar com as consequências da sua identidade como o herói mais querido do mundo após ter sido revelada pela reportagem do Clarim Diário, com uma gravação feita por Mysterio (Jake Gyllenhaal) no filme anterior.

Incapaz de separar sua vida normal das aventuras de ser um super-herói, além de ter sua reputação arruinada por acharem que foi ele quem matou Mysterio e pondo em risco seus entes mais queridos, Parker pede ao Doutor Estranho (Benedict Cumberbatch) para que todos esqueçam sua verdadeira identidade.

Entretanto, o feitiço não sai como planejado e a situação torna-se ainda mais perigosa quando vilões de outras versões de Homem-Aranha de outro universos acabam indo para seu mundo.

Agora, Peter não só deter vilões de suas outras versões e fazer com que eles voltem para seu universo original, mas também aprender que, com grandes poderes vem grandes responsabilidades como herói.

16 de dezembro de 2021 No cinema / 2h 29min / Ação, Aventura, Fantasia
Direção: Jon Watts
Roteiro Chris McKenna, Erik Sommers
Elenco: Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch
Título original Spider-Man: No Way Home

Filme Homem-Aranha Sem Volta Para Casa pela primeira vez, o Homem-Aranha é desmascarado, o que não o deixa separar a vida pessoal da atuação como um dos maiores super-heróis do mundo.

Peter Parker pede ajuda ao Doutor Estranho, mas os efeitos de mexer com as lógicas do multiverso podem ser catastróficos. As coisas complicam e muito com a chegada de vilões do multiverso.

Crítica e Sinopse – Filme Homem-Aranha Sem Volta Para Casa

O mundo de Peter Parker (Tom Holland) vira um verdadeiro caos depois da revelação de que ele é o adolescente por trás da máscara do Homem-Aranha. E boa parte do primeiro terço de Homem-Aranha Sem Volta Para Casa é a construção desse pandemônio que faz do praticamente menino a pessoa mais famosa do planeta.

Some isso à fake news de que Peter foi responsável pela morte de um super-herói (que era um vilão) em Homem-Aranha: Longe de Casa (2019) e temos duas questões a ser resolvidas imediatamente:

1) o protagonista não passa mais incógnito no uniforme aracnídeo;

2) uma parcela da população acredita que ele é um assassino frio e calculista. No entanto, depois de Peter recorrer ao Doutor Estranho (Benedict Cumberbatch) para apagar da cabeça das pessoas quem ele é, o roteiro deixa para lá essas duas questões que pareciam ser de suma importância. Simples assim.

Com a abertura dos portões do multiverso e a chegada dos vilões de outras realidades, a identidade revelada e a mentira desaparecem da trama, assim podendo ser compreendidas mais como gatilhos do que necessariamente como algo que precisaria ser resolvido para a felicidade no encerramento.

Mesmo assim, é bem-sucedida a transformação de uma lógica de mercado (no caso o reboot) em algo orgânico dentro da próxima tendência dos filmes de super-heróis: múltiplas realidades.

Durante meses a Marvel e a Sony utilizaram as suas potentes máquinas de propaganda para transformar Homem-Aranha Sem Volta Para Casa no filme-evento de 2021.

Ele foi preparado midiaticamente por boatos e teorias habilmente instigadas/amplificadas em ativações, trailers, supostos vazamentos depois desmentidos, com membros do elenco se fazendo de desentendidos quando questionados se estariam ou não nessa montanha russa de vilões, universos paralelos e mocinhos.

E deu certo, haja vista a expectativa fervilhante nas redes sociais. Tudo foi tão mastigado e sugerido na campanha que a trama possui poucas surpresas daquelas de deixar ouriçados os fãs no cinema. Provavelmente, boa parte do que você imagina (e foi levado a crer) está mesmo na terceira aventura de Tom Holland como o Amigão da Vizinhança. Mas, a surpresa não é a questão.

Filme Homem-Aranha Sem Volta Para Casa

A falta delas não depõe contra o resultado, sobretudo porque o cineasta Joh Watts sabe trabalhar a expectativa em outros níveis e camadas, assim não ficando refém de fulano ou beltrano “inesperadamente” surgindo para salvar o dia – na verdade apenas um personagem do universo Marvel aparece de modo totalmente inusitado.

No mais, estamos diante de uma jornada que faz jus a essa figura fascinante em cujos ombros imaturos é colocado o peso da proteção e do bem-estar de Nova Iorque.

A ação funciona bem, mas são os instantes dramáticos que transformam o filme num êxito, mesmo que tenha de respeitar certos protocolos comerciais.

Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa é um filme de amor. Amor de Peter por MJ (Zendaya), dele pelo melhor amigo Ned (Jacob Batalon) e pela tia May (Marisa Tomei).

Mas é também sobre a defesa, custe o que custar, do conceito da segunda chance. Num mundo em que tantos desacreditam que um criminoso possa se arrepender e regenerar a sua relação com a sociedade, é um alento uma superprodução abraçar tão vigorosamente a ideia de que não importa o sacrifício que tenha de ser feito para isto, mas as pessoas merecem uma segunda chance.

Essa posição moralmente forte é zombada pelos inimigos como o ponto fraco de Peter, mas ela é justamente a sua força, algo que o credencia a merecer os poderes recebidos aleatoriamente de uma aranha radioativa.

E que bom que em meio à pirotecnia desenfreada o cineasta Jon Watts dê atenção às questões humanas, se demorando em cenas pautadas por reflexões acerca de amizade, da dor de perder alguém, da necessidade de estar cercado de gente querida para que o mundo seja um lugar menos feio.

E Tom Holland mostra ter plena capacidade para segurar essa demanda dramática de um Peter Parker que ainda tem muito a aprender, mas que carrega dentro de si a noção absolutamente heroica do “nada substituiu o bom e velho fazer o certo”. E o filme enfatiza essas noções muito bem, se conectando à essência do Homem-Aranha.

Talvez o principal ponto frágil de Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa seja a rapidez com que Peter encarcera vilões poderosos e, adiante, como a presença deles serve de desculpa ao desenho do amadurecimento do protagonista.

Filme Homem-Aranha Sem Volta Para Casa

As boas cenas de ação às vezes descambam em resoluções apressadas, especialmente tendo em vista a importância dos maléficos que resolvem aparecer no mundo do Aranha. Alfred Molina como Doutor Octopus e Willem Dafoe voltando ao Duende Verde roubam a cena, reafirmando que são intérpretes capazes de recalibrar personagens planos com nuances capazes de os tornar grandiosos.

Uma pena que no meio de tanta a coisa a ser resolvida, Jon Watts não tenha se aprofundado na inversão de valores que, lá pelas tantas, transforma um vilão clássico num aliado de ocasião, valiosíssimo na luta contra o caos do multiverso.

Aliás, há um aceno do realizador à obra-prima O Silêncio dos Inocentes (1991), quando Octopus se comporta brevemente como o (também doutor) Hannibal Lecter, o igualmente encarcerado que ajuda o herói a “entrar na cabeça” do alvo à solta.

Essa dinâmica poderia ter rendido bem mais frutos, evidentemente, mas já é uma proeza que a piscadela resista no corte final, diante dos tantos personagens e demandas a serem contemplados. O roteiro a cargo de Chris McKenna e Erik Sommers consegue reunir tudo em torno das ideias.

E o filme não seria tão intenso do ponto de vista dramático sem as participações elementares de Tobey Maguire e Andrew Garfield. Não chega a ser uma surpresa o fato deles estarem no filme (era algo quase óbvio depois de tanto burburinho), mas seus heróis realmente funcionam como desdobramentos de Peter durante a sua trajetória de renúncias a coisas/relações que lhe são muito caras. Tudo em prol da defesa heroica da tal segunda chance.

Filme Homem-Aranha Sem Volta Para Casa

É difícil conter as lágrimas num par de cenas, sobretudo naquelas em que o sofrimento do Peter de Holland é evidentemente reconhecido pelos Peter de Maguire e Garfield. Aliás, é muito bom (e corajoso) que Watts não crie uma ocasião apoteótica para introduzir ambos, preferindo fazer isso numa cena banal e quase anticlimática.

Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa tem inúmeros fanservice – introdução de elementos visando fisgar um público cativo de antemão –, mas até mesmo eles são utilizados com perspicácia e inteligência.

A frase clássica “com grandes poderes vêm grandes responsabilidades” ganha uma conotação sentimental muito poderosa e, ao mesmo tempo, une afetivamente os Homens-Aranhas de mundos completamente diferentes.

E ao menos um ato heroico do Peter de Garfield ressoa na perda de seu passado. Sacada lindíssima. Enfim, o bom é que uma das máquinas de marketing mais poderosas de Hollywood dessa vez está a serviço de algo que une múltiplos elementos, cumpre o compromisso com a ação, mas é fundamentalmente sobre laços humanos e a segunda chance negada por um mundo mesquinho que precisa do Homem-Aranha.

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O ator William Wedell foi encontrado morto nesta segunda-feira, 01, ao lado do cadáver da mãe, Agnes Wedell. Ele tinha 64 anos e ela 95. Os dois estavam no apartamento em que moravam na cidade de Nova Iorque, nos Estados Unidos.

De acordo com o jornal New York Post, a polícia acredita que Agnes morreu primeiro, há alguns dias, e somente depois William.

A existência de embalagens de produtos aromatizantes e purificadores de ar levantou a suspeita de que o ator preparou a cena para evitar a disseminação de maus odores resultantes da decomposição dos corpos. Julianna Wedell, de 61 anos, afirmou ao mesmo jornal que seu irmão e sua mãe tinham uma rotina tranquila, praticamente antissocial. Ela chamou a polícia depois que William parou de atender seus telefonemas.

Na última vez que falei com o meu irmão, ele disse que a nossa mãe estava dormindo mais e comendo cada vez menos. Sua saúde tinha piorado um pouco.

Ela pode ter morrido por causa da idade, naturalmente. Mas não sabemos o que aconteceu com ele. Ele pode ter tido um ataque cardíaco por causa do choque, mas não sabemos”, disse Julianna.

Entre os trabalhos de mais destaque do ator estão participações pequenas em Crimes e Pecados (1989) e Atraídos pelo Destino (1994).

Ainda de acordo com as autoridades de Nova Iorque, é quase descartada a possibilidade de crime e há a suspeita de que a morte de ambos pode ter acontecido por conta de complicações decorrentes da Covid-19.

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Filme XXX 2 Estado de Emergência, o Presidente dos Estados Unidos está sob a ameaça de um atentado à sua vida, organizado por um grupo de dissidentes radicais engajados no próprio governo do país.

Após sobreviver a um atentado ao quartel-general da Agência de Segurança Nacional, Augustus Gibbons (Samuel L. Jackson) precisa novamente encontrar um pária que possa ajudá-lo.

O escolhido é Darius Stone (Ice Cube), um condecorado soldado de Operações Especiais que está atualmente em uma prisão militar, sob pesada vigilância.

Após ser solto, o novo agente Triplo X precisa se infiltrar para identificar os rebeldes, sendo esta a única chance de se evitar que o país sofra um golpe de estado.

• Lançamento: 29 de abril de 2005 No cinema / 1h 41min / Espionagem, Ação, Aventura
• Direção: Lee Tamahori
• Roteiro: Simon Kinberg, Rich Wilkes
• Elenco: Ice Cube, Michael Roof, Scott Speedman
• Título original: xXx 2: State of the Union

Crítica e Sinopse – Filme XXX 2 Estado de Emergência

Não que xXx (2002) seja um grande acerto, mas xXx 2: Estado de Emergência consegue a façanha de ser simultaneamente melhor dirigido e, ainda assim, menos interessante.

Repleto de cenas de ação que se tornam gradualmente mais absurdas conforme a duração avança para o desfecho, o filme acaba esquecendo de criar um contraponto de contraste, ou seja, como nada na trama é realmente plausível, acaba que as boas e inusitadas ideias do projeto, como a troca de tiros entre dois tanques de guerra, chegam a um espectador que já se encontra anestesiado.

Ambientado logo após o último longa, o roteiro, o primeiro escrito para o cinema pelo irregular Simon Kinberg (do ótimo X-Men: Dias de um Futuro Esquecido, 2014, e do péssimo Quarteto Fantástico, 2015), acompanha os esforços do agente Gibbons (Samuel L. Jackson), líder de uma força tarefa secreta dos EUA, para encontrar um novo homem para o cargo de agente xXx – que seria um equivalente ao 007 estadunidense.

Uma vez que a base da operação é atacada, Gibbons precisa recrutar o rebelde Darius Stone (Ice Cube) para descobrir quem está por trás de um plano para desestabilizar o governo dos Estados Unidos.

Não demora, porém, para que descubram que tudo deságua no Secretário de Defesa do país, o General Deckert (Willem Dafoe).

Logo, a principal virtude de xXx 2 reside nesse trio de atores, que abraçam a canastrice do projeto e o ajudam a soar, veja só, menos absurdo.

E se Jackson já se tornou especialista em viver tipos caricatos com a seriedade correta para fazê-los sempre soarem ameaçadores, Ice Cube se revela menos um herói de ação do que um competente ator cômico – e seu passado no grupo N.W.A. (Niggers With Attitude) não é esquecido, com Kinberg permitindo que o personagem critique o abuso de violência policial e o racismo velado das instituições, o que é um tópico surpreendente de se ver surgindo entre o bote que pousa sobre um carro, explodindo-o, e o helicóptero que surge milagrosamente para resgatar um personagem pulando entre dois prédios.

Mas é Willem Dafoe quem mais se diverte com seu papel. Vivendo o vilão de forma contida a ponto de fazer falas como “acidentes podem acontecer com qualquer um” soarem realmente ameaçadoras, o ator e sua habitual frieza fazem um bom contraponto ao protagonista, que apesar das carrancas, jamais consegue deixar de soar carismático.

Ainda assim, é inegável que tanto heróis quanto algozes parecem estúpidos com seus elaborados planos que nem eles mesmos parecem levar a sério.

Deckert, por exemplo, decide atirar em um refém só depois que ele sai de seu alcance, mesmo que antes tivesse passado vários minutos sob sua mira.

Já Darius falha em reconhecer uma armadilha óbvia, enquanto as próprias agências de inteligência do governo desentendem a sua principal função e guardam diversas informações sigilosas em um único HD que pode ser acessado somente por uma pessoa.

Mas talvez isso seja exigir demais de um filme em que um carro sem pneus consegue se engatar num trilho e perseguir um trem-bala.

Afinal, é sobre isso que xXx 2 é: um amontoado implausível de situações que, por não terem um comparativo, ou seja, um ou outro momento mais pé no chão, acaba soando aborrecido por jamais abrir para um respiro.

E quando os heróis enxergam como um bom plano para entrar no Capitólio, em Washington, explodir com um tanque uma das paredes, ao invés de usarem a porta, nem sequer sorrimos com o divertido absurdo, mas apenas bocejamos com a mais nova invencionice do projeto.

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Filme Um Casal Inseparável, Manuela (Nathalia Dill) é uma determinada professora e musa de vôlei de praia que sempre está pronta para defender seus ideais.

Ela nunca pautou sua felicidade a um relacionamento e nunca planejou se casar. Porém, um dia, inesperadamente conhece o romântico Léo (Marcos Veras), um pediatra bem-sucedido, e se apaixona, mas circunstâncias da vida os separam. 

Em meio a brigas e saudades, e com a ajuda da manipuladora Esther (Totia Meireles), mãe de Manuela, os dois vão descobrir se são mesmo inseparáveis.

• Lançamento: 9 de setembro de 2021 No cinema / Comédia, Romance
• Direção: Sérgio Goldenberg
• Roteiro: George Moura, Sérgio Goldenberg
• Elenco: Nathalia Dill, Marcos Veras, Totia Meirelles

Nathalia Dill estrela filme ‘Um Casal Inseparável’ ao lado de Marcos Veras: ”Muito orgulho”

Atriz Nathalia Dill divulga cartaz de seu novo filme ao lado de Marcos Veras, ‘Um Casal Inseparável’, e apresenta sua personagem na produção.

Os artistas vivem par romântico no filme Um Casal Inseparável, de Sérgio Goldenberg com roteiro dele e de George Moura, que chega aos cinemas no dia 09 de setembro.

Em seu perfil no Instagram, na quarta-feira, 18, a atriz divulgou o cartaz da produção e contou um pouco sobre sua personagem Manuela.

“Ahhhhh tava louca pra contar logo essa novidade! Temos data! Dia 09/09. Nosso filme chega nos cinemas. Uma honra fazer um filme de Sérgio Goldenberg com roteiro do Sério Goldenberg e George Moura.

O cartaz oficial ficou muito legal! Fiquem a vontade pra repassar, divulgar, repostar! Muito orgulho desse trabalho e de estar com essa equipe gênia. Vem aí”, escreveu a artista na legenda.

“O nome dela é Manuela! Uma jogadora de vôlei, que dá o sangue por qualquer jogada! É justa e guerreia dentro e fora de quadra! Vem Manu! O cinema te chama!”, contou sobre seu papel no filme em outro post.

Veras também comentou sobre o trabalho nos cinemas. “Que felicidade lançar um trabalho inédito, feito com muito amor antes de todo o caos”, disse o marido de Rosanne Mulholland (40).

“No filme eu faço o pediatra Léo. Um cara romântico, apaixonado, que vê o lado bom da vida. Tipo eu. Com a diferença de que não sou pediatra. E no caminho dele, Manu”, falou ainda sobre seu personagem.

Crítica e Sinopse – Filme Um Casal Inseparável

Um Casal Inseparável se insere no conhecido filão das comédias românticas sobre opostos/improváveis que se atraem. Léo (Marcos Veras) é um pediatra certinho e sensato, enquanto Manuela (Nathalia Dill) é a impulsiva que não mede palavras para demonstrar contrariedade.

Eles teriam poucos motivos para ficar juntos, pois parecem habitar planetas incompatíveis. Porém, o chavão dita que é justamente por conta das diferenças que os dois funcionam como casal.

No entanto, curiosamente, suas personalidades dissonantes pouco importam no andamento do longa dirigido por Sérgio Goldenberg.

O fato do homem ser sereno e da mulher ser geniosa não é explorado, por exemplo, para defender a ideia de que a soma das diferenças é mais produtiva do que a multiplicação das semelhanças.

Nem a rotina compartilhada é articulada tendo em vista os encaixes cotidianos de concepções divergentes.

Tais oposições servem somente para desequilibrar o jogo do amor a partir de representações carregadas de estereótipos frequentemente atrelados ao feminino, principalmente o da irritação/nervosismo predominante quando as mulheres não estão num relacionamento.

Muito do que acontece ou deixa de acontecer é resultado do comportamento de Manuela. Léo se restringe a reagir, no mais das vezes sendo visto como rapaz de ouro, daqueles que toda sogra deseja ter como genro.

Marcos Veras e Nathalia Dill desempenham com eficiência os papeis que lhe cabem. O ator transita entre a ternura – enfatizada na atenção aos pacientes – e algumas boas sacadas que fazem valer o seu talento cômico.

Já a atriz incorpora a intensidade de sua personagem, conseguindo mantê-la crível e marcada por certas características.

O grande calcanhar de Aquiles de Um Casal Inseparável é a concepção dessas figuras e, sobretudo, a forma como elas respondem a acontecimentos e oscilações amorosas.

Os roteiristas Sérgio Goldenberg, George Moura e Laura Rissin colocam nas costas de Manuela um peso excessivo. Primeiro, a fazem ser o elo de temperamento forte, conhecida até entre os guardadores de carro como brava e de trato difícil.

Segundo, a idealizam como alguém propensa a tomar atitudes impulsivas (do tipo decidir o futuro do namorado sem esperar que ele pondere o melhor para a sua carreira).

Terceiro, a pintam como uma pessoa quase incapaz de compreender e escutar o namorado – a julgar pela reação depois da ausência no jantar da família e, adiante, pela decisão ocasionada por um ciúme que supostamente a “autoriza” a invadir privacidades.

Já Léo apenas expressa interesse por uma colega, faz meia dúzia de comentários sobre isso, mas em nenhum momento sugere que colocaria o relacionamento em risco. Há uma assimetria entre esses dois.

Outro elemento que compromete a adesão e a identificação com Um Casal Inseparável é a praticamente onipresença da trilha sonora.

Nas comédias brasileiras recentes, sobretudo nas orientadas por projeções de bons desempenhos comerciais, parece ter se transformado numa obrigatoriedade a ilustração incessante das cenas com canções conhecidas ou interlúdios genéricos.

Mesmo nos instantes de transição, como quando alguém vai ao supermercado ou está se deslocando à praia, surge uma baladinha como moldura. Praticamente não há silêncios no filme. As cenas são quase completamente pontuadas por essa lógica repetitiva.

Podemos supor que a fonte disso é uma preocupação com a atenção do espectador, especialmente quando não há falas.

O cineasta Sérgio Goldenberg aparentemente não tem confiança de que a composição das imagens e a encenação sustentem o interesse da plateia.

Por isso, insere vinhetas sonoras como estratégia para “manter o dinamismo”, mesmo que a música seja dispensável para o desenvolvimento da trama ou à revelação de algum aspecto dos personagens.

Em meio a esses ruídos que enfraquecem o filme, inclusive como inofensiva reprodução de convenções sobre desventuras amorosas, há figuras que emprestam seus talentos para tornar tudo menos genérico. Vide Stepan Nercessian e Totia Meireles, responsáveis por bons alívios cômicos.

Outro ponto curioso sobre Um Casal Inseparável é o cenário. De uns anos para cá, a produção audiovisual brasileira notadamente comercial acumulou retratos da classe média que frequenta as salas de cinema, estes ambientes vedados às classes populares.

Os protagonistas do filme moram/trabalham/convivem numa área nobre zona sul do Rio de Janeiro. Não tendo problemas financeiros, eles são representações de um universo social habitado por quem ainda tem poder aquisitivo para pegar um cineminha de vez em quando.

Dentro desse contexto, os impeditivos para o relacionamento de Léo e Manuela são simples e puramente íntimos. E, novamente, depende bem mais dela do que dele para as coisas voltarem aos eixos.

Na seara do desequilíbrio em meio à reprodução de velhas convenções sobre os papeis/comportamentos masculinos e femininos – por mais que a comunicação entre as naturezas ativa dela e passiva dele sinalize justamente o contrário –, a sogra vivida por Totia Meireles chega a ser inconveniente e alheia às vontades dos outros, enquanto o marido vivido por Stepan Nercessian é um sujeito do tipo pacato/respeitador/reativo.

E isso fica claro no mal súbito (uma finge doença para conseguir o que deseja, enquanto o outro realmente passa mal).

O acúmulo dessas concepções desgastadas, num percurso cheio de cartas marcadas, é grande parte responsável pelo gosto de comida requentada que a comédia romântica oferece ao nosso paladar cansado dos mesmos temperos.

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Filme After 3 Depois do Desencontro, embora a história de amor entre Tessa Young (Josephine Langford) e Hardin Scott (Hero Fiennes-Tiffin) tenha passado por muitas complicações, desta vez o problema é mais complexo do que nunca.

Agora que Tessa tomou uma das decisões mais importantes de sua vida, tudo mudou completamente.

Os segredos que vêm à tona sobre suas famílias colocam em risco seu relacionamento e seu futuro juntos.

Embora a jovem saiba que Hardin a ama, os dois estão cercados de ciúme, ódio e perdão. Será que o amor entre os dois será o suficiente para manter seu relacionamento?

• Lançamento: 2 de setembro de 2021 No cinema / 1h 39min / Drama, Romance, Erótico
• Direção: Castille Landon
• Roteiro: Anna Todd
• Elenco: Josephine Langford, Hero Fiennes Tiffin, Louise Lombard
• Título original: After We Fell

Sinopse e Crítica – Filme After 3 Depois do Desencontro

Em comparação com relacionamentos realistas, os conflitos de After: Depois do Desencontro (2021) soam insignificantes. Hardin (Hero Fiennes Tiffin) recebe a proposta de ocupar qualquer cargo desejado dentro de uma grande empresa, mas recusa a oferta porque não gostaria de se mudar para a cidade próxima.

Ele tem um pesadelo onde a namorada Tessa (Josephine Langford) o trai, e depois disso, passa a ter acessos de raiva – embora o caso tenha se limitado, veja bem, a um sonho.

O rapaz descobre um diário convenientemente deixado no apartamento, em uma caixa aberta, e se depara com a página onde a palavra “dor” está destacada – sinal de a moça sofreu nas mãos do menino rebelde.

Nova crise pessoal. Tessa se muda para uma cidade a duas horas de distância, então o casal pena para manter o relacionamento, embora tenha tempo livre, carros para fazer a viagem, dinheiro para encher o tanque, e mansões onde ficar caso efetue o trajeto.

Os dois lamentam sua triste sina a bordo de um iate luxuoso, numa cabana isolada com uma jacuzzi, e em festas chiques com tudo pago.

A protagonista parte para Seattle no intuito de trabalhar e estudar, embora nunca a vejamos trabalhando, nem estudando.

Hardin tampouco trabalha, estuda ou possui outras ocupações. O mesmo vale para os chefes deles, para os familiares e amigos.

Filme After 3 Depois do Desencontro – O romance transmite uma curiosa visão desta burguesia privilegiada e egocêntrica, preocupada apenas consigo e com seus amores. Ele me ama? Sempre me amou? Vai continuar me amando, se eu estiver na cidade vizinha? Poderá amar outra? O amor vai durar?

O terceiro filme da saga adolescente constitui uma versão pós-moderna dos contos de fada, onde os objetivos da princesa estão direcionados somente à descoberta e manutenção do príncipe.

Os castelos foram convertidos em mansões, e os cavalos, em carros de luxo. Ninguém tem contas para pagar, louça para lavar, vizinhos barulhentos – o mundo ao redor foi descartado por esta concepção idealizada do romance.

Sem a preocupação de apresentar os personagens, descritos nas duas produções anteriores, e impedida de encerrar a trama (visto que os produtores pretendem lançar novas sequências), a diretora Castille Landon se contenta em cozinhar os heróis em banho-maria, orquestrando motivos artificiais para afastá-los e reuni-los, entre pequenas brigas e modestas declarações de amor.

Nem os atores parecem acreditar nas dificuldades de seus personagens: Josephine Langford atinge um nível de apatia inexistente nas produções anteriores, como se tivesse entrado de fato no piloto automático.

Já Hero Fiennes Tiffin espreme os olhos, contorce a boca e investe na imagem do pobre homem branco, cis e heterossexual, vítima das pressões da sociedade contemporânea.

After: Depois do Desencontro preserva o traço principal da franquia: a imagem envergonhada do sexo.

Na tentativa de cruzar a sensualidade (modesta, diga-se de passagem) de Cinquenta Tons de Cinza com o romance de Crepúsculo, os criadores chegaram a esta narrativa onde os jovens amantes finalmente têm relações, contanto que a câmera efetue malabarismos para esconder a nudez e torná-la palatável ao público conservador.

No Filme After 3 Depois do Desencontro o sexo atrai público e vende ingressos, em contrapartida, carrega a aparência de imoralidade, precisando ser contido, rápido e limpinho.

Por isso, os apaixonados transam com roupa, em posições convencionais, durante cenas curtas onde a música pop aumenta o volume para cobrir os gemidos e ambos chegam ao orgasmo ao mesmo tempo – mas não se sujam, não transpiram, não bagunçam os cabelos.

A diretora oferece planos de detalhe da mão apertando os lençóis, os dedos do pé se contraindo e os lábios mordidos, mas nada além destes indícios padronizados, para que Tessa permaneça uma garota de respeito.

Os homens colocam a camisinha, porém nunca a retiram depois. Existe certo asco dos fluidos, do cheiro, da textura, da secreção dos corpos, reflexo de um moralismo risível a ponto de, durante a masturbação ao telefone, proibir Tessa e Hero de dizerem uma única frase provocadora um ao outro.

Eles gemem baixinho, e a montagem logo corta para o dia seguinte. O principal legado da saga será o fato de nutrir pelo sexo tanta fascinação quanto medo, numa fetichização do tabu.

Em termos de roteiro, o resultado apresenta conveniências e fragilidades próximas do humor involuntário.

A invasão de Richard (Atanas Srebrev) no apartamento levanta algumas interrogações – ele deixa a porta apesar de ter a chave para fechá-la; há um bastão de beisebol apoiado na entrada -, a sequência de Tess no médico é tão apressada que talvez decorra de um erro de montagem (como se a pós-produção não tivesse material suficiente para trabalhar a cena inteira); e as tentativas de humor envolvendo Landon (Chance Perdomo) fracassam.

Embora a saga tenha optado por um cineasta diferente em cada filme, a mise en scène é tão asséptica que nenhum criador consegue ultrapassar a cartilha de relações sexuais castas, muitos close-ups, conflitos condicionados aos diálogos e trilha sonora ininterrupta, aproximando o filme de um longo videoclipe para bandas de indie pop.

A construção da trama é despersonalizada, desprovida de vigor ou ambições. Ao fim, paira a triste sensação de que ninguém apostava de foto neste trabalho de encomenda, espécie de filme obrigatório para cumprir contratos.

O episódio chega aos cinemas pós-pandemia, sofrendo com os números fracos da retomada, mas também com o enfraquecimento no imaginário popular das sagas pseudoeróticas e dos romances teen. Em outras palavras, o projeto tenta surfar numa onda que já passou.

Por fim, o filme pode ser lido enquanto romantização dos relacionamentos abusivos. Boa parte dos magros conflitos envolvendo Hardin e Tessa diz respeito ao ciúme doentio e o medo da traição: ela flerta com o garçom Robert (Carter Jenkins); ele faz ciúme ao conversar com uma amiga, e adiante, a namorada desliga o telefone ao ouvir uma voz feminina ao fundo.

O jovem teme que sua amada se encontre com um antigo amor em Seattle, ou que seus familiares façam sexo fora do casamento.

Rumo ao clímax, uma mulher adulta é repreendida aos gritos: “Você está transando no balcão da cozinha como uma vagabunda!”.

Filme After 3 Depois do Desencontro

Parte considerável destes romances tórridos se baseia na idealização da masculinidade tóxica, percebida como prova de amor.

Os homens de Cinquenta Tons (2015 – 2018), 365 Dias (2020) e Desejo Sombrio (2020) agem de maneira agressiva e controladora, no entanto os roteiros insistem que se trata do comportamento natural para um homem amoroso.

Em decorrência deste fator e do moralismo de Hardin, a obra resulta anacrônica e machista, coincidindo o controle do corpo feminino com uma demonstração de afeto.

Mesmo a sugestão de que ambos agem desta maneira porque estão apaixonados e excitados se confronta à apatia da direção, das atuações e dos conflitos.

O filme sugere uma história tórrida, porém o resultado em tela passa longe desta empolgação.

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Filme Cinderela 2021, na nova e ousada abordagem musical da história tradicional que o público conhece, Cinderela (Camila Cabello) é uma jovem ambiciosa cujos sonhos são maiores do que o seu mundo permite. Entretanto, com a ajuda de seu Fado Madrinho (Billy Porter) ela é capaz de perseverar e realizar seus sonhos.

• Lançamento 3 de setembro de 2021 na Amazon Prime Video / 1h 53min /
• Comédia Musical, Fantasia, Romance
• Direção: Kay Cannon
• Roteiro: Kay Cannon, Charles Perrault
• Elenco: Camila Cabello, Nicholas Galitzine, Idina Menzel
• Título original: Cinderella

Filme Cinderella 2021 com Camila Cabello, ganha trailer e data de estreia

Após ter a estreia nos cinemas cancelada devido à pandemia de covid-19, o filme será lançado na plataforma de streaming Amazon Prime Video. 

O tão aguardado trailer do filme Cinderela finalmente ganhou o primeiro trailer, além da data de estreia. Protagonizado por Camila Cabello, o longa está previsto para ser lançado em 3 de setembro.

Após ter sido cancelado nos cinemas devido à pandemia de covid-19, o lançamento será na plataforma de streaming Amazon Prime Video.

No elenco estão Idina Menzel, Pierce Brosnan, Minnie Driver, Missy Elliott. O ator Billy Porter, que irá interpretar a fada madrinha de Cinderela, também aparece com destaque no trailer.

A cantora não somente interpreta a personagem principal, como também marca presença na trilha sonora.

As gravações do filme ocorreram na Inglaterra e tiveram de ser paralisadas entre março e agosto de 2020, devido à pandemia. Em junho deste ano foi divulgado o primeiro teaser do filme. Na ocasião, Camilla escreveu que “esta foi uma das experiências mais mágicas” da vida dela.

Crítica e Sinopse – Cinderela 2021

Não é verdade que os contos de fada nunca envelhecem. Embora tenham apelo praticamente universal, eles carregam várias estruturas e elementos que dizem respeito à época de suas criações.

É comum que tudo gire em torno de um príncipe encantado em busca do amor; de donzelas esperando protetores galopando num cavalo branco; de sonhadores encontrando seu lugar no mundo.

Portanto, faz sentido que tais histórias sejam redesenhadas de acordo com as mudanças sociais.

Cinderela tem como fundamento apresentar alternativas contemporâneas à desgastada lenda da gata borralheira transformada em princesa por conta da magia da Fada Madrinha e do amor improvável.

Estrelado pela cantora Camila Cabello, o novo candidato a sucesso musical é influenciado por certa grandiloquência/colorida própria da tradição Disney.

Mesmo feito fora dos domínios da casa do Mickey, o filme reproduz procedimentos e componentes que remetem aos desenhos animados responsáveis por eternizar narrativas anteriores à existência do império de Walt Disney.

Não foi o estúdio norte-americano que criou tais lendas, mas ele soube como nenhum outro se apropriar de suas potencialidades para, por exemplo, transformar princesas numa marca registrada.

Aqui a assinatura é diferente, mas a abordagem é claramente semelhante/reverente, inclusive pela opção por um musical de contornos clássicos.

Filme Cinderela já começa com uma voz enfatizando que tudo vai se passar num reino antiquado.

O passeio inicial da câmera pela vila revela uma paisagem de cenários irrealistas, bem como uma bem-vinda diversidade humana.

Entre os plebeus é possível distinguir homens, mulheres, pessoas brancas, negras e de fenótipos relativamente variados.

Rapidamente se percebe que o conceito essencial é reler a trama consagrada e contada inúmeras vezes pelo viés progressista.

A plebeia Cinderela (Camila Cabello) vive no porão da casa de sua madrasta. A primeira curiosidade perceptível é que as irmãs postiças não são mesquinhas, se colocando mais no papel de ingênuas (tolas?).

A gata borralheira mora num cômodo amplo que em nada sugere desconforto, no máximo sendo rústico. Há um excesso de artificialismo nesse e em outros cenários que mais parecem desenhados para uma campanha publicitária, inclusive pelo efeito gerado.

Num comercial disposto a vender algo, dificilmente alguém é submetido a emoções negativas. Não é muito diferente do que acontece por aqui.

Mesmo quando Cinderela afirma estar sofrendo, preterida, sozinha e sem saída, a atmosfera saturada de cores e otimismo não deixa que tais sentimentos tenham alguma durabilidade A pegada postiça dominante sugere a felicidade.

Já os números musicais embalados por canções pop/rock conhecidas são burocráticos e insossos.

É interessante ver uma superprodução interessada em revisar estatutos sociais vigentes, para isso se valendo do conto de fadas que, como mencionado, está abarrotado de noções restritivas, tais como o patriarcado onipotente.

Aqui, Cinderela quer ter a própria loja; a princesa (segunda na linha sucessória) tem mais vocação do que o príncipe ao comando; a rainha demonstra desconforto pelo tamanho do ego do marido; a madrasta conta a história triste sobre como se tornou amarga por conta da asfixia de seus sonhos; há discussões sobre a necessidade de extrapolar as expectativas de papeis predeterminados. No quesito boa intenção, Cinderela é louvável.

Mas, ser bem intencionado não é suficiente para garantir relevância cinematográfica e tampouco a potência desses discursos propositivos.

Em vários momentos do longa-metragem, cresce a sensação de que, enquanto os enunciados reivindicam reconfigurações radicais naquela sociedade imperialista, o objetivo moderado é mudar as coisas para que elas permaneçam iguais.

O paradoxo é melhor identificado no personagem do príncipe Robert (Nicholas Galitzine), sujeito que transita abruptamente do “riquinho mimado” para o “jovem tentando se desvencilhar dos grilhões da tradição”.

Não há nuances na sua curva dramática que, como outras, é repleta de incongruências e inconsistências.

Ele é somente um dos elos frágeis do filme, inclusive porque, no fim das contas, suas decisões permitem o desfecho que subverte (será?) os padrões.

A produção parece mirar um mundo novo, mas não tem coragem de estimular os caminhos a serem percorridos rumo às transformações.

De longe, a melhor ideia colocada em prática é o Fado Madrinho vivido por Billy Porter, único negro com estatura para além do estereótipo da subalternidade.

Embora o citado passeio inicial da câmera pelo reino sugira diversidade, homens e mulheres de pele retinta são transformados em paisagem, quando muito destacados como o arauto encarregado de dar um divertido tom de rap aos anúncios reais.

As releituras de cenas clássicas do conto, como o baile em que a pretendente será escolhida, existem somente como estratégias para não perverter demais o original.

Mesmo que anuncie a vontade de se empoderar, a protagonista cai de amores repentinamente; o príncipe não é convincente com seus supostos dramas internos (parecendo um pós-adolescente mimado contrariando o pai); a princesa fica entre a sagacidade e a abelhudice; e as tensões são dissipadas com uma noção de “basta querer”.

Claro, o gênero contempla narrativas que tendem à idealização, à concretização de sonhos impossíveis.

Nesse sentido, Cinderela tem pessoas dizendo frequentemente que desejam a realidade diferente, mas os discursos não carregam potencial subversivo.

As intenções de revolução geram conciliações forçadas até para os parâmetros dos contos de fada. As crises são resolvidas com boa fé nesse entorno multicolorido e praticamente inofensivo.

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Filme Viúva Negra, acompanhamos a vida de Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) após os eventos de Guerra Civil.

Se escondendo do governo norte-americano devido a sua aliança com o time do Capitão América, Natasha ainda precisa confrontar partes de sua história quando surge uma conspiração perigosa ligada ao seu passado.

Perseguida por uma força que não irá parar até derrotá-la, ela terá que lidar com sua antiga vida de espiã, e também reencontrar membros de sua família que deixou para trás antes de se tornar parte dos Vingadores.

• Lançamento: 8 de julho de 2021 No cinema / 2h 14min / Ação, Espionagem, Aventura
• Direção: Cate Shortland
• Roteiro: Eric Pearson, Stan Lee
• Elenco: Scarlett Johansson, Florence Pugh, Rachel Weisz
• Título original: Black Widow

Crítica e Sinopse – Filme Viúva Negra

Primeira grande heroína do Universo Audiovisual Marvel (afinal, há um bom tempo não mais restrito às telas de cinema), Natasha Romanoff precisou penar como coadjuvante – e ver colegas recém-chegadas passarem na sua frente.

Agente Carter, Capitã Marvel, Vespa, Wanda Maximoff, Jessica Jones… várias ganharam filmes ou séries para chamarem de seus antes da agente russa.

Mas se essa demora pode ser apontada como uma questão de estratégia, o lamento se dá, por fim, ao se deparar com o tão aguardado Viúva Negra, longa que se apresenta somente quando a personagem já foi dada como morta (spoiler de Vingadores: Ultimato, 2019, conta?).

Ou seja, não só seu desfecho é sabido, como tudo que dessa vez ocorre – eventos situados logo após os vistos em Capitão América: Guerra Civil (2016) – também não terão impacto relevante, pois não irão afetar as tramas que depois dele se desenrolarão, pois estes, afinal, são conhecidos.

Qual o sentido, então, deste projeto? Basicamente, agradar aos fãs, atender a uma demanda sócio-cultural e preparar terreno para o que virá a seguir.

No primeiro sentido, o filme dirigido sem muita inspiração por Cate Shortland (Lore, 2012) é do início ao fim pensado como fan service.

Scarlett Johansson está plena como a icônica lutadora, e a despeito da ausência de superpoderes, suas habilidades são mais do que suficientes para colocá-la em ação em embates furiosos.

A cineasta, no entanto, não está tão interessada no confronto físico – por mais que esses pontuem a narrativa, a ponto de se tornarem quase que previsíveis. Há um discurso em cena, e nessa questão se aproxima banalmente – pela superficialidade de sua abordagem – de outro recente blockbuster.

Afinal, tal qual Velozes e Furiosos 9 (2021), em Viúva Negra também há uma insistência no lema de que “família são as pessoas que escolhemos para ter ao nosso redor”. Ou seja, a afetiva, aquela alternativa, e não apenas ditada por códigos genéticos.

A protagonista chega a afirmar lá pelas tantas: “por muito tempo pensei não ter família alguma, e agora percebo que possuo duas”.

Não basta estarem juntos, nos bons e nos maus momentos, nos abraços e nos perigos: é preciso declarar verbalmente. Constantemente. Desnecessariamente.

Essa vontade de entreter e estar à altura das expectativas também resulta em sequências absolutamente inúteis, ao menos sob uma ótica mais atenta.

Quando Natasha e sua irmã, Yelena (Florence Pugh, preparada para seguir com o manto da primogênita), se encontram pela primeira vez, partem imediatamente para uma luta que leva as duas a quase destruírem o apartamento onde se encontram. Mas… por quê?

Qual o sentido desse duelo, se afinal estão ali pelas mesmas razões, e logo alinham seus interesses para atuarem juntas? O mesmo pode ser dito a respeito da sequência final: um alerta é dado e os vilões são chamados, mas apenas para confundir o espectador – os personagens sabem o que está se desenrolando.

É a reviravolta pela reviravolta, gratuita e que não leva a lugar algum. Não teria sido mais fácil terem agido discretamente, sem alertar ninguém, desde o começo?

Mas o receio de frustrar a audiência é maior, e se reflete também na falta de coragem em oferecer um destino definitivo a algumas dessas novas figuras: tanto Melina (Rachel Weisz, um tanto perdida) quanto Alexei (David Harbour, feliz em ser apenas um alívio cômico) não mereciam ser tratados de forma tão leviana.

Há no mínimo três bandeiras que Viúva Negra se orgulha em levantar. A mais evidente apela para a sororidade, o que é posto de forma explícita: a maioria das personagens são femininas, passam a maior parte do tempo lutando entre si ou ajudando umas às outras, e as frases de efeito que disparam com mais rapidez do que as munições automáticas reforçam esse conceito incessantemente.

Depois, tem-se o elemento familiar, explorado no parágrafo anterior: imposto, nunca naturalizado. Por fim, há uma demanda política e econômica, que fala sobre o descaso global com o qual a parcela feminina da população, principalmente a mais carente, é tratada pelas autoridades, governos ou sociais.

Vistas como descartáveis, com as quais ninguém se importa, formariam o contingente ideal para, quando captadas com um único objetivo, darem início a um exército silencioso e discreto, do qual só se teria notícia quando a ameaça que representa afinal se concretizasse. As viúvas, portanto. Uma lógica simplista, ainda que razoável.

Mas de que adiante essa racionalização se a mesma está a serviço de um enredo que não pretende fazer uso do que tem em mãos? Basta observar o embate entre a protagonista e suas muitas semelhantes: ao invés de um épico tarantinesco (Kill Bill: Vol. 1, 2003, poderia ter sido a referência), o que se vê são closes e planos de detalhe, esvaziando o poder de tal encontro.

Em linhas gerais, Natasha, irmã e pais eram não mais do que russos inseridos no Ocidente com a desculpa de serem parentes, mas pouco tinham em comum. A convivência por mais de três anos, no entanto, não passou em branco, e laços se formaram.

Décadas depois, quando descobre que o responsável por seu treinamento tem feito o mesmo com centenas de outras garotas como ela – e não mais apenas pela lavagem cerebral, mas agora através de substâncias químicas e biológicas – a Viúva decide ir até a fonte e desmembrá-la de uma vez por todas.

No caminho, enfrenta exércitos em Budapeste, sobrevive à avalanches na Sibéria e invade uma fortaleza aérea.

O vilão, vivido pelo talentoso Ray Winstone, tem pouco a fazer além do discurso vou-explicar-tudo-agora-apenas-para-lhe-dar-tempo-de-contratacar, e mesmo o soldado mascarado – um oponente que não chega a dizer a que veio – só será enigmático o bastante para aqueles na plateia que não prestarem atenção aos créditos de abertura.

No fim, tudo foi não mais do que um caro, extenso e reiterativo passatempo. E o verdadeiro propósito dessa fanfarra, enfim, se dá depois, naquela cena – praxe dos Estúdios Marvel – que aparece somente após os letreiros de encerramento.

É quando uma visita nem tão inesperada surge e o caminho se abre para uma esperada troca de cadeiras. Muito barulho, é fato. E por quase nada.

Filme Viúva Negra – Yelena Belova (Florence Pugh)

Assim como Natasha, Yelena Belova foi treinada ainda jovem pela Sala Vermelha para ser uma espiã, tornando-se extremamente habilidosa.

No filme, descobriremos que ela possui questões não resolvidas do passado com Natasha, as quais ela está disposta a tratar.

Contudo, em meio a ameaças maiores, veremos as duas se unirem e trabalharem juntas, desenvolvendo uma relação de irmãs. Dizem por aí que ela será a nova ‘Viúva Negra’, será?

Filme Viúva Negra Melina Vostokoff (Rachel Weisz)

Melina Vostokoff é uma espiã assassina treinada quatro vezes pela Sala Vermelha, para a qual realizou diversas operações secretas, o que levou a organização a transformá-la em uma de suas principais cientistas.

Melina acabou se afastando do programa após anos de serviço, mas quando reencontra Natasha, com quem trabalhou antes de as duas seguirem caminhos diferentes, ela deve decidir de qual lado está sua lealdade.

Filme Viúva Negra Alexei Shostakov/Guardião Vermelho (David Harbour)

Alexei, também conhecido como Guardião Vermelho, foi criado pela União Soviética para ser um herói nacional — o que fica estampado no seu uniforme vermelho com a estrela soviética no peito.

Ele é o equivalente russo do Capitão América, sendo desenvolvido como retaliação após os americanos criarem seu querido herói, e viveu seus anos dourados durante a Guerra Fria.

Apesar de seu tempo como espião ter acabado, ele ainda se considera um grande herói e adora compartilhar suas histórias de grandeza com aqueles que o cercam.

No fundo, Alexei carrega um grande remorso dessa época, especialmente no que diz respeito a Natasha, quem ele conhecia muito antes de ela se tornar a Viúva Negra.

Filme Viúva Negra O Treinador (não identificado)

O Treinador é um assassino mascarado que possui a habilidade de imitar os movimentos de seus inimigos.

Além disso, ele é calculista e implacável quando o assunto é realizar as tarefas que lhe foram atribuídas. Quem será o rosto por trás da máscara?

Filme Viúva Negra Rick Mason (OT Fagbenle)

Misterioso, mas com muita atitude, Rick Mason é um ex-soldado que se tornou contrabandista internacional.

Ele guarda uma dívida com Natasha, que o ajudou no passado, e os dois possuem um forte vínculo.

Filme Viúva Negra General Dreykov (Ray Winstone)

Agente soviético de alto escalão, o General Dreykov era o responsável por supervisionar a Sala Vermelha e foi quem recrutou Natasha para o programa.

Ela o responsabiliza por seu passado tortuoso, e quer pôr um fim em suas ações – mas, para enfrentá-la, ele irá reunir todas as forças a seu dispor para parar a assassina que ele mesmo criou.

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Ator Jabob Elordi, mais conhecido por sua atuação no filme “A Barraca do Beijo”, Jacob Elordi é um ator australiano que, desde pequeno, demonstrou interesse pelas artes cênicas.

Participou de diversas peças na escola e apareceu em alguns curtas-metragens antes de se juntar a Johnny Depp e Javier Bardem em “Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar” (2017).

No ano seguinte à sua estreia, integrou o elenco da comédia dramática “Swinging Safari”, dirigida por Stephan Elliott (de “Priscilla, A Rainha do Deserto”).

Ainda em 2018, conseguiu o papel que lhe traria reconhecimento internacional: Noah Flynn, o crush de Elle Evans (Joey King) em “A Barraca do Beijo”.

A relação de Elordi e King se estendeu para além das telinhas, e os dois engataram um breve romance. O sucesso da produção foi tanto que, dois anos depois, a Netflix lançou uma sequência, intitulada “A Barraca do Beijo 2”.

Nesse meio-tempo, o astro deu vida a Nate Jacobs na série “Euphoria” (2019), estrelada por Zendaya.

O drama da HBO já teve sua segunda temporada confirmada, e Elordi deve voltar a interpretar o problemático quarterback que se envolve com Rue Bennett.

Seus demais trabalhos nas telonas incluem o romance “2 Hearts” (2020) e a comédia “The Very Excellent Mr. Dundee” (2020), protagonizada por Paul Hogan (de “Crocodilo Dundee”, 1986).

Em 2021, Elordi vai dividir a cena com Ben Affleck e Ana de Armas no longa “Deep Water”, além de retornar para a terceira parte de “A Barraca do Beijo”.

ESTADO CIVIL – ATOR JACOB ELORDI

• Atividade: Ator
• Nome de nascimento: Jacob Nathaniel Elordi
• Nacionalidade: Australiano
• Nascimento: 26 de junho de 1997 (Brisbane, Austrália)
• Idade: 24 anos

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